Художники пишут картины или рисуют: этимология — Картины пишут или рисуют? И почему — живопись?

Писать или рисовать картину — как правильно? | Образование | Общество

Отвечает Есения Павлоцки, лингвист-морфолог, эксперт института филологии, массовой информации и психологии Новосибирского государственного педагогического университета.

Сапог на ноге сидит, вилка на столе лежит, а сковорода стоит, пароход по воде идет, а я сел в автобус и стою. Лексическая сочетаемость в русском языке — известный повод для шуток. И если вы смогли объяснить иностранцу, почему платье или волосы не могут быть карими, ничего невозможного для вас нет.

И всё же, несмотря на то, что мы как носители языка не страдаем от ситуаций выбора между плывёт и идёт, причина таких «нелогичностей» нам в большинстве случаев неясна.

Почему картину пишут (и это правильная сочетаемость), а не рисуют, при том, что картинку всё же рисуют, как и рисунок?

Есть два способа разобраться в вопросе, и лучше задействовать оба: обратиться к этимологическим словарям и обратить внимание на экстралингвистическую область знаний, то есть внеязыковую. Поскольку язык отражает реальную действительность, ответы на многие лингвистические вопросы находятся за пределами словарей и справочников.

Итак, сначала обратимся к этимологии слов рисовать и писать.

Слово рисунок впервые упоминается в 1705 г., пришло через польск. rysunek – от rysować «чертить» с окончанием, а оттуда из ср.-в.-н. (средневерхненемецкий) rîʒen, д.-в.-н. (древневерхненемецкий) rîʒʒan, родственного англискому writе «писать».

Слово писать от праслав. *pьsā́tī, от которого в числе прочего произошли: др.-русск. писати, ст.-слав. пьсати, пишѫ (др.-греч. γράφειν), русск. писа́ть, укр. писа́ти. Родственно пёстрый; ср. также пёс. восходит к праиндоевр. *peik’ — «писать, пестрить». Также находим др.-инд. piṃc̨áti «украшает, придает образ, выкраивает», рḗс̨аs «вид, форма, цвет», авест. frapiχšta «украшенное».

Итак, мы видим, что слова рисунок и рисовать, упомянутые только в XVIII веке при Петре I, в нашем словоупотреблении значительно моложе слова писать. Так, сочетание писать картину, вопреки распространенному заблуждению, не стертая метафора, не образное выражение и не нововведение последних лет.

Специалисты соответствующей области — дизайнеры и художники — разграничивают лексическую сочетаемость слов писать и рисовать по технике и строго соблюдают эту языковую норму как профессиональную. Разграничение слов рисовать и писать продиктовано видовым разграничением произведений. Живопись — последовательное нанесение слоёв жидких красителей; цвет и тональность создаются смешиванием красок. Рисунок — это графика: на носитель помещаются сухие красители; светотень создается плотностью штрихов, нажимом.

Так, рисунки, которые, собственно, рисуются (чертятся, исходя из этимологии), создаются при помощи карандаша, пера, ручек, пастели, акварели — материалами для графики. Картина же пишется маслом, гуашью и другими относящимися к этой группе материалами. Легко запомнить, обращаясь к этимологии, поскольку гуашь и масло — украшают, пестрят, чего не скажешь о, например, карандаше.

Как же быть, если портрет создан материалами для графики? Получается, портрет нарисован? Специалисты отвечают, что созданное карандашом, пастелью (то есть графика) не может называться картиной — только рисунком или картинкой.

Таким образом, картину мы пишем, а рисунок — рисуем, чертим.

Смотрите также:

Картины пишут или рисуют? Давайте разберемся :: SYL.ru

У многих людей возникает вопрос: картины пишут или рисуют? Художники неодобрительно относятся к людям, которые не видят разницы между этими понятиями. Чтобы случайно не оскорбить человека, нужно разобраться в этом вопросе.

Откуда пошла разница понятий

Чтобы узнать, художник пишет или рисует картину, нужно понять этимологию этих слов. Слово rysunek имеет греческое происхождение. В России его впервые стали употреблять при Петре I. Как известно, русский царь был новатором, и в Европе получил знания не только в области кораблестроения, но и в области искусства. Именно при нем впервые стали использовать термин рисовать. Правда, в то время он употреблялся, как синоним слова чертить. Ведь это и есть точный перевод термина рисунок.

Слово «писать» имеет древнерусское происхождение. Именно этим термином обозначалось творчество художника. В качестве синонимов употреблялось слово «пестрый». Из этого можно сделать вывод, что понятие писать было неразрывно связано с живописью. Именно оно употреблялось для обозначения деятельности художника, который изготавливал фрески и иконы.

Так что же, картины пишут или рисуют? Из вышесказанного можно понять, что именно пишут. Но много непросвещенных людей все еще не видят разницы.

Почему картины пишут?

Это словосочетание пошло издревле. Люди просто не знали понятия «рисовать». Со временем термин вошел в обиход людей, и они стали активно использовать это слово. Постепенно исконно русское понятие забылось, и у людей стал возникать вопрос: картины пишут или рисуют? Чтобы не путаться в терминологии, можно запомнить, что все шедевры, которые созданы с помощью красок, были написаны. Раньше большинство наших соотечественников были безграмотны, поэтому слово «пишут», использовалось для определения досуга художника. И так как творцы в основном изображали повседневную жизнь людей и их портреты, термин перешел и в книжное производство. Ведь летописцы – это те же художники, только события они писали не с помощью кисти, а с помощью пера.

А что же тогда рисуют

Изначально термин rysunek использовался для создания чертежей. Так же это остается и по сей день. Люди, которые творят с помощью грифеля, могут смело сказать, что они рисуют. Ведь для чего раньше использовался карандаш? Для создания эскиза к рисунку, то есть для чертежа основы. Также грифельными инструментами чертились схемы и планы.

Но ведь сегодня можно увидеть много шедевров, которые изображены карандашом. А эти картины пишут или рисуют? Рисуют. Даже несмотря на то, что они являются цельными творческими произведениями, а не канвой для живописного полотна. Это устоявшееся понятие сегодня нужно для разграничения деятельности художника.

Почему дети рисуют, даже если используют краски?

К творчеству ребенка взрослые относятся снисходительно. Ведь прежде, чем стать настоящим художником, нужно набраться опыта и нарисовать не одну сотню, тысячу произведений. Это нужно для того, чтобы набить руку. Понятно, что из каждого человека творца не получится, но рисование широко используется в детском саду для общего развития детей. Оно помогает развивать воображение, моторику и пространственное мышление. И чаще всего дети делают это с помощью красок. И в этом случае как правильно: картины пишут или рисуют? Ребенок – это не художник, а ученик. Поэтому сказать, что он пишет картину, может, и будет правильно, но все же так не говорят. Ведь творение детей будет ценно только для них самих и их родителей. Взрослые люди не ценят творчества юных проказников. Поэтому и есть устоявшееся выражение: ребенок рисует. Даже в том случае, когда для создания своей работы он пользуется красками. Ситуация меняется в случае, если ребенок попадает в художественную школу. В возрасте 12-15 лет детей обучают основам художественного ремесла. Именно в это время ребенок понимает суть своей работы и четко осознает разницу между рисунком и живописью. Вот с этого-то времени дети и начинают писать.

Как быть с произведениями, нарисованными в смешанной технике?

Современное искусство пестрит разнообразными работами. Можно увидеть картину, которая написана акварелью, а сверху нанесен подмалевок гелевой ручкой. А есть произведения, в которых карандашный рисунок дополняется аппликацией из бумаги. Как быть с такими работами? В этом случае действует такое правило: если для создания большей части картины использовались краски – значит, она написана. Если творение создавалось карандашом или любым другим мягким материалом – значит, оно нарисовано. А как быть, если для создания работы использовались современные технологии? Любая иллюстрация, сделанная с помощью компьютера, считается нарисованной. Даже если в ней использовался цвет, это не имеет значения. Если цифровой рисунок выводится на бумагу, он будет считаться напечатанным. И неважно, что художник приложил усилия для его создания.

Почему картины пишут, а не рисуют, мы разобрались, теперь вы больше не будете путаться в понятиях и терминологии.

Что и зачем рисуют современные художники — Look At Me

Что и зачем рисуют современные художники — загадка для большинства. Но самое удивительное — при нашествии «цифры», радикальности перформанса и тотальных инсталляций их интерес к традиционной живописи никуда не делся. Сотни молодых художников новой волны экспериментируют с красками и поверхностями, не боятся писать картины после Малевича, Бэкона и Ротко и дают другое прочтение привычным подходам и жанрам.

За двадцать лет ренессанса живописи музеи и галереи снова наполнились холстами, предметы которых стали все более зыбкими и неузнаваемыми. Живопись становится похожа на кино: жанры и техники смешиваются между собой, а границы китча и искусства размыты как никогда раньше. В первой части гида по современной живописи Алиса Таёжная объяснила, что случилось с картинами во второй половине XX века, а теперь на примере самых известных современных живописцев показывает, что писать картины — совсем не старомодно.

 Текст: Алиса Таёжная

Предмет

Предмет в современной живописи совершенно не обязательно должен начинаться и заканчиваться на холсте, может существовать без тени и четкого очертания и вообще не ставит целью напомнить какой-то предмет или опровергнуть канон того, как рисовались предметы. Временами он настолько неуловим, что догадаться о нем можно только по надписи. Предмет без функции, но в контексте — наверное, таким было бы общее описание вещей в живописи здесь и сейчас.

Criss Canning, Arthur Merric Boyd Coffee Set, 2003Michael Craig-Martin, Knowing, 1996Susan Rothenberg, With Martini, 2002 Wayne Thiebaud, Cakes, 1963 Cindy Wright, Eat, eat, eat, 2007Luc Tuymans, Plates, 2012William Scott, Bottle and bowl, blues on green,1970

Человек

Портретное сходство остается уделом фотографии (и уже даже не как искусства, а как молчаливого регистра в фейсбуке или айфоне). Эмоция человека совсем не обязательно должна быть изображена в пределах лиц и тел — как смотрят на нас мускулистые мужички с полотен Машкова или Фрида со сросшимися бровями. Что же теперь рисует художник, когда рисует человека? В первую очередь — его человечность, нечто живое и неуловимое, что присуще только существам, которые умеют дышать. Направления жестов, полуповороты тела, акценты поз, тона теплокровной кожи, штрихи одежды — и незавершенность портрета почти всегда становится не только высказыванием, но и знаком качества.

Richard Phillips, Spectrum, 1998Martin Kippenberger, Untitled from the series Jacqueline: The Paintings Pablo Couldn’t Paint Anymore, 1996Marlene Dumas, Emily, 1984-1985Gary Hume, Young Woman,1998
Ellen Gallagher, Mr. Terrific, 2004-2005Elizabeth Peyton, Jarvis, 1995Francis Bacon, Head III, 1961Kehinde Wiley, Rubin Singleton, 2008Lucian Freud, Girl in a Dark Jacket, 1947

Ситуация

Жанровая сцена как раскадровка и застывшая картинка из театра исчезли из современной живописи чуть ли не раньше всего. Даже на мансардах Ренуара девушки в шляпках смотрят не на кавалеров, а куда-то между их трубками, сиренью и небом, и взгляд этот ловить не надо. Ситуация в живописи сейчас — это условно, минимум — живое в мертвом: от собаки на кресле до человека в аэропорту. И те, и другие одинаково плоские — перспектива убивает все: рука начинается или заканчивается в перилах, ноги уходят в лестницу, а волосы сливаются с фоном. Границы иллюзорны, и слияние с поглощением занимают сейчас художников больше всего, ведь аморфность и прозрачность — наша чуть ли не самая новая и интересная черта.

Neo Rauch, Die Fuge, 2007Wilhelm Sasnal, Untitled, 2004Mickalene Thomas, Just a Whisper Away, 2008Karin Mamma Andersson, Scener ur ett äktenskap, 2009Kara Walker, Gone, 1994Eric Fischl, Bad Boy, 1981Daniel Richter, The Entertainus, 2009
Enzo Cucchi, Ondeggiavano, 2007

Линия и форма

Кошмар обывателя — абстракция — продолжается, потому что рисовать нечеткое нечто, которое обретает новую суть через цвет, форму и размах линии — это бестелесная живопись с нуля, без впечатления, живопись из головы, идущая от импульсов. И хотя большинство абстрактных полотен — предмет инвестиций для бесхребетных коллекционеров и унылых банков, лучшие из современных абстракционистов продолжают вычленять из белого шума вещи, которых не существует в осязаемой природе.

Cy Twombly, Leda and the Swan, 1962Roger Hilton, September 1961, 1960
David Malangi, Water Hole, 1994Jasper Johns, The Dutch Wives, 1975Barnett Newman, Vir Heroicus Sumblimis, 1950-1951Brice Marden, The Muses, 1993Raoul de Keyser, Krijtlijnen HV, 1976Olle Baertling, Deni, 1961Lee Ufan
From Line, 1979 Ellsworth Kelly, Blue, Green, Red II, 1965Christopher Wool, Untitled, 2007Charline von Heyl, Yellow Rose, 2007Tim Bavington, Voodoo Child (Slight Return), 2001Arturo Herrera, Say Seven, 2000Albert Oehlen, FM 16, 2008

Пейзаж

Природа у современных живописцев — не Божий храм и не мастерская, не декорации и не пастораль, из которой выкурили всех людей. На планете, где живет почти семь миллиардов человек, природа и среда — универсальная утопия, нарисованная пунктиром, в которой бывали или попадают все. Она без конца и без края, проявляется то в виде полей, то в мелочах — из плоской детской раскраски, где фон и герои не существуют друг без друга. Природа — это огромный человек без глаз и носа, утонувший в обыденности и безвременье.

Edward Hopper, Gas, 1940Hans VANDEKERCKHOVE,
The road never ends, 2004Fred Williams, Waterpond in a Landscape, 1966Raqib Shaw, The Garden of Earthly Delights III, 2003Peter Doig, 100 Years Ago, 200David Hockney, A Bigger Splash, 1967John Baeder, Airline Diner, 1987Arthur Boyd, Australian scapegoat, 1987Anselm Kiefer, Paths: March Sand, 1980Milton Avery, Spring Orchard, 1959

12 известных художников-самоучек, добившихся большого успеха

Интересно было бы узнать, как много среди моих читателей тех, кто хотел попробовать писать и всерьез заняться живописью, но остановился не из-за нехватки времени или нехватки фантазии, а из-за распространенного стереотипа о том, что достичь успеха в живописи можно лишь после долгих лет художественого образования?

Многие полагают, что художники-самоучки могут писать лишь в качестве хобби, но на успех, признание и богатство им рассчитывать не приходится.

Известные художники самоучки и их картины

Общаясь с многими людьми, я слышу это мнение в самых разных формах. Знаю даже многих художников, которые пишут, увлеченно и очень хорошо, но считают свои картины просто забавой лишь потому, что сами они не получили художественного образования.

Они почему-то полагают, что художник — это профессия, которая непременно должна быть подтверждена дипломом и оценками. И пока диплома нет, художником стать нельзя, хорошие картины писать нельзя, а даже если и написать работу «для себя», то уж о продаже её или выставлении на суд публики запрещено даже и думать.

Якобы, картины художников-самоучек сразу распознаются специалистами, как непрофессиональные, и вызовут только критику и насмешки.

Смело скажу — это все чепуха!  Не потому, что я одна так считаю. А потому, что история знает десятки успешных художников-самоучек, чьи картины заняли достойное место в истории живописи!

Более того, некоторые из этих художников успели прославиться при жизни, а их творчество повлияло на всю мировую живопись. Причем есть среди них как художники прошлых веков, так и современные художники-самоучки.

Для примера расскажу вам только про некоторых из таких автодидактов.

1. Поль Гоген / Eugène Henri Paul Gauguin

Пожалуй, один из величайших художников-самоучек. Путь его в мир живописи начался с того, что он, работая брокером и зарабатывая хорошие деньги, начал приобретать картины художников-современников.

Это хобби увлекло его, он научился хорошо разбираться в живописи и в какой-то момент начал пробовать писать сам. Искусство увлекло его настолько, что он стал всё меньше времени уделять работе и все больше писать.

Картина «Шьющая женщина» написана Гогеном ещё в бытность его биржевым брокером

В какой-то момент Гоген принимает решение полностью посвятить себя творчеству, бросает семью и уезжает во Францию общаться с единомышленниками и работать. Здесь он начал писать действительно значимые полотна, но здесь же начались и его финансовые проблемы.

Общение с художественной элитой и работа совместно с другими художниками стали его единственной школой.

Наконец, Гоген решает полностью порвать с цивилизацией и слиться с природой, чтобы творить в райских, как он считал, условиях. Для этого он уплывает на острова Тихого Океана, сначала на Таити, затем на Маркизские острова.

Здесь он разочаровывается в простоте и дикости «тропического рая», постепенно сходит с ума и… пишет свои лучшие картины.

Картины Поля Гогена

Увы, но признание к Гогену пришло уже после его смерти. Через три года после его кончины, в 1906 году, в Париже была организована выставка его картин, которые были раскуплены полностью и позже вошли в самые дорогие коллекции мира. Его работа «Когда свадьба?» входит в рейтинг самых дорогих картин мира.

2. Джек Веттриано / Jack Vettriano (он же Джек Хогган)

История этого мастера — в некотором смысле противоположность предыдущей. Если Гоген умер в нищете, писав свои картины под гнетом непризнанности, то Хогган ещё при жизни успел заработать миллионы и превратиться в мецената только за счет своих картин.

При этом начал писать он в 21 год, когда подруга подарила ему набор акварельных красок. Новое дело так увлекло его, что он начал пробовать копировать работы известных мастеров в музеях. А затем начал писать картины на собственные сюжеты.

В итоге на первой его выставке все картины были раскуплены, а позднее его работа «Поющий дворецкий» стала сенсацией в мире искусства: её купили за $1,3 млн. Картины Хоггана покупают голливудские звезды и российские олигархи, хотя большинство художественных критиков считают их полной безвкусицей.

Картина Джека Веттриано

Большие доходы позволяют Джеку выплачивать стипендии для малообеспеченных одаренных студентов и заниматься благотворительностью. И все это — без академического образования — в 16 лет молодой Хогган начал работать шахтером, после чего нигде официально не учился.

3. Анри Руссо / Henri Julien Félix Rousseau

Один из самых известных представителей примитивизма в живописи, Руссо родился в семье сантехника, по окончании школы служил в армии, затем работал на таможне.

В это время он и начал писать, причем именно отсутствие образования позволило ему сформировать собственную технику, в которой богатство красок, яркие сюжеты и насыщенность полотна сочетаются с простотой и примитивностью самого изображения.

Картины Анри Руссо

Ещё при жизни художника его картины высоко оценили Пикассо, Гийом Апполинер и Гертруда Штейн.

4. Морис Утрилло / Maurice Utrillo

Ещё один француский художник-автодидакт, без художественного образования сумевший стать знаменитостью мирового масштаба. Его мать была натурщицей в художественных мастерских, она же подсказала ему основные принципы живописи.

Позже все его уроки заключались в наблюдении за тем, как пишут великие художники на Монмартре. Долгое время его картины не признавались серьезными критиками и он перебивался лишь случайными продажами своих работ простой публике.

Картина Мориса Утрилло

Но уже к 30 годам его работы стали замечать, в возрасте сорока лет он становится знаменитым, а в 42 получает Орден Почетного Легиона за вклад в искусство во Франции. После этого ещё 26 лет он творил и нисколько не беспокоился об отсутствии диплома о художественном образовании.

5. Морис де Вламинк / Maurice de Vlaminck

Французский художник-самоучка, все официальное образование которого закончилось в музыкальной школе — родители хотели видеть его виолончелистом. В подростковом возрасте начал писать картины, в 17 лет занимался самообразованием вместе с другом Анри Ригалоном, а в 30 продал свои первые картины.

Картина Мориса де Вламинка

До этого времени он умудрялся кормить себя и свою жену уроками игры на виолончели и выступлениями с музыкальными коллективами в различных ресторанах. С приходом славы полностью отдался живописи, а его картины, в стиле фовизм, в будущем серьезно повлияли на творчество импрессионистов XX века.

6. Аймо Катаяйнен /Aimo Katajainen

Финский современный художник, работы которого относят к жанру «наивного искусства». В картинах присутствует много синего цвета- ультрамарина, что в свою очередь очень успокаивает… Сюжеты картин спокойные и умиротворящие.

Картины Аймо Катаяйнен

 Прежде чем стать художником, изучал финансовое дело, работал в клинике для реабилитации алкоголиков, но все это время писал в качестве хобби, пока его картины не начали продаваться и приносить хороший доход, достаточный для жизни.

7. Иван Генералич / Ivan Generalić

Хорватский художник-примитивист, сделавший имя картинами с сельским бытом. Стал знаменитым случайно, когда его картины заметил один из студентов Загребской академии и предложил ему провести выставку.

Картина Ивана Генералича

После того, как его персональные выставки прошли в Софии, Париже, Баден-Бадене, Сан-Пауло и Брюсселе, он стал одним из самых известных хорватских представителей примитивизма.

8. Анна Мозес / Anna Mary Robertson Moses (она же Бабушка Мозес)

Известная американская художница, начавшая писать в 67 лет после смерти мужа, уже страдая артритом. Никакого художественного образования не имела, но её картину случайно заметил нью-йоркский коллекционер в окне дома.

Картина Анны Мозес

Он и предложил провести выставку её работ. Картины Бабушки Мозес быстро стали настолько популярными, что её выставки были проведены во многих европейских странах, а затем в Японии. В возрасте 89 лет Бабушка получила премию от президента США Гарри Трумена. Примечательно, что прожила художница 101 год!

9. Екатерина Медведева

Самый известный в России представитель современного наивного искусства, Екатерина Медведева не получила художественного образования, а писать начала, когда работала на полставки на почте. Сегодня она вошла в рейтинг 10000 лучших художников мира с 18 века.

Картина Екатерины Медведевой

10. Кирон Уильямс / Kieron Williamson

Английский вундеркинд-автодидакт, который начал писать в стиле импрессионизм в 5 лет, а в 8 впервые выставил свои картины на аукцион. В 13 лет он за полчаса продал на аукционе 33 свои картины за $235 тыс, а сегодня (ему уже 18) он — долларовый миллионер.

Картины Кирона Уильямса

Кирон пишет по 6 картин в неделю, а за его работами постоянно выстроена очередь. На образование у него просто не остаётся времени.

11. Пол Ледент / Pol Ledent

Бельгийский художник самоучка и творческая личность. Увлекся изобразительным искусством ближе к 40 годам. Судя по картинам, много экспериментирует. Изучал  живопись самостоятельно …и сразу применял знания на практике.

Хоть Пол и брал несколько уроков по живописи, большую часть своего увлечения изучал сам. Учавствовал в выставках, пишет картины на заказ.

Картины Пола Ледента

По моим наблюдениям, пишут интересно и свободно именно творчески думающие люди, у которых незабита голова академическими  художественными знаниями. И кстати, добиваются определенного успеха в арт нише не меньше художников-профессионалов . Просто такие люди не боятся смотреть на обычные вещи чуть-чуть шире.

12. Хорхе Масьел  / JORGE MACIEL

Бразильский автодидакт, современный талантливый художник- самоучка. У него получаются чудесные цветы и  красочные натюрморты.

Картины Хорхе Масьел

Этот список  художников самоучек можно продолжать очень долго. Можно сказать, что Ван Гог, один из влиятельнейших художников мира, не получил официального образования, учился эпизодически у разных мастеров и так и не научился писать человеческую фигуру (что, кстати, и сформировало его стиль).

Можно вспомнить Филиппа Малявина, Нико Пиросмани, Билла Трейлора и множество других имен: многие известные художники были самоучками, то есть, учились Самостоятельно!

Все они — подтверждение того факта, что для успеха в живописи специальное художественное образование иметь необязательно.

Да, с ним легче, но можно стать хорошим художником и без него. Ведь самообразование никто не отменял… Равно как и без таланта — об этом мы уже говорили в отдельной статье. .. Главное, иметь жгучее желание учиться самостоятельно и открывать все яркие грани живописи в практике.

Как видите, рисовать художники самоучки начали в разном возрасте, и часто, когда возраст переваливает за 40… и живут они во всех странах мира без огранечения!

Если вы все еще не рисуете, но проявляете к этому интерес, то загляните в раздел Мастер Классы, где сможете подобрать для себя подходящий видео урок.

Будьте решительнее и окунитесь в чудесный мир творчества и искусства!

Видео для размышления: Что произойдет с вами, если вы начнете рисовать красками: 8 вещей, которые изменят вашу жизнь

Друзья, чтобы статья не затерялась среди множества других статей в паутине интернета, сохраните ее в закладках. Так вы сможете вернуться к прочтению в любой момент.

Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы

Зачем художники рисуют? | Культура

Объяснение дать просто, вспомнив о пирамиде потребностей Маслоу. Пока не получено главное, не тратятся силы на второстепенное. Или иначе: пока не удовлетворены низшие потребности, для высших энергии не будет.

Надо выспаться, утолить жажду и голод. Чего еще требует организм?

Важно ощущение безопасности, далее — хорошо бы иметь привязанность и не страдать из-за отсутствия любви, принадлежать к какой-либо уважаемой группе людей, и не одной.

Когда все это налажено, появляется познавательная потребность. Затем — эстетическая со стремлением привести к гармонии разные стороны жизни и наполнить их красотой. И только после этого возникает стремление извлечь нечто из своего внутреннего мира и оставить этому миру после себя.

Когда говорят, что без удовлетворения низших потребностей невозможно подняться к высшим, это отчасти верно. Но полное удовлетворение невозможно, а частичного вполне достаточно. Художник, который не вполне сыт, испытывает некоторые опасения, не слишком любим, не все познал и великие произведения искусства видит в музее, а не в своей комнате, может стремиться к самореализации с большей силой, чем балованный принц, имеющий всего с избытком.

Живопись не гарантирует все блага этой жизни, но вероятность их получения не мала. Может ли художник заработать на хлеб или хлеб с маслом, или хлеб с маслом и икрой? Может. Но сперва придется потратиться на холсты и краски (список затрат может включать в себя что угодно и быть зашкаливающе велик или предельно скромен, не о том речь). Затем придется изучить этот мир с точки зрения художественных потребностей и попробовать удовлетворить спрос. Фантастически трудная задача для мира, в котором все завалено ширпотребом и именно к этому ширпотребу пытаются обратить внимание людей каналы информации. Так что доход удастся получить скорее благодаря торговому посредничеству или педагогической работе, магазинов и детей для этого достаточно много.

Насчет безопасности трудно сказать что-то определенное. Есть местности, где художников били, бьют и бить будут. Есть, напротив, окружающие их атмосферой наибольшего благоприятствования, и в этом случае один художник дает особый статус всей родне и всей округе.

Социальное — самое приятное. Если парень не имеет атлетической фигуры и серьезных доходов, а девушка не славится красотой лица и фигуры, комплексовать совсем не обязательно, можно принять имидж творческой личности и с легкостью забыть обо всем, чего недостает. Кругом общения станут друзья-художники, которым не свойственно обращать внимание на отсутствие чего-либо, если есть хоть намек на талант. Важно избежать соперничества и войти в братство.

Для амбициозных бездарей характерно презрение к работам других. Иногда у них есть достаточные ресурсы для того, чтобы подняться на большую высоту, и с собой они могут прихватить какого-либо умело поддакивающего новичка. Это тоже путь. Можно будет окружить себя подхалимами и отдалиться от профессионального сообщества, ссылаясь на то, что вороны летают стаями, а орлы парят в одиночестве. Правда, сообщество ответит тем, что группу поддержки такого «орла» назовет воронами, а его самого — падалью.

Материальные и социальные ресурсы значат много. Тот, кто ими обладает неограниченно, может уже завтра оказаться гением, взяв в руки кисть лишь для фотографий в глянцевых журналах. Не обладая ими вовсе, можно годами не находить пути реализовать огромный талантище. Это крайности, между которыми находится миллион людей с некоторыми способностями и некоторыми возможностями. Именно они задаются вопросом о том, стоит ли тратить время на изобразительные искусства.

Стоит. И вот почему. Тот, кто творит сам, избавлен от стереотипного восприятия работ других, и мир образов открывает ему свои пространства. Разница примерно такая же, как если сидеть в камере-одиночке — или путешествовать по всему белому свету.

Работы, сделанные вашими руками, полны ценности и смысла и для вас, и для всех, кто вас любит. Эта ценность с годами только возрастает. Не исключено, что ваши труды с гордостью передадут внукам и правнукам. Каждый род нуждается в доказательствах того, что в нем есть незаурядные люди, и ваши работы могут отвечать этой необходимости.

Жить и делать что-либо по шаблону можно очень долго, испытывая удовольствие от простоты такой жизни, но что-то в ней не удовлетворяет, и это чувство можно заглушить пивком или чем-то покрепче. Деградация не за горами. Остановить ее трудно, почти невозможно. У тех, кто творит (а не имитирует творчество ради более высокого социального статуса творца), радость не переводится, да и глушить ничего не приходится.

Творцов любят. Трудно объяснить почему, если не вспоминать об их близости к богу. Объяснения есть, но здесь не место для диссертации на эту тему.

Почему художники ХХ века так «плохо» рисовали и еще 5 вопросов о живописи, ответы на которые вы хотели знать

Высокое искусство — вещь сложная и для многих непонятная. Живопись эпохи Возрождения с ее идеальным изображением привлекает множество почитателей, а вот поверить в то, что работы Пикассо и Кандинского действительно могут стоить баснословных денег, легко далеко не всем. Обилие обнаженных людей на картине — еще одна загадка, как, впрочем, и парадокс того, что хорошие картины необязательно должны быть красивыми.

AdMe.ru узнал ответы на несколько любопытных вопросов о живописи, заглянув в работы искусствоведов и культурологов.

1. Действительно ли живопись так дорого стоит?

То и дело мы слышим о бешеных суммах, выложенных за ту или иную картину. Но на самом деле такие деньги — удел очень немногих работ. Большинство художников огромных сумм и вовсе никогда в глаза не видели. Искусствовед Джонатан Бинсток считает, что в мире всего около 40 авторов, чьи картины оцениваются суммой с многими нулями.

Искусством правят бренды

Приведем, пожалуй, самый яркий пример. Наверняка вы слышали о художнике-граффитисте Бэнкси. Остросоциальная направленность работ и биография, покрытая ореолом тайны, сделали свое дело. Сегодня Бэнкси — художник, работы которого оцениваются многозначными суммами. Его картина «Девочка с воздушным шаром» была продана за £ 1,042 млн. А о перформансе по ее уничтожению сразу после продажи заговорил весь мир.

Бэнкси — это бренд, а бренды отлично продаются. Таким образом, стоимость картины во многом определяется известностью ее автора.

Успешная продажа одной картины — залог успеха других

Художнику может долго не везти, он будет прозябать в бедности и неизвестности, не имея возможности выгодно продавать свои работы. Но как только он сумеет продать одну из своих картин за немалые деньги, будьте уверены, цена на другие его работы резко взлетит.

Редкость, малочисленность, уникальность

Голландского художника Яна Вермеера сегодня называют бесценным. Его кисти принадлежит не так уж много картин — всего 36. Художник писал довольно медленно. Пропавшая в 1990 году картина голландца «Концерт» сейчас оценивается примерно в $ 200 млн. Редкость и малочисленность полотен влияет на то, что цены на них просто заоблачные.

Легендарный Ван Гог — это супербренд. Картин художника насчитывается немного, и очевидно, что больше он уже ничего не создаст. Его работы уникальны.

10 лет назад «Супрематическая композиция» Малевича была продана за $ 60 млн. Возможно, если бы не кризис, она бы ушла и вовсе за $ 100 млн. Картины Малевича в частных коллекциях наперечет, и когда в следующий раз на рынке появится вещь подобного класса — неизвестно. Может, через 10 лет, а может, через 100.

В общем, очевидно: покупатели готовы платить баснословные деньги за предметы исключительно редкие.

Новаторство стоит дорого

Одна из работ Ричарда Принса в направлении «художественное заимствование».

Фотохудожник Ричард Принс придумал переснять из журнала чужое фото ковбоя в рекламе, убрав все надписи. Такая несусветная наглость получила широкий резонанс и… признание. Принс стал считаться создателем нового направления в искусстве — Appropriation Art (художественное заимствование). Смелый жест фотографа превратился в $ 3 млн — именно за столько был продан снимок «Ковбой».

Если бы «Черный квадрат» Малевича вдруг оказался на рынке, за него бы развернулась нешуточная борьба кошельков. И бились бы покупатели не за схематичную геометрическую фигуру на холсте. Они сражались бы за революционную идею, свежую и ранее неизвестную вещь, икону авангарда, которая определила дальнейшее развитие живописи ХХ века. В 1915 году, когда была создана картина, дамы еще носили шляпки, бюстгальтер считался эпатажной новинкой, а на престолах Европы сидели короли. И тут — вы только представьте! — появляется Малевич со своим шокирующим квадратом.

Живопись берет на себя функцию достопримечательности

Сегодня растет уровень культурного туризма, и живопись выполняет функцию достопримечательности. В известные музеи выстраиваются многочасовые очереди из туристов. И чтобы заявить о себе и претендовать на славу мирового уровня, галерее нужно непременно владеть подлинниками знаменитых и популярных живописцев.

Растут и искусственно создаваемые центры культурного туризма, например на Ближнем Востоке и в Китае. Недавно королевская семья Катара заключила частную сделку на сумму $ 250 млн — все ради того, чтобы страна обладала картиной Сезанна «Игроки в карты».

Когда есть все, начинает тянуть на искусство

В 2017 году миллиардер Дмитрий Рыболовлев продал эту картину Леонардо да Винчи за $ 450 млн. Теперь это самая дорогая сделка в мире живописи.

Когда у тебя есть 4 дома и самолет G5, то что еще остается делать? Остается только вкладывать деньги в живопись, ведь это одна из самых прочных «валют».

Согласно данным за 2015 год, в мире насчитывается 34 млн долларовых миллионеров. И даже если представить, что только 1 % из них интересуется искусством, то получится, что на свете живут 340 тыс. человек, готовых выкладывать круглые суммы за картины. А самих картин известных авторов, как мы писали выше, совсем немного, особенно по сравнению с количеством миллионеров. Кроме того, даже те, кто не интересуется живописью, готовы вкладываться в нее ради престижа или стабильности такого вложения.

Вот и выходит, что дороговизна живописи во многом обусловлена тем, что слишком большое количество денег охотится за малым количеством товара.

2. Всем ли картинам нужны рамы?

Картина Жоржа Сёра «Канал в Гравлине, Большой Форт-Филипп».

В книге Сьюзи Ходж «Почему в искусстве так много голых людей» говорится о назначении рам. Так, они защищают края картины и привлекают к ней внимание. Некоторые рамы вычурные, другие совсем простые, они не отвлекают от созерцания. Предназначение рамы — дополнять картину и показывать ее наилучшим образом.

А вот художник-абстракционист Пит Мондриан сравнивал рамы со стеной, которая стоит между зрителем и картиной. Ему хотелось убрать это чувство дистанции. И художник писал на самых краях полотен и даже на боковине.

Жоржу Сёра не нравилась тень, которую отбрасывают рамы на картину. И он часто сам изображал рамы из крохотных точек разных цветов. Кстати, по похожему принципу картин Сёра через полвека станет работать цветной телевизор.

3. Почему на картинах так много голых людей?

Фрагмент фрески Микеланджело «Сотворение Адама».

Еще древние греки считали, что обнаженное тело — это невероятно красиво.

В искусстве чаще всего нагота — это символ. Символ новой жизни, искренности, беспомощности живого существа, а также жизни и смерти.

Кроме того, ничто не вызывает такие сильные эмоции у зрителя, как нагота. Это может быть интерес, неловкость, стыд или восхищение.

4. Почему все такое плоское и вообще нереалистичное?

Картина чешского художника Богумила Кубишты «Гипнотизер».

Пожалуй, одно из самых частых обвинений в адрес современных мастеров звучит так: художники разучились похоже передавать действительность. Отсюда и заблуждение, будто предметы выглядят плоскими.

Но посмотрим, например, на полотна кубистов. Они ломают перспективу, но изображают предметы одновременно под разными углами и даже в разный момент времени. Поэтому нельзя сказать, что изображение на полотне двухмерное.

Рисовать «похоже» уже не надо — это может сделать фотография. Поэтому искать ответ на вопрос, почему художник на той или иной картине изобразил реальность плоской, нужно в самой задумке автора. Убирая одни детали изображения, художник акцентирует внимание на других. Упрощая изображение, он делает его более выразительным.

5. Художники XIX–XX веков не умели «нормально» рисовать? Или они это нарочно?

В XIX веке зародился стиль живописи под названием примитивизм, или наивное искусство. Его представители упрощали картину и делали формы примитивными, будто детские рисунки или первобытное искусство. Картины некоторых примитивистов вошли в сокровищницу мирового искусства и произвели сильное впечатление на своих современников. И это несмотря на то, что у художников наивной живописи не было академического образования. Пиросмани и Руссо были всего лишь самоучками, но их картины привлекли тех, кто повидал уже все и кому наскучила традиционная живопись. Такие картины были как глоток живительной простоты.

А вот профессиональные художники-авангардисты XIX–XX веков имели за плечами художественное образование и сильную базу. Они умели писать как угодно, но в какой-то момент решили это делать вот так, подражая примитивистам. Как говорится, так было задумано, ведь это совершенно новый (а значит, интересный для тех, кто устал от старого) способ воздействия на зрителя.

Художники прекрасно справились бы с картиной в духе академического классицизма, и именно поэтому для них это было скучно. Юный Пикассо писал трогательные и довольно реалистические портреты. А вот зрелый художник выбрал для себя путь, который шокирует, бодрит глаз, который помогает продемонстрировать крутое колористическое чутье и ощущение формы.

6. Должны ли картины непременно быть красивыми?

Красиво не значит искусство, и само искусство не всегда изображает красоту. Представление о прекрасном у каждого разное, и мнение отдельно взятого человека не может считаться эталоном.

Отвлечемся от живописи и проведем параллель с кино. Среди искусствоведов встречаем такое мнение: утверждать, что картины непременно должны быть красивыми, — то же самое, что говорить, будто настоящее кино — это только романтическая комедия или мелодрама с хеппи-эндом. А психологические драмы, боевики, триллеры — это и вовсе не кино. Согласитесь, логика в этом есть.

Искусство (и живопись в том числе) должно говорить на языке своего времени. И чтобы насладиться любой картиной, даже реалистичной, нужно знать, что на ней изображено. На выставках мы обычно читаем подписи к полотнам и даже пользуемся аудиогидом.

А какая живопись близка вам?

Зачем художники рисовали одни картины поверх других — Российская газета

В начале июня в Муниципальном музее Гааги сотрудники при подготовке к выставке работ Клода Моне сделали интересное открытие. Реставратор Рут Хоппе при осмотре картины «Глицинии» заметила небольшие повреждения от осколков стекла в результате бомбардировок во время Второй мировой войны. Сделав рентгеновский снимок, Хоппе увидела поразительную вещь: под «Глициниями» оказался другой слой с изображением водяных лилий.

«Кувшинки» — одна из самых знаменитых серий Клода Моне. Многие работы из этой серии висят в лучших музеях мира или перепродаются на аукционах по многомиллионной цене. Сотрудники музея в беседе с The New York Times высказали предположение, что возможно, это последнее изображение кувшинок Моне.

«Глицинии», Клод Моне. Фото: www.gemeentemuseum.nl

Картина с «двойным изображением» написана между 1917 и 1920 годами, уже под конец жизни Моне, когда он уже был известным и востребованным художником, и вряд ли он использовал один и тот же холст для разных картин в целях экономии. Хоппе также предполагает, что Моне, скорее всего, хотел поэкспериментировать с переходом от изображения кувшинок до глициний, но в итоге остановился на полном изображении глициний.

В истории искусства было немало случаев, когда известный живописный образ на самом деле является не тем, чем кажется. Художники перекрывали, скрывали или перерисовали детали, а иногда даже целые картины по разным причинам. Мы решили сделать подборку известных картин, чьи первоначальные слои содержали другой сюжет, и расскажем про причины правок.

1. Винсент ван Гог, «Лоскут травы»

Написанная в 1887 году картина изображает пейзаж с травяным и цветочным зеленым поле. Однако в 2008 году при помощи рентгенофлуоресцентного анализа ученые из Университета Антверпена обнаружили изображение головы женщины.

Винсент ван Гог, «Лоскут травы». Фото: www.kollermuller.nl

В те годы ван Гон как раз часто писал портреты крестьянок. На самом деле треть всех картин голландца написана поверх использованных холстов. Скорее всего, бедность не позволяла ван Гогу писать на новых холстах.

Рентгеновский снимок. Фото: www.kollermuller.nl

2. Франсиско Гойя, «Портрет дона Рамона Сатуэ»

«Портрет дона Рамона Сатуэ» испанского живописца Франсиско Гойи, который хранится в амстердамском Рейксмузееме, изображает испанского судью Рамона Сатуэ. Эта картина датируется 1823 годом, хотя, проведя тот же рентгенофлуоресцентный анализ, ученые из Университета Антверпена выявили, что Гойя работал над картиной еще в 1810-е годы, правда, то был портрет совсем другого человека.

В 1810-е годы наполеоновские войска завоевали Испанию, и Бонапарт сделал своего брата Жозе королем Испании. Судя по одежде, на фигуре первоначального портрета Гойя изобразил или французского генерала, или самого Жозе Бонапарта. В 1813 году французы были изгнаны из Испании, и на испанский трон вернулся Фердинанд VII. Хранение портрета французского генерала уже во времена испанского правления стало опасным для Гойи, поэтому поверх первоначального портрета он написал испанского судью.

Франсиско Гойя, «Портрет дона Рамона Сатуэ». Фото: www.rijksmuseum.nl

3. Ян Вермеер, «Девушка, читающая письмо у открытого окна»

Как и с «Глициниями» Моне, в этом году ученые выявили новые детали одной из вермееровских картин. На одной из его известнейших картин «Девушка, читающая письмо у открытого окна» все это время была скрыта одна деталь. С помощью различных анализов и рентгена ученые обнаружили замазанное изображение купидона на пустой стене еще в 1979, предполагая, что это сам художник внес правки.

Правда, в 2017 году ученые выявили, что это было сделано после смерти Вермеера консервативным владельцем картины, который не хотел присутствия обнаженного купидона. В этом году сотрудники Дрезденской картинной галереи, где хранится работа, сумели скальпелем снять слой краски с амура. Наличие этого персонажа меняет атмосферу картины. До этого от единственной фигуры девушки исходило одиночество, но присутствие купидона представляет работу в более романтическом свете.

4. Кузьма Петров-Водкин, «Натюрморт с сиренью»

«Натюрморт с сиренью» Кузьмы Петрова-Водкина стал известен каждому после того, как приобрел звание самой дорогой картины в истории русских торгов на аукционе Christie’s 3 июня 2019. Во время анализа работы специалистами аукционного дома была обнаружена вторая дата, написанная рукой художника в углу картины. Причем, подпись перевернута, а это указывает на то, что для натюрморта художник выбрал уже использованный холст.

При съемке в инфракрасном свете под натюрмортом обнаружили незаконченную «Мадонну с младенцем» (рисунок этой работы хранится в одной частной коллекции).

Предположительно, Петров-Водкин перекрыл изображение Мадонны под влиянием политического строя. В 1928 году, через год после начала работы над картиной, художнику поступило предложение выставиться в Институте Карнеги в США в 1929 году. Более подходящим сюжетом для советского творчества сочли натюрморт с изображением граненого стакана с сиренью, рядом с журналом «L»Art Vivant».

5. Амедео Модильяни, «Портрет девушки»

Исследователям британского музея Тейт Модерн, благодаря проведенному рентгеновскому анализу, удалось обнаружить находящийся и скрытый от публики портрет бывшей любовницы итальянского художника Амадео Модильяни. «Портрет девушки», написанный в 1917 году, изображает молодую женщину, чье имя остается неизвестным, в то время как личность персонажа, изображенная на скрытом первом слое полотна, представляет британскую поэтессу и писательницу Беатрису Хастингс.

Амедео Модильяни, «Портрет девушки». Фото: www.tate.co.uk

Она являлась музой и любовницей Модильяни в период с 1914-1916 годы. Их отношения были короткие, но очень бурные. Они познакомились в Париже и были очень капризной и дикой парой. Беатриса не раз позировала для своего возлюбленного, сохранилось множество ее портретов. Однако после расставания Модильяни решил заставить исчезнуть возлюбленную не только из своей жизни, но и со своих холстов — посредством покрытия их новыми сюжетами.

Фото: www.tate.co.uk

масляная краска | BLICK Art Materials

Масляная краска

Долговечная и универсальная масляная краска — это классический материал, выдержавший испытание временем на протяжении сотен лет. Масляные красители состоят из пигментов, взвешенных в связующем, обычно в льняном масле. Они очень непрозрачные, но их можно разбавлять до разной степени прозрачности. Масла также имеют медленное время высыхания, поэтому художники могут дольше обрабатывать краску.

Масляные красители

содержат полную загрузку пигмента, взвешенного в связующем, как правило, в льняном масле или другом олифе, таком как сафлоровое масло, маковое масло или масло грецкого ореха.Используйте их на натянутом холсте или досках, загрунтованных масляными красками. Краски профессионального уровня, обычно сделанные с использованием одного пигмента, смешиваются более чисто и обладают большей колеровочной способностью, чем краски более низкого качества.

Масляные краски

студенческого класса имеют рабочие характеристики, аналогичные профессиональным маслам, но с более низкой концентрацией пигментов и меньшим диапазоном цветов — обычно только одной серии. Студенческие масла часто содержат пигментные смеси вместо отдельных пигментов, а более дорогие пигменты обычно воспроизводятся по оттенкам, которые могут не иметь тех же характеристик смешивания, что и полные цвета.

Масляные краски

, смешиваемые с водой, похожи на обычные масляные краски, но содержат модифицированное масляное связующее, которое можно смыть водой. После высыхания слой краски водостойкий, как и обычные масляные краски, со временем высыхания, аналогичным времени высыхания традиционных масел. Очистка проще, не требуются растворители, которые могут иметь вредные побочные эффекты. Смешиваемые с водой масла можно смешивать с обычными масляными красителями и средами, но полученная смесь может потерять свои свойства смешиваемости с водой.Их также можно разбавить водой, но это сделает пленку краски более матовой и вызовет изменение цвета от влажного к сухому. Рекомендуется использование смешивающихся с водой сред.

Алкиды изготовлены на основе связующего на основе алкидной смолы, модифицированной не желтеющим олифой для оптимального сохранения цвета, отличной долговечности и быстрого высыхания. Основное преимущество алкидных красок по сравнению с масляными красками состоит в том, что они могут высохнуть на ощупь за 12-48 часов, а картины с довольно тонкими покрытиями могут быть готовы к нанесению лака всего за 30 дней.Время высыхания и степень блеска зависят от марки. Используйте алкид с алкидной средой или другими традиционными масляными красками. Очистите уайт-спиритом.

Oil Paint Sticks — это масляные краски в форме карандашей. Они совместимы с традиционными масляными красками и могут использоваться практически таким же образом — наносите их напрямую или разбавляйте средой или растворителем по вашему выбору.

Blick предлагает широкий выбор масляных красок для различных областей применения. Найдите масляную краску студента и художника, масляные краски, смешиваемые с водой, алкидную краску и палочки для масляной краски.

5 различных видов художественной краски

Выбор краски для использования временами может быть затруднительным из-за различных типов краски. Получите желаемую отделку, используя подходящую краску для вашего следующего проекта. Некоторые краски более стойкие, чем другие, или полностью меняют внешний вид изделия. В зависимости от того, что вы создаете, правильный выбор краски может иметь огромное значение для окончательного успеха вашего шедевра. Эти 5 типов красок отличаются по стилю и свойствам, но могут оказать большое влияние на ваш следующий арт-проект.

Акрил —

Акриловые краски чрезвычайно универсальны и идеально подходят для тонкой работы кистью, глазуровки, окрашивания, техники водной среды и многого другого. Эта гладкая и светлая краска имеет отличное качество пигмента, стойкость цвета и стойкость. Акриловую краску можно наносить практически на любую устойчивую поверхность, например, на акварельную бумагу или холст. Он быстро сохнет и может быть приобретен в различных формах, например в тюбике или маленькой бутылке с чернилами различной вязкости.

Нефть —

Краска на масляной основе очень прочная и имеет глянцевую поверхность. Мазки покрываются гладким насыщенным лаком. Краска на масляной основе имеет стойкое покрытие и хорошо сочетается с другими. Эта краска сохнет медленно, что работает на пользу художнику, поскольку художник может развивать картину постепенно, по ходу внося изменения в работу. Не забывайте о водно-масляных красках. Водосмешиваемая масляная краска — это масляная краска с добавлением эмульгатора. Краска этого типа смешивается с водой, а не на водной основе. Эта краска обладает эластичностью и тонко разбавляется при добавлении большего количества воды.

Акварель —

Акварель — это полупрозрачная краска, содержащая пигмент и связующее, обычно гуммиарабик. Гуммиарабик скрепляет краску и предотвращает отслаивание краски. Краска содержит цветной пигмент, взвешенный в воде до тех пор, пока вода не высохнет и не пачкает поверхность. Кисти для рисования обладают текучестью и прозрачностью и довольно быстро сохнут.

Гуашь —

Гуашь — водорастворимая непрозрачная краска, поэтому белая поверхность бумаги не просвечивается.Он немного меловее, чем традиционная акварель, и скорее поглощает свет, чем отражает его. Краска разбавлена ​​водой, но имеет сильный цветной пигмент. Эта уникальная краска сохнет темнее, и ее небольшое количество проходит долгий путь и требует времени для высыхания, что означает, что с ней можно работать в течение нескольких часов или даже дней после нанесения.

Энкаустика —

Encaustic — краска на восковой основе с сильным цветным пигментом. Универсальный выбор краски, энкаустик не содержит растворителей и невосприимчив к влаге.Он очень прочный, и его лучше всего использовать на твердой впитывающей поверхности. Художники могут использовать источник тепла и металлические инструменты, чтобы начать работу с этим горячим жидким воском, известным как энкаустик.

Когда дело доходит до выбора краски, выбирайте краску в зависимости от стиля и отделки. Существует множество уникальных типов красок на выбор с различными методами нанесения и вязкостью. Эти типы красок гарантированно станут лучшим выбором для вашего художественного проекта. Каждая краска придает вам неповторимый вид, возможности безграничны.Попробуйте один из этих 5 различных типов красок в своем следующем проекте.

Краски, предлагаемые в Trekell:

Акрил —
Golden Heavy Body Acrylic — 2 унции,
Golden Fluid Acrylic — 1 унция Наборы акриловых красок Sennelier

Масло —
Масляные краски Gamblin Artist’s Oil
Масляные краски Gamblin 1980
Художники ручной работы Майкл Хардинг Масляные краски
Наборы масляных красок Майкла Хардинга

Акварель —
Экстра тонкие акварели Дэниела Смита — 15 мл
Наборы акварелей Дэниела Смита
Акварель французских художников Sennelier — тюбики 10 мл
Половинки акварельных красок Sennelier French Artists
Наборы акварелей Sennelier

Гуашь —
М.Гуашь Graham Artists ‘
Наборы гуаши M. Graham Artists’
Гуашь Holbein Acryla Gouache — 20 мл
Наборы гуаши Holbein Acryla Gouache

Можно ли использовать домашнюю краску для искусства?

Вопрос о том, можно ли использовать краску для дома, а не краски художника, возникает в разных контекстах, но, похоже, все они мотивированы желанием сэкономить. У людей разные мнения, но, вероятно, лучше сэкономить, покупая краски студенческого качества или экономя на краске, создавая картины меньшего размера, чем используя домашнюю краску.

Будет ли краска на холсте продержаться дольше?

Конечно, художники могут использовать любые средства массовой информации для своего искусства, а творческое использование нетрадиционных материалов является основой современного экспериментального творчества. «Фонтан» Марселя Дюшана известен тем, что создает искусство из самых банальных и даже самых грубых предметов.
В своем блоге Марк Голден из Golden Paints комментирует обратную сторону экспериментов с краской для дома:

«Я не могу сказать, сколько сотен раз я слышал вопрос« Могу ли я использовать краску для дома? » от художников. Если вы просите моего разрешения, во что бы то ни стало, используйте краску для дома … Возможности творить и материалы, с помощью которых можно творить, безграничны. Это радостная вещь … Но тогда возникает следующий вопрос … Продержится ли это надолго? «…. Самая серьезная проблема даже с качественной краской для дома заключается в том, что на ней начнут появляться трещины [некоторые из которых ] приведет к отколу краски от холста «.

Голден также отмечает, что затвердевание поверхности краски означает, что вы не сможете снять картину с подрамников и свернуть ее или использовать ключи для холста, чтобы затянуть провисший холст.

Вы получаете то, за что платите

Также помните, что с краской для дома вы все равно получаете то, за что платите, и чем дешевле краска, тем меньше в ней пигмента. Руководство по ремонту дома Боб Формизано говорит: «Большая часть того, что вы наносите с дешевой краской, — это вода или уайт-спирит (растворители до 70%), которые испаряются и оставляют мало пигмента».

Другая проблема заключается в том, что краски для дома не работают так же, как краски художников — они созданы для совершенно иной цели.Так что не ждите, что они будут смешивать, растушевывать или глазировать, как это делают краски художника. Согласно DickBlick / Utrecht Art Supplies, «краска для дома обычно не так хороша, как акрил художников с точки зрения долговечности, светостойкости и внешнего вида». Разные производители красок для дома используют разные транспортные средства и связующие, некоторые из которых более склонны к пожелтению. Краска для дома также может быть более хрупкой из-за наполнителей и других добавок, что делает ее склонной к растрескиванию и отслаиванию. Покрытие готовой детали лаком, защищающим от ультрафиолетовых лучей, может продлить срок службы.

Что касается долговечности, если вы просто рисуете для себя, то, что вы используете, не имеет значения. Или, если вы достаточно известны (и высокомерны), вы можете считать, что сохранение вашей работы — это проблема куратора. Или вы можете придерживаться мнения, что до тех пор, пока человек, покупающий картину, знает, что это смешанная техника, все в порядке. В конечном итоге выбор является личным и зависит от ваших намерений и стиля, а также от ваших финансов.

С другой стороны, вы хотите, чтобы вас упоминали в учебниках истории как плохой пример, как Дж.M.W. Turner: Когда речь идет об использовании пигментов, которые выцветают?

Известные художники, использовавшие краски для дома

Ученые показали, что Пикассо был одним из первых художников, которые в 1912 году использовали домашние краски для своих работ, чтобы придать своим картинам глянцевую поверхность без видимых мазков. Это было подтверждено исследованием 2013 года, в котором ученые сравнили краску, использованную на картинах Пикассо, с краской для дома того же периода, используя инструмент, называемый нанозондом.Ученые пришли к выводу, что краска, которую использовал Пикассо, имела тот же химический состав, что и краска для дома, популярная во Франции масляная эмалевая краска под названием Ripolin. Согласно анализу, проведенному в Институте искусств Чикаго, было доказано, что это очень химически стабильная краска, и поэтому она должна хорошо держаться на протяжении веков.

Джексон Поллок также использовал масляные глянцевые эмалевые краски для дома для своих крупномасштабных литых картин 1940-х и 1950-х годов. Они были дешевле, чем краски художников, и имели форму, позволяющую ему рисовать в своем уникальном стиле.

В то время как художники начала 20-го века использовали эмалевые краски на масляной основе, имейте в виду, что сейчас большинство красок для дома — это латекс, на водной основе и не такой прочный и светостойкий, как масляные краски.

Источники:

Могу ли я использовать краску для дома, пометить золотую краску.

Utrecht Art Supplies Studio Ремесло: краска для дома против цветов художников?

Могу ли я использовать домашнюю краску для изобразительного искусства?

Чем краска для дома отличается от краски художника, и почему бы мне не использовать ее для своих картин? В этом посте я хочу изучить характеристики красок для дома, чем они отличаются от красок художников, и объяснить, почему они не являются взаимозаменяемыми напрямую.
Есть две основные причины, по которым вы можете использовать домашнюю краску для своего искусства. Одна из причин — сэкономить на использовании бытовой эмульсионной краски для грунтовки холста. В конце концов, это краска, и она белая, так почему же она должна отличаться от грунтовки или гипса, которые мы продаем в Jackson’s? Этот пост Джули Кейвс объясняет, почему это не рекомендуется. Другая причина — это художественное заявление — возможно, вы хотите сделать комментарий о высокой / низкой культуре и сопоставить эстетику массового производства цветов образа жизни с вашим личным самовыражением.Вы можете использовать домашнюю краску для своего искусства, но бытовая краска и краска художника ни в коем случае не подходят друг другу.

Стрекоза [Оригами]
Сара Моррис
2009
Глянцевая краска для домашнего хозяйства на холсте
113 3/4 × 113 3/4 дюйма (289 × 289 см)
© Сара Моррис
(Изображение любезно предоставлено галереей White Cube Gallery)

Функция краски

Давайте подумаем об этом логически. Краска для дома предназначена для окраски внутренних и наружных помещений, а краска для художников — для росписи произведений искусства.То, как они сделаны, специально адаптировано для их предполагаемого использования. Поэтому, если вы собираетесь начать использовать краску для дома в своих произведениях искусства, вам нужно быть готовым к тому, что она всегда будет обладать характеристиками, которые ищут художники и декораторы. Такие характеристики, как ровный, равномерный цвет в диапазоне предварительно смешанных оттенков. Цвета, с которыми легко жить при нанесении на стены от пола до потолка.

Как художники использовали краски для дома в прошлом

Когда такая художница, как Сара Моррис, использует бытовые глянцевые краски, она делает это, ссылаясь на современную культуру — цвета, которые отражают наш образ жизни, рекламу, потребительский подход.Она рисует формы на холсте с четкими краями, полосами и формами, которые напоминают нам здания, лозунги и машины.

Water Painting 1999 Gary Hume
Бытовая краска на алюминиевой панели
3050 x 2440 x 21 мм
Коллекция Tate
Представлена ​​Друзьями галереи Тейт 2000
http://www.tate.org.uk/art/work/T07618

Гэри Хьюм использует бытовую эмаль для рисования своих больших холстов. Он делает это в погоне за возвышенным. Работа предполагает, что художник заинтересован в сочетании «идеалов образа жизни», которые подсказывают краски для дома, с интуитивно понятным способом работы.Его нарисованные линии, несомненно, выполнены рукой художника. Сочетание выразительной формы с красотой краски для дома массового производства, возможно, является УТП Хьюма.


Красивый романс в эпоху неопределенности Партия Картина III
Дэмиен Херст
2003
Холст, домашний глянец
Диаметр: 84 дюйма (диаметр 213,4 см)
© Дэмиен Херст
(Изображение любезно предоставлено галереей White Cube Gallery)

Еще один художник, который приходит на ум, — Дэмиен Херст. Его знаменитые картины «Вращение» создаются путем помещения круглых холстов на специально изготовленную прядильную машину, а затем заливки бытовой краской.В отличие от Юма, здесь нет и следа руки художника, составлявшего изображение. Роль художника — это просто выбор цветов и включение машины. Отсутствие контроля над краской позволяет увидеть, как бытовые краски взаимодействуют друг с другом. Когда вы посмотрите на картину «Вращение», вы заметите, что почти нет никаких доказательств того, что цвета перетекают друг в друга. Вместо этого каждый цвет сохраняет чистоту, которая при попадании на основу конкурирует с другими цветами, вытесняя их с дороги. Именно это качество гарантирует равномерное нанесение, когда вы рисуете их на стенах.При работе с рисованием отжима краска выглядит драматично и хаотично. Они всегда вызывают у меня ощущение, что что-то сломалось или пошло не так, например, неисправный экран компьютера.


Джексон Поллок
Blue Poles
1952
Эмаль и алюминиевая краска со стеклом на холсте
212,1 см × 488,9 см
Национальная галерея Австралии, Канберра

Краски для дома, использовавшиеся до YBA

С моей стороны было бы упущением не упомянуть двух пионеров использования домашних красок в изобразительном искусстве: Джексона Поллока и Пабло Пикассо. Джексон Поллок использовал очень жидкую эмалевую краску для создания своих капельных рисунков. Он делал это, рисуя в воздухе палкой или затвердевшей кистью, наполненной краской, которая динамически падала на холст. Этот процесс получил название «экшн-живопись». Для Поллока эмалевая краска идеально соответствовала его подходу. Для начала это была идеальная последовательность. Во-вторых, Поллок, как и Херст, пользовался характеристиками эмалевой краски. Они не слишком сливались друг с другом, поэтому чистые цвета располагались рядом друг с другом.Следовательно, каждая его капельная картина представляет собой сложную сеть линий красок ярких цветов.

Красное кресло
Пабло Пикассо
1931
Масло и риполин на панели
51 5/8 × 38 7/8 дюйма (131,1 × 98,7 см)
Дар г-на и миссис Даниэль Сайденберг
© 2018 Estate of Pablo Picasso / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк

Пикассо и Риполин

В 2013 году рентгеновские лучи подтвердили, что Пабло Пикассо использовал эмалевую краску «Риполин» в некоторых из своих более смелых геометрических рисунков, таких как его шедевр «Красное кресло», написанный в 1931 году и сейчас находящийся в коллекции Художественного института Чикаго.Считается, что Пикассо предпочитал работать как с риполином, так и с масляной краской на холсте, чтобы расширить разнообразие отметок, которых он мог достичь. Риполин сушится равномерными слоями с четкими краями, которые резко контрастируют с более медленной, легко смешиваемой масляной краской. Однако краска, которую Пикассо использовал в начале 20-го века, имела больше общего с масляными красками художников, чем многие краски для дома, доступные сегодня, и считается, что они долговечнее.


Из чего сделана краска?

Основными компонентами всех красок являются пигмент, связующее и добавки.Давайте рассмотрим каждый из них по очереди, чтобы изучить различия между краской для внутренних помещений, краской для наружных работ и масляной краской художника.

Пигмент

Пигменты используются для придания краске ее цвета. Краски для художников имеют более высокую концентрацию пигментов в своей формуле, чем краски для дома, потому что яркость цвета и светостойкость (степень того, насколько цвет потускнеет со временем) — это высокий приоритет для художников. Художественные краски также должны обладать способностью хорошо смешиваться.Когда цвета смешиваются, пигменты объединяются, и неизбежно ослабляется сила каждого цвета, используемого в смеси. По этой причине лучшие краски обладают максимальной насыщенностью цвета. Краски для дома по сравнению с ними имеют гораздо более низкий уровень пигментной насыщенности.

Добавки в краску

Кроме того, краска, как правило, содержит только органические пигменты по соображениям здоровья и безопасности, и не все из них имеют самый высокий уровень светостойкости. Краски для наружных работ имеют такую ​​же насыщенность пигментов, как и краски для внутренних работ, но их светостойкость улучшается благодаря УФ-блокаторам и другим добавкам, используемым для придания краске устойчивости к атмосферным воздействиям.Поскольку в большинстве художественных красок используются только светостойкие пигменты, при их производстве нет необходимости в таких добавках. Показатели светостойкости масляных красок указаны на этикетках их тюбиков или в таблице цветов производителя.

Долговечность

Связующие, которые используются в каждом из типов красок, отражают назначение краски. В случае красок для внутренних работ связующее должно быть быстросохнущим и жестким. Это помогает краске противостоять износу, который можно ожидать в домашнем интерьере, включая чистку.В результате краска получается прочной, но совершенно негибкой. Если его нанести на стену, которая может испытывать колебания влажности или резкие перепады температур, краска, скорее всего, потрескается или потрескается. Внешняя краска более гибкая, потому что она должна быть стойкой к атмосферным воздействиям; он должен обладать проницаемостью, необходимой для поглощения влаги из кирпичной стены, на которую он может быть нанесен.

Краски для наружных работ должны выдерживать любые погодные условия и не трескаться. Гибкие связующие краски для наружных работ выделяют ЛОС (летучие органические соединения) и не подходят для использования на стенах внутри помещений.Краски как для внутренних, так и для наружных работ будут иметь сдвиг цвета — это означает, что цвет будет заметно отличаться от мокрого к сухому. В случае масляной краски художника связующее (олифа) должно быть прозрачным, чтобы не было влияния на внешний вид пигмента и изменение цвета.

Время сушки

Также не существует фиксированной «идеальной» скорости сушки. Некоторые художники хотят, чтобы краска высыхала очень медленно, чтобы можно было использовать техники смешивания, в то время как другие могут добавлять сушилки, чтобы ускорить процесс.Если оставить ее наедине с собой, масляная краска сохнет намного медленнее, чем краска для дома. Льняное масло в масляной краске эластично при высыхании, но после высыхания оно может стать хрупким и не любит больших перепадов влажности и температуры, поэтому важно держать свои картины в достаточно постоянной среде. В краткосрочной перспективе художникам, использующим краску для наружных работ, не нужно беспокоиться о поддержании постоянных условий, поскольку работа выдержит перепады экстремальной температуры и влажности. Однако, как указывалось ранее, мы не рекомендуем использовать краски для наружных работ внутри помещений, поскольку они часто выделяют газы, которые могут быть вредны для здоровья при вдыхании.


Заключение

Бытовые краски созданы, чтобы упростить нанесение даже цвета. Краски для фасадов устойчивы к сколам и отслаиванию даже в экстремальных погодных условиях. В результате их характеристики трудно изменить. У них действительно хорошо получается только одно — ровно двигаться по поверхности. Если вы попытаетесь смешивать цвета, смешивать или глазировать с краской для дома, вы можете обнаружить, что по сравнению с красками художника трудно добиться тонких эффектов. Если вы подумываете о работе с красками для внутренних или наружных работ, мы рекомендуем вам тщательно подумать об их характеристиках, прежде чем делать это, и использовать их в своих интересах, чтобы избежать разочарования. Используйте их намеренно, а не в качестве компромисса, так как вы гарантированно испытаете разочарование.

Масляные краски Artist любого качества предназначены для смешивания и смешивания, глазурования и наслаивания. Они обладают высочайшим уровнем светостойкости и самой высокой стойкостью пигмента. Если вы ищете яркие цвета и краски, которыми легко управлять и изменять, то на самом деле нет замены.


Это обновленная версия оригинального сообщения, опубликованного 29 декабря 2018 г.

11 различных стилей и техник рисования, которые должен знать каждый художник

фотографий из PicMy / Shutterstock
Этот пост может содержать партнерские ссылки. Если вы совершите покупку, My Modern Met может получать партнерскую комиссию. Пожалуйста, прочтите наше раскрытие для получения дополнительной информации.

На протяжении истории способ рисования художников — и используемые ими средства — эволюционировали.Новые технологии и меняющиеся вкусы означают, что краски, используемые художниками, продолжали расширяться. Но как узнать, какая краска вам подходит? Многие из нас знакомы с акварелью, маслом и акриловыми красками, но художники могут исследовать гораздо больше.

В то время как некоторые виды живописи, такие как фреска и темпера, практикуются не так часто, другие переживают возрождение. Например, возобновившийся интерес к рукописным буквам и росписи знаков сделал эмалевые краски более модными, чем когда-либо.

Как художник, как выбрать подходящий тип краски для своего произведения искусства? Хорошее представление о характеристиках каждой краски и эстетике, которую они создают, поможет вам сузить круг выбора. Некоторые техники рисования легко освоить художникам любого уровня, в то время как другие могут потребовать более продвинутых технических навыков.

Узнайте больше о различных типах красок, чтобы выбрать наиболее подходящий для вас. Кто знает? Возможно, вас вдохновит попробовать новый вид живописи.

Узнайте больше об 11 типах живописи, которые помогают художникам выразить свое творчество.

Нефть

«Ночь в Венеции» Леонида Афремова. Масло на холсте. (Фото: Леонид Афремов)

На протяжении веков художники использовали масляную краску для создания своих шедевров. Эта медленно сохнущая среда состоит из цветных пигментов, взвешенных в масле. Из-за того, что он долго сохнет, художники могут не торопиться с работой. Масляная краска часто используется для создания прекрасных текстурных эффектов благодаря ее густой консистенции.Хотя работа с ним может быть сложной и требует осторожности при работе со средами, содержащими токсичные элементы, художники по-прежнему любят его за насыщенные цвета, которые он создает. Поэтому неудивительно, что это один из самых популярных видов живописи.

Узнайте, как правильно выбрать масляную краску, в нашем удобном руководстве.

Акрил

«Диамела» Алисы Паскини. 2018. Холст, акрил. (Фото: Алиса Паскини)

Существует широкий выбор акриловых красок с точки зрения текстуры и времени высыхания.Эта водорастворимая краска быстро сохнет, не токсична и экономична, поэтому ее часто выбирают художники любого уровня подготовки. Со временем она держится лучше, чем масляная краска, так как не трескается и не желтеет. Существует бесчисленное количество техник нанесения акриловой краски, и, комбинируя краску с различными средами, художники могут гибко придать окончательный вид. Хотя акрил является водостойким, когда он полностью высыхает на холсте, его водорастворимость во влажном состоянии облегчает очистку.

Узнайте больше о разнице между акриловой краской и масляной краской, а также о лучшей акриловой краске для художников любого уровня подготовки.

Акварель

«Белые корабли» Джона Сингера Сарджента. Около 1908 года. Акварель. (Фото: общественное достояние через Wikicommons)

Акварель, как правило, нарисованная на бумаге, состоит из пигментов, взвешенных в растворе на водной основе. Акварельная краска, известная своими прозрачными слоями, остается растворимой даже после высыхания. Это означает, что художники могут вносить некоторые исправления даже тогда, когда картина высохла, но это также означает, что готовую работу необходимо тщательно защищать.Есть много акварельных техник, которые художники используют для создания различных стилей искусства, от реалистичных портретов до размытых пейзажей. Хотя бумага является наиболее распространенной опорой, акварель также можно использовать на таких поверхностях, как ткань, дерево, кожа и пергамент.

Ищете акварели? Ознакомьтесь с нашим руководством по лучшим акварельным наборам.

Гуашь

«Девушка в кресле-качалке», этюд к картине Жака Жозефа Тиссо «Последний вечер».ок. 1873. Кисть гуашью, акварелью, поверх графита. (Фото: Музей Гетти)

Хотя гуашь похожа на акварель в том, что ее можно повторно смачивать, этот тип краски высыхает до матового состояния и является более тяжелой краской из-за включенного в нее мела. Гуашь также имеет характеристики, похожие на акрил, в том, что это непрозрачная краска. Его часто используют вместе с акварелью, и, поскольку он растворим в воде, для запечатывания готовой картины необходимо нанести поверх него лак. Более новый вариант — акриловая гуашь, в которой используется связующее на акриловой основе, которое позволяет краске становиться водостойкой при высыхании.

Blick продает широкий ассортимент гуаши профессионального и студенческого уровня.

Пастель

«Сонный ребенок» Мэри Кассат. 1910. Пастель. (Фото: общественное достояние через Wikicommons)

Использование пастели, также известное как «сухая живопись», было популярно с 16 века. Их форма в виде карандашей и малое время высыхания делают их простым и портативным решением для художников. Самые популярные пастели, известные как мягкие пастели, содержат мел, но также доступны масляные пастели с восковой консистенцией.Цвета обычно накладываются прямо на основу, и если вы ищете эффект акварельного шрифта, есть также водорастворимые пастели. Эти картины хрупкие, так как пигмент может отрываться от поверхности, поэтому их следует оформлять под стекло.

Узнайте больше о том, как рисовать пастелью.

Энкаустика

Портрет женщины из Аль-Файюм, Египет. около 100-150 гг. н. э. Энкаустика. (Фото: общественное достояние через WikiCommons)

Эта сложная техника восходит к древнему Египту и включает добавление пигмента в горячий пчелиный воск.Полученную пасту затем обычно наносят на подготовленную древесину, хотя можно также использовать холст. Затем используются специальные инструменты для придания формы жидкости перед охлаждением. Современные художники часто используют тепловые пушки, чтобы увеличить удобоукладываемость краски. Хотя энкаустику или живопись горячим воском может быть сложно освоить, можно создавать сложные картины, полные размеров и цветов.

Найдите все материалы, которые вам понадобятся, чтобы начать рисовать энкаустику.

Далее: Откройте для себя другие техники рисования, с которыми вы, возможно, не знакомы.

5 типов красок, которые вы обязательно найдете в своей коллекции произведений искусства

Возможно, вы раньше не задумывались о типах красок для искусства. Но теперь вы, возможно, думаете о покупке своего первого произведения искусства и создании своей первой коллекции произведений искусства … Но владелец галереи или веб-сайт художника продолжают кидать вам условия, о которых вы никогда не слышали! Абстрактная акриловая картина в смешанной технике? Картина маслом в стиле барокко? Сюрреалистический пейзаж? Это много видов красок … Никогда не знал, что для искусства существует столько разных стилей и разных типов красок!

Когда вы новичок в мире искусства или хотите купить свое первое произведение искусства, вам сложно разобраться в этих условиях. Плохая новость: мы не можем научить вас всему в одном сообщении в блоге (даже если бы мы все это знали …). Хорошие новости: давайте начнем с малого. С 5 различными типами красок, почему они различаются и почему они могут повлиять на ваш выбор.

Масляная краска

Масляная краска — один из наиболее часто используемых типов красок в произведениях искусства. И поскольку название уже портит это, цветовые пигменты этого типа краски залиты маслом. Это может быть любой тип масла, например льняное, ореховое или подсолнечное.

Наиболее известной характеристикой масляной краски является то, что она (очень) медленно сохнет, особенно когда художник использует толстые слои вещества.Это тоже можно рассматривать как полезную вещь, так как исправить работу до высыхания краски несложно.

Известно, что картины, написанные маслом, со временем меняют цвет под воздействием света. В случае масляных картин, когда они не подвергаются воздействию света в течение длительного периода (например, недель или месяцев), (льняное) масло может начать темнеть. Если снова выставить картину на свет, это должно исправить ситуацию.

Масляная краска использовалась веками, хотя никто точно не знает, когда это было впервые.Одна из многих известных картин маслом — «Маленькая улица» Иоганна Вермеера, датируемая 1658 годом.

Дома в Делфте, Нидерланды. Также известна как «маленькая улица», Йоханнес Вермеер, ок. 1658 || by Rijksmuseum

Акриловая краска

Акриловая краска — одна из самых распространенных и наиболее экономичных красок, используемых художниками. Она прикрепляется к большинству оснований (дерево, холст, металл …) и, в отличие от масляной краски, акриловая краска сохнет очень быстро.

Вещество, содержащее красящие пигменты, представляет собой акриловую эмульсию на водной основе.Итак, где масляная краска основана на масле, акриловая краска основана на воде.

Когда краска высыхает (обычно немного темнее, чем кажется на первый взгляд), вода испаряется, и оставшаяся краска намного менее уязвима и подвержена влиянию влажности, температуры и света, чем картины маслом. Вот почему акриловая краска — такой популярный вид художественной краски.

Когда вода испарится, слой краски больше не растворяется в воде, поэтому вам нужно очень хорошо промыть кисти, иначе они станут жесткими от краски.В зависимости от того, сколько воды добавлено в раствор, акриловая краска может напоминать акварельные или масляные картины.

Интересный факт: #acrylicpaint — также очень известный хэштег для художников, использующих Instagram.

Вероятно, самым известным художником, который часто использовал акриловую краску, был Энди Уорхол. Он известен своими поп-артами, и одна из его самых замечательных работ — Мэрилин Диптич ниже.

Акриловая краска на холсте — Мэрилин Диптих 1962, Энди Уорхол || На выставке в галерее Тейт.Источник: Википедия.

Акварельная краска

Акварель — это тип краски, популярность которого с годами быстро растет! Акварельная краска, также называемая акварелью (от французского), изготавливается из пигментов, в которых в качестве связующего используется водный раствор (с гуммиарабиком).

Но название также относится к цвету конечного произведения искусства, которое обычно прозрачное. Из-за этой прозрачности качество используемой бумаги (которая будет видна сквозь краску) имеет особое значение.

Предполагается, что впервые акварельные краски использовались египтянами на папирусе.После этого эта техника была найдена в китайском творчестве, и лишь намного позже (во времена Возрождения) первые акварельные работы были найдены в Европе.

Альбрехт Дюрер (немецкий художник эпохи Возрождения) был одним из первых художников, использовавших акварель для создания детализированных картин. Ниже вы найдете одну из его самых известных картин «Молодой заяц» 1502 года.

«Молодой заяц» Альбрехта Дюрера (1502) || by Totallyhistory.com

Гуашь

Гуашь — это краска, которую часто используют в произведениях искусства! Она очень похожа на акварельную краску, но также имеет характеристики акриловой краски. Гуашь отличается от акварельной краски тем, что она содержит мел, который делает ее более непрозрачной и светоотражающей, и, следовательно, является более тяжелой краской.

Однако, поскольку он на водной основе, он также чувствителен к воде (и картины следует покрывать лаком, чтобы избежать проблем). Этот тип краски бывает самых разных цветов и поэтому особенно полезен для плакатов и комиксов.

Анри Матисс — один из самых известных художников, который славится своим использованием гуаши.

Анри Матисс (француз, 1869–1954).Кодомы (Les Codomas), 1943 — Бумага, гуашь || Автор Huffinton Post © 2014 Наследие Х. Матисс / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк

Чернила

Если мы посмотрим на популярность различных типов красок, чернила определенно не самые популярные! Но рисование тушью в наши дни определенно стало больше. Вы часто увидите этот стиль в визуальных социальных сетях, таких как pinterest или instagram.

Живопись тушью — это техника, пришедшая из Восточной Азии и использовавшаяся для каллиграфии.Мастера каллиграфии годами тренировались, чтобы делать идеальные штрихи. Художники используют черные чернила не только для воспроизведения темы рисунка, выполненного тушью, но и для того, чтобы передать его дух.

Художник может прикладывать большее или меньшее давление к кистям, чтобы делать более темные или более светлые штрихи. В наши дни мы также видим большое разнообразие цветных чернил.

Мори Шухо, Лошади, 4-х слойная картина. Япония, период Эдо, конец 18 века нашей эры || by British Museum

5 видов краски — какая вам подходит?

Этот блог о различных типах красок далеко не исчерпывающий и не содержит подробных объяснений каждого типа красок.Мы стремились дать вам краткий обзор 🙂 У каждого художника и коллекционера есть свои предпочтения. Итак, теперь вы знаете, о чем говорите, не стесняйтесь спрашивать галеристов и художников об этом 🙂

Лучшее изображение с Unsplash

8 субстратов для рисования (и то, на чем вы никогда не должны рисовать!)

Примечание редактора: этот совет по рисованию пришел к вам из книги Нэнси Рейнер «Акриловая революция».

Рисовать можно на чем угодно: основы для окраски акрила

Акрил можно красить практически на любой основе.Выберите среди множества вариантов в этом разделе для удобства, долговечности и эстетики.

Выбор холста: Холст бывает трех типов: легкий, средний и тяжелый. Используйте легкий вес для небольших работ, средний — для средних, а тяжелый — для более крупных. Качество полотна варьируется в зависимости от переплетения — чем плотнее переплетение, тем дороже. Если вы рисуете реалистичный детальный портрет тонкими слоями краски, используйте более плотное переплетение. Грубое переплетение может добавить интересный элемент в фактурный пейзаж или абстрактную картину.Холст также бывает предварительно загрунтованным или необработанным. Незагрунтованный холст легче растянуть, но предварительно загрунтованный холст позволяет пропустить этап грунтования и начать рисовать раньше.


1. Холст

Холст обычно используется в качестве поверхности для рисования и имеет множество преимуществ: он впитывает влагу, имеет прекрасную текстуру ткани, легкий и портативный. Опоры для холста бывают трех типов: нерастянутые, растянутые и промышленные холщовые доски. Холст-бумага также бывает в виде подушечек, но холст-бумага кажется очень гладкой, совсем не такой, как настоящая холст-ткань.Самостоятельная растяжка требует практики. Вам понадобятся деревянные подрамники, степлер и плоскогубцы. Оберните брезент вокруг перекладины и закрепите его сзади, каждый раз плотно натягивая. Начните с центра и двигайтесь наружу. Натянутые холсты можно приобрести стандартных размеров или изготовить на заказ в вашем художественном магазине или создателе. Те, которые производятся серийно с помощью станка, иногда могут стоить примерно столько же или меньше, чем расходные материалы для самостоятельной растяжки.

Край декеля — это красиво разорванный край, который можно найти на более хороших листах бумаги, таких как Arches 140 фунтов.(300 г / м2) холодный отжим. Прижмите прочную металлическую линейку к месту разрыва. Когда вы нажимаете на линейку одной рукой, другой рукой оторвите бумагу по краю линейки.


2. Бумага и картон

Бумага и картон — отличный выбор, если вы новичок или просто хотите поэкспериментировать. Оба они экономичны и их легко найти. У обоих есть впитывающие поверхности, которые позволяют мыть и использовать акриловые краски с переувлажнением. Выберите бескислотную бумагу или картон, которые более архивны и не содержат загрязнений, которые могут испачкать вашу картину.

Укрепите заднюю часть панели: если куски дерева имеют толщину 1⁄4 дюйма (6 мм) или тоньше, закрепите их на спине, чтобы получилась деревянная панель. Это добавит поддержки, чтобы предотвратить деформацию и упростить обращение.

3. Деревянные и композитные панели

Дерево является отличной опорой для картин, особенно для нанесения густой краски и других техник, требующих жесткой и прочной опоры. Доступно множество видов натурального дерева, а также такие композиты, как мазонит, древесноволокнистая плита высокой плотности (HDFB) и древесноволокнистая плита средней плотности (DFB).Из березы получаются отличные тонкие и легкие панели для больших картин. Дерево содержит много примесей, смол и других природных элементов, которые могут проникать в слои краски, вызывая пятна и пожелтение. Всегда сначала очищайте поверхность, промывайте ее пятновыводителем, затем прогрунтуйте перед окраской. Композиты прочны и напоминают древесину, но не имеют естественной текстуры древесины. Еще один вид композитного продукта — ДСП, который изготавливается из опилок под давлением. Влага вызовет набухание поверхности ДСП, поэтому отшлифуйте ее после нанесения первых нескольких слоев герметика и грунтовки, чтобы сгладить шероховатую поверхность, и она должна оставаться гладкой для последующих слоев и окраски.

Приклейте легкие ткани на жесткую основу, такую ​​как дерево, панель или картон, следуя указаниям в технике 55 приклеивания бумаги. Также можно приклеить тонкую ткань на натянутое полотно. Просто добавьте опору под холст и следуйте той же технике приклеивания.

4. Ткань с рисунком

Я люблю бродить по магазинам тканей в поисках идей для цветов, узоров и фактур. Иногда я покупаю небольшие кусочки ткани, чтобы просто побродить по студии в поисках вдохновения. Забавная техника — взять вашу любимую ткань и использовать ее в качестве исходной поверхности для рисования.Не нужно смотреть на этот белый холст со страхом. Получите толчок, начав рисовать с уже имеющихся цветов и узоров!

Прикрепите шелк к устойчивой поверхности, чтобы было легче рисовать и контролировать мазки. Выбранный вами метод должен быть временным; используйте кнопки, скобы, тканевые кнопки на подрамниках или пяльцах для вышивания.

5. Шелк

Если вы хотите рисовать на шелке и надеетесь, что ткань будет мягкой и текучей, чтобы использовать ее в качестве баннера, инсталляции ткани или носимого предмета искусства, жидкие акриловые краски предлагают более стабильную альтернативу, чем красители для ткани.Краска хорошо работает с шелком, но не так светостойка и устойчива, как акрил. Эта техника демонстрирует, как использовать акрил на шелке для получения стойкого, светостойкого, моющегося цвета, сохраняя при этом мягкость ткани. Эту технику можно использовать не только с шелком, но и на других тканях.

Расписная машина (акрил на металле) Рика Гарсии

6. Металл

При подготовке металлической основы необходимо учитывать два аспекта: адгезия и контроль ржавчины. Этот метод лучше всего подходит для черных металлов, таких как сталь, и обеспечивает долговечную стойкую к ржавчине основу для внутреннего или наружного использования, подходящую для покрытия акриловой краской.Есть много видов металла на выбор. Изучите вопросы безопасности, наличия и необходимой дополнительной подготовки. В этой демонстрации используется низкоуглеродистая сталь 11-го калибра и толщиной 1⁄8 дюйма (3 мм). Какой бы металл вы ни выбрали, сделайте его профессиональную обрезку в соответствии с вашими требованиями.

Протрите стекло тряпкой, смоченной жидким средством для мытья посуды, разбавленным теплой водой в соотношении 1:10. Протрите стекло денатурированным спиртом, очистителем для стекол или дистиллированным уксусом, чтобы удалить жир. Очистите стекло с обеих сторон. Будьте осторожны при обращении с краями, так как они могут быть острыми.

7. Стекло

Одна из причин рисовать на стекле — воспользоваться его прозрачностью. Основная задача при рисовании по стеклу — это адгезия. Протравка или пескоструйная обработка поверхности добавят зуба. Оба метода сделают стекло слегка мутным, поэтому протравливайте только те участки, на которые будет наноситься краска. Купите стекло в любом магазине стекла и разрежьте его по размеру. Флоат-стекло и оконное стекло — это гладкие, прозрачные, недорогие варианты, которые хорошо подойдут. Стекло также бывает цветным или текстурированным.Если вы выполняете пескоструйную очистку, используйте стекло толщиной не менее 1⁄4 дюйма (6 мм). Если ваша стеклянная деталь будет стоять отдельно, закройте острые края стекла рамкой.

Четырехлетняя доминиканка (Автопортрет) (акрил, фарфор, 13,5х10х8). Автор: Джулия Сантос Соломон. Художник сначала вылепил этот портрет из фарфора, а затем ярким цветом нанес грунтовку. Дополнительная акриловая краска для деталей была нанесена слоями.

8. Объекты

Рисование трехмерных скульптур или предметов побуждает думать иначе, потому что объект нужно рассматривать со всех сторон.Вы можете сделать свою собственную керамическую скульптуру, вырезать из магазина металла формы по вашему шаблону или просто использовать интересную ракушку, ветку или камень. Вы также можете приобрести готовые предметы в магазинах для газонов и садов или в магазинах хобби и рукоделия. Если готовый объект уже окрашен, слегка отшлифуйте его, прогрунтуйте акриловым гипсом и перекрасите. Свяжитесь с техническим отделом производителя, чтобы получить рекомендации по очистке и грунтовке.