Картина климта густава: Живопись, картины и художники – онлайн-музей Gallerix

Живопись, картины и художники – онлайн-музей Gallerix

Виртуальный музей живописи.

Картины известных художников

Все наши впечатления, фантазии, увиденные архитектурные ландшафты, предметы, пейзажи удивительным образом находят свое отображение в творческих работах великих мастеров и знаменитых художников. Можно сказать, что любая галерея картин насыщает зрителя таинственным колоритом высокого искусства и неповторимыми оттенками внутреннего мира их создателя.

Декорационная живопись, живопись маслом, акварелью, карандашом, монументально-декоративная, иконопись, панорама, миниатюра, диорама – среди такого многообразия каждый находит близкую для себя частичку окружающего мира, характера и настроения. Но, несмотря на это, этапы создания очередной репродукции картин известных художников все также окутаны таинственной дымкой. Возможно, именно это позволяет зрителю каждый раз восторженно наслаждаться насыщенной палитрой, необычными формами и величественной глубиной всего сюжета произведения.

Являясь верным поклонником творчества какого-либо художника, как в первый раз все также с восхищением следишь, как на поверхности холста появляются новые образы и неутомимые потоки краски. Художник будто вдыхает в них жизнь, и они уже игриво ложатся на полотно нового произведения, иногда широко и свободно растекаясь, а иногда – выплескиваясь и плавно ложась слоями. Каждый мазок репродукции известных картин рождает новую стихию. Это может быть дерзкий и неутомимый характер Бури у берегов Ниццы Ивана Айвазовского или мягкие и теплые тона Швейцарского пейзажа с лошадьми Алексея Саврасова.

Что интересно, любые репродукции картин одного и того же мастера открывают новые грани его таланта. Разница лишь в том, откуда художник черпает вдохновение и благодаря чему создает уникальные вариации античного, средневекового или абстрактного направления. Живописцы умело соединяют в своих работах страницы таинственного прошлого и неожиданного настоящего. Возможно, поэтому галерея картин дарит одухотворенное, романтичное начало, обращенное к образам прошлых лет фигуративного или традиционного искусства.

В этом и заметен вечный творческий поиск талантливых авторов, как прошлых лет, так и сегодняшнего времени. И что очень радует, проникнуться их духом и настроением, перенестись в Третьяковскую галерею, Эрмитаж или Русский музей сегодня достаточно просто – нужно всего лишь скачать картины известных художников и насладиться их реалистичностью, колоритом высокого искусства. А оно, как и много лет назад, не перестает удивлять истинных ценителей живописи. Многие художники в своих работах обращаются к истории, образам минувшего столетия. Это делает репродукции картин не только художественно ценными, но и интересными в интеллектуальном плане.

Почитатели прошлых и современных живописных форм ценят в произведениях искусства еще и «дыхание жизни». Каждый мазок, блик, оттенок должен максимально передавать богатую реалистичность всего сюжета. Не зря Леонардо да Винчи в свое время сказал о живописи как о поэзии, которую видят. Присмотритесь только к насыщенной картине известного художника Пьера Огюста Ренуара «Букет роз в зеленой вазе». С первого мгновения будто ощущаешь их манящий сладкий аромат, нежность каждого лепестка и свежесть игривой капельки росы. А в произведениях художника Anders Zorn удивительным образом проявляется чувственность и изящность любой женщины. Автор великолепно передал современную эстетику ню, наполненную академическим стилем и благородной динамикой футуризма.

Несомненно, такие репродукции картин художников позволяют зрителям по-новому взглянуть на привычные вещи, изображенные на полотне. Они не только радуют невероятным богатством красок и оттенков, но также передают очарование окружающего мира, упорядоченного рукой мастера.

Gallerix.ru — это виртуальный музей, в котором вы найдёте живопись, картины, репродукции картин русских и зарубежных художников, коллекции живописи крупных музеев. Здесь можно скачать картины в высоком разрешении и превосходном качестве, высказаться, а сколько всего ещё впереди! Обновление галерей, в среднем, раз в неделю, заходите чаще!


Такая разная живопись

Живопись – удивительное по своему разнообразию явление. В нём традиционно выделяется станковая, монументальная и декоративная живопись, а также оформление театральных декораций и миниатюрная.

Наиболее распространенной является станковая живопись. Она выполняется на мольберте, который является станком для художника. Обычно материальной основой картины является холст, натянутый на подрамник. Применяется также дерево, картон и бумага. Картина показывает современную действительность, исторические события, сюжеты, задуманные живописцем. Для станковой живописи нет ограничений в изобразительных возможностях. Здесь богатый цвет позволяет глубоко и точно отобразить уникальность действительности.

Особым, идеологически нагруженным вариантом является монументальная живопись. Она представляет собой масштабные живописные произведения, которые создаются для украшений объектов архитектуры. В ней должны отражаться заметные процессы и события, которые повлияли на общественный прогресс. Такая живопись, в силу её масштабности, предполагает особые подходы и значительные средства.

При помощи декоративной живописи украшаются интерьеры помещений. Она может выступать в виде насыщенных красками панно, дающими иллюзию визуального изменения объёма помещений в нужную сторону. Декоративная живопись органически объединяет интерьер и украшает предметы домашнего обихода.

Специфический характер имеет живопись в театре. Она предназначена для изготовления декораций, разработки набросков костюмов для сцены и реквизита. Театральный художник призван помочь точно выразить персональные особенности персонажей спектакля, эпоху в которой происходит действие. Это помогает раскрывать суть сценического представления. При этом предполагается учёт большого количества мест, с которых зрители смотрят спектакль, световые и цветовые возможности. Все это помогает адекватно воспринять спектакль.

Получившая популярность в средневековье живопись миниатюр используется преимущественно в издательском деле. Издавна книги украшались тщательно проработанными миниатюрными иллюстрациями. В первой половине ХIХ в. огромной популярностью пользовались небольшие акварельные портреты. Их отличали изысканность, изящество и филигранность письма.

Различные виды живописи также отличаются связующим веществом, на основе которого создается краска. Так, для масляной живописи применяется краска, в которой красящий пигмент растирается на маслах из растений. Такой краской пишут преимущественно на холсте, а также на картоне, металлических и деревянных плоскостях. Если краска густеет, её разводят специальными разбавителями. В темпере используется краска на казеиновой или яичной основе. Её растворяют водой и в виде жидкой пасты наносят твёрдую поверхность. Благодаря темпере сохранились старинные росписи на стенах, многие иконы и уникальные узоры на предметах домашнего обихода. Актуально применение темперы в живописных и графических работах, при художественном оформлении, декорировании зданий и помещений.

Также давнее происхождение имеют фресковая, восковая живопись и мозаика. С помощью первой создаются большие интерьерные композиции. У нее эстетичный вид и отменная долговечность. На основе отбеленного воска делаются восковые краски. Они горячим специальным металлическим инструментом переносятся на деревянную поверхность или холст. В мозаичной живописи произведение создается из небольших осколков разноцветного стекла и камня. Элементы мозаики при помощи цементного состава соединяются с поверхностью и создают интересные эффекты. Панно из мозаики широко используются для оформления помещений внутри общественных зданий и сооружений. Определённое сходство с мозаикой имеет живопись на витражах.

Разнообразие живописных произведений, в которых художник выражает свой творческий замысел, помогает увидеть красоту мира в повседневной жизни, постичь его совершенство.

Остановить прекрасное мгновенье

Уже не одну сотню лет это делается при помощи живописи – одного из важнейших видов изобразительного искусства. Ничто, кроме живописи, не способно с необычайной глубиной и техническим совершенством отразить богатую цветом, объёмом и материальной уникальностью окружающую человека действительность. Воспроизвести подсвеченный солнечным лучом воздух в утренней прохладе соснового леса. Или показать сверкающую всеми цветами радуги каплю росы на травинке.

Глубина окружающего человека пространства, удивительные особенности простых предметов проявляются в художественном творении благодаря использованию средств и приемов, присущих только живописи. Через рисунок, цвет и светотень, выразительные мазки, грамотные композиционные и фактурные решения изображение обычных вещей приобретают художественную ценность. Это и дым мчащегося паровоза, и степная пыль, поднятая табуном лошадей. Зритель может ощутить себя и в космическом корабле, и на палубе старинного парусника. Мастерски выписанные жанровые сюжеты помогут ему ощутить кисейную нежность наряда аристократки и грубую фактуру рубища нищего.

Дрезденская галерея. Photo: IgorMiske|Unsplash

Живопись удивительным образом раскрывает внутренний мир человека, радость и горе героев полотен, их неуемный восторг и отчаяние. Немало живописных работ показали в зрительных образах героизм и самопожертвование, мужество и трусость, подлость и предательство.

При помощи кисти и красок могут быть выражены неосязаемые идеи, глубинные исторические процессы, бытовые сюжеты, развернутые изображения различных событий. Предметом живописи стали батальные события и заседания парламентов, монархи и крестьяне, бунты, карнавалы и проводы в последний путь. Живописное изображение раскрывает духовное богатство и эмоциональную убогость, нравы и обычаи разных народов, богатые мироощущения современников живописца. При этом зритель получает ощущения, сходные с теми, которые он мог бы получить в действительности.

Материальной основой живописи являются её произведения, через которые осуществляется эмоциональное и интеллектуальное воздействие. Такое произведение должно иметь материальный носитель или основу в виде холста, бумаги, картона, дерева. Многие живописные работы создаются на камне, металле, стекле и бетоне. Обычно основа покрывается грунтом, на который кладется красочный слой. Иногда для большей сохранности работы краска покрывается лаком, создающим защитную пленку.

Флорентийское великолепие. Photo: JoshuaEarle|Unsplash

Однако главным таинством живописи является превращение под кистью мастера различных красок в цельное художественное изображение. Именно краски способны раскрыть изобразительный и эмоциональный потенциал живописи, особенности мастерства живописца. Самыми популярными красками при создании живописных полотен являются краски, в которых красящее вещество (пигмент) связывается растительным маслом. Они отличаются сильной цветопередачей и прекрасной устойчивостью к воздействию света. Акварельные краски художники ценят за их прозрачность, сочетаемую с яркостью и лёгкостью. Сегодня живописные работы создаются также при помощи темперы, гуаши, пастели и туши. Существует живопись разведёнными водой красками, которая широко применяется при создании фресок, восковая живопись и живопись керамическими и силикатными красками. Синтетические краски, их цветовая насыщенность и долговечность позволили вывести живопись из музейных залов на улицы городов на всеобщее обозрение. Носителями такой живописи стали здания и сооружения, средства транспорта и специальные конструкции. Произведения живописи всё больше насыщают быт человека. Живопись становится доступнее и демократичнее.


Живописные жанры

По мере исторического развития живописи её произведения начинали делиться на жанры в соответствии с объектами изображения и тематикой картин. Таких жанров сегодня насчитывается до полусотни.

Часть их связана с изображением человека. Жанр, называемый «ню» означает показ тела человека, которое обнажено. Он близок к сюжетам, раскрываемых в работах мифологического и исторического содержания. В произведениях, выполненных в портретном жанре, изображается человек. Такое изображение может носить индивидуальный или групповой характер, а также иметь парадный вид. Среди этих жанров выделяется жанр автопортрета, где автор запечатлевает сам себя. К жанрам, изображающим людей, может быть отнесена и карикатура. Здесь допускается намеренное искажение и преувеличение пропорций и черт лица человека. Используется различная символика, фантазии. Всё это призвано акцентировать внимание на критикуемых недостатках человека.

В анималистическом жанре изображаются животные, а в работах так называемого иппического жанра лошадь выступает главным героем живописного изображения.

Существует группа жанров, где отображаются исторические события. Такие работы отличает многоплановость и реалистичное изображение давно минувших дней. А для работ жанра, показывающего батальные события, характерно большое количество изображаемых лиц, участвующих в военных походах и сражениях. Батальные сюжеты предполагают их многоплановость. В некоторых жанрах содержится стремление донести до зрителя некие символы, мысли, которые представляются важными для людей. Так, картины аллегорического жанра предполагают скрытое содержание в изобразительном материале этих произведений. Расшифровываться оно должно посредством изображенных на картине людей, мифических героев, фантастических существ. В жанрах, изображающих героев былин и мифов, идеи передаются посредством соответствующих сюжетов. Религиозный жанр предполагает написание икон и иных работ сакрального содержания.

Распространенным жанровым объектом считается натюрморт. Здесь центром изображения становятся, преимущественно фрукты, овощи, посуда, вазы с цветами. Своеобразной разновидностью натюрморта является жанр «ванитас». В нём центральное место отводится черепу, символизирующему временность земного существования.

К пейзажным жанрам относятся изображения видов природы, городов и поселений. Пейзаж предполагает изображение картин природы, а также видов, связанных с морем и городами. Сюда можно отнести и жанр венецианского происхождения, называемый «ведута». По сути, это точно выписанная городская панорама, в которой, безусловно соблюдены архитектурные формы и пропорции. Жанр «каприччо» означает созданный фантазией художника архитектурный пейзаж.

К жанрам, отражающим обыденную жизнь, относят жанры изображающие человеческий быт, и пастораль. Первый характерен обыденной простотой в изображении элементарных жизненных сюжетов. Пастораль, напротив, идеализирует и украшает средствами живописи обыденную жизнь в сельской местности, подавая её в пастельных тонах. К бытовым жанрам может быть отнесен жанр интерьера, который показывает внутреннее оформление жилья и других помещений.

Краков, Польша. Photo: BeataRatuszniak|Unsplash

Иногда живописцы используют художественный жанр, называемый обманкой. В нём для получения зрительной иллюзии используются особые приёмы.

Жанры в живописи не есть что-то раз и навсегда застывшее. Они могут соединяться, дополнять друг друга. Отдельные со временем могут исчезнуть, другие будут развиваться, отражая жизнь.


Новости партнёров
Статьи по культурологии
Энциклопедия (в разработке)
Фотошоп онлайн
Обновления

Зеркало человечества

Человечество помнит себя во многом благодаря живописи. Это были сначала примитивные изображения животных, сцен охоты на них. Затем появился человеческий образ. Складывается подобие композиции. Красками служили кусочки охры и угля. Рабовладельческий период развития общества обогатил живопись её связью с архитектурой, новыми техническими средствами. Нередким было примитивное изображение человека, развёрнутые повествовательные сюжеты. Появились пейзажи, изображения предметов быта, домашних животных и птиц. Такая древняя живопись имела декоративный характер, у неё были контурные линии и цветовые пятна.

Посетители Лувра перед портретом Моны Лизы Photo: JuanDiNella|Unsplash

В античный период живописью украшали культовые сооружения, жильё, усыпальницы и другие строения. Расширилась тематика и сюжетное разнообразие живописных сюжетов. Осознанно стали применяться светотень, различные варианты перспективы. Появились фресковая и восковая живопись. Средневековье характеризовалось преобладанием живописи религиозного содержания. Использовались гуашевые, акварельные краски и краски на клеевой основе. Храмы украшались фресками, настенными росписями, мозаиками и витражами. Непременным атрибутом церквей стали иконы, создаваемые на покрытых грунтом досках. Живописные работы того времени отличались контурной чёткостью, цветовой насыщенностью, локализацией цветовых пятен.

Во время эпохи Возрождения возрос интерес к живописным работам, отражающим идеи гуманизма. Совершенствование техники работы с масляными красками значительно расширили потенциал живописи. Единение глубины пространства, светотеневых эффектов и цветового многообразия позволяло с высокой степенью реалистичности воспроизводить окружающие человека предметы и его самого. В сюжетах с обнажённой натурой демонстрировалась гармоничность человеческих отношений. Начинала преобладать многослойная живопись маслом, которая вытесняла темперу.

ХVII-XVIII века стали временем создания национальных живописных школ. В картинах появились социальные аспекты, реалистичнее показывалась реальная жизнь. Совершенное мастерство живописцев позволило им взяться за изображение человеческих конфликтов, их психологии. Расширялось жанровое разнообразие живописи. Все большее значение отводилось станковой живописи. Совершенствовалась техника многослойной масляной живописи. Стали развиваться техники живописи, направленные на создание произведений камерного характера с использованием акварели, пастели, туши. Популярными стали различные виды миниатюрных портретов.

Взаимообогащение живописных традиций разных стран стало одной из важных черт живописи ХIХ века. Это помогало созданию реалистичных пейзажных школ. Живопись стала средством демонстрации негативного отношения к социальной действительности. В среде художников стали зарождаться подходы, оторванные от реальной реальности. В противовес им возник живописный романтизм, который исповедовал активную жизненную позицию. Он отличался конкретностью и убедительностью, динамичностью, контрастностью и колоритным богатством. Героями картин становились прогрессивные представители общественности, рабочие и крестьяне. В станковой живописи стали использоваться более совершенные краски фабричного производства.

Прерафаэлиты. Photo: ClemOnojeghuo|Unsplash

Конец ХIX и начало ХХ веков отмечен противоречивостью, борьбой разных течений в живописи. Активнее проявлялась персонификация видения художниками действительности, цвет становился насыщеннее и ассоциировался с отображаемыми в картине событиями и людьми. Во многих работах были правдиво осмыслены трагические события того времени. В то же время порой формы утрировались, машинизировались и становились декоративными элементами сюжета.

ХХ век отмечен развитием течений в художественной среде, которые негативно влияли на живопись. В некоторых странах она порой деградирует, превращаясь в компонент развлечений и рекламы.


Художник и его произведение

Сегодня занимающийся живописью художник может работать в театре, на промышленном предприятии и многих других местах. Зачастую именитые художники не работают по найму вообще, а полностью посвящают себя исключительно творчеству. Важной частью творческого процесса живописца является создание материальной основы для работы. Ведь зачастую художник должен нести немалые траты на аренду мастерской, приобретение мольбертов, красок, кистей и других инструментов для живописи. Вписанные в рыночные отношения некоторые живописцы вынуждены заниматься несвойственным им делами, занимаясь продвижением своих работ, маркетингом. Неотъемлемой частью жизни художника является его участие в выставках, конкурсах и других презентационных мероприятиях. Отдельным художникам удается найти почитателей их таланта, которые финансируют творческий процесс. Ещё с древних времен у сильных мира сего было принято иметь своих живописцев. Целью таких людей было использование искусства в целях собственного возвеличивания, фиксация важных исторических событий, формирование у потомков позитивного впечатления. В то же время художники, обслуживавшие таких заказчиков, получали возможность создавать высокохудожественные произведения различных жанров. Именно благодаря их творческим усилиям современный зритель может получить представление о важнейших событиях давно минувших дней, ощутить дыхание прошедших эпох.

Photo: AlpAllenAltiner|Unsplash

Профессиональная работа по созданию художественных произведений требует специальных знаний, которые дают художественные учебные заведения. Без таких знаний, независимо от источника их получения, художнику сложно создать высококачественное живописное произведение. Ведь любая стадия его создания требует специальных знаний и навыков. Задумывая сюжет картины, художник одновременно должен думать об источниках информации для его наполнения. Прежде, чем приступить к реализации творческого замысла на холсте или бумаге, ему необходимо ознакомиться с огромным объёмом информации для наиболее реалистичного и высокохудожественного отображения задуманного. Объём такой информации во многом зависит от жанра, в котором работает художник. Например, художник-баталист не сможет достоверно реализовать задуманный сюжет без чёткого представления об оружии, обмундировании, военных обычаях. Маринист не сможет работать вдали от моря, не зная основ конструкции кораблей, особенностей морского климата. Портретист должен знать все о герое портретного изображения, включая манеру двигаться, одеваться, смотреть и разговаривать. Только так, глубоко изучив свою натуру, художник может приниматься за работу. Предварительно им прорабатывается перспективы и композиция картины, делаются различные наброски и эскизы. Все эти подготовительные мероприятия позволяют приступить к созданию подготовительного рисунка на основе для картины. Рисунок выполняет функцию каркаса будущего произведения, закладывает фундамент целостности его изобразительного строя. От тщательности рисунка, выполненного карандашом, углём или мелом, в решающей степени зависит дальнейшая работа над картиной.

Перед началом работы с красками художник должен иметь чёткое представление о цветовой композиции своего произведения, которая создает ему колористическую цельность. Она реализуется при помощи красочных пятен или мазков, которые усиливают восприятие картины зрителем. Только после выполнения необходимых подготовительных процедур, нанесения и закрепления рисунка опытный художник начинает работать непосредственно красками.

Живопись, картины и художники – онлайн-музей Gallerix

Виртуальный музей живописи.

Картины известных художников

Все наши впечатления, фантазии, увиденные архитектурные ландшафты, предметы, пейзажи удивительным образом находят свое отображение в творческих работах великих мастеров и знаменитых художников. Можно сказать, что любая галерея картин насыщает зрителя таинственным колоритом высокого искусства и неповторимыми оттенками внутреннего мира их создателя.

Декорационная живопись, живопись маслом, акварелью, карандашом, монументально-декоративная, иконопись, панорама, миниатюра, диорама – среди такого многообразия каждый находит близкую для себя частичку окружающего мира, характера и настроения. Но, несмотря на это, этапы создания очередной репродукции картин известных художников все также окутаны таинственной дымкой. Возможно, именно это позволяет зрителю каждый раз восторженно наслаждаться насыщенной палитрой, необычными формами и величественной глубиной всего сюжета произведения.

Являясь верным поклонником творчества какого-либо художника, как в первый раз все также с восхищением следишь, как на поверхности холста появляются новые образы и неутомимые потоки краски. Художник будто вдыхает в них жизнь, и они уже игриво ложатся на полотно нового произведения, иногда широко и свободно растекаясь, а иногда – выплескиваясь и плавно ложась слоями. Каждый мазок репродукции известных картин рождает новую стихию. Это может быть дерзкий и неутомимый характер Бури у берегов Ниццы Ивана Айвазовского или мягкие и теплые тона Швейцарского пейзажа с лошадьми Алексея Саврасова.

Что интересно, любые репродукции картин одного и того же мастера открывают новые грани его таланта. Разница лишь в том, откуда художник черпает вдохновение и благодаря чему создает уникальные вариации античного, средневекового или абстрактного направления. Живописцы умело соединяют в своих работах страницы таинственного прошлого и неожиданного настоящего. Возможно, поэтому галерея картин дарит одухотворенное, романтичное начало, обращенное к образам прошлых лет фигуративного или традиционного искусства.

В этом и заметен вечный творческий поиск талантливых авторов, как прошлых лет, так и сегодняшнего времени. И что очень радует, проникнуться их духом и настроением, перенестись в Третьяковскую галерею, Эрмитаж или Русский музей сегодня достаточно просто – нужно всего лишь скачать картины известных художников и насладиться их реалистичностью, колоритом высокого искусства. А оно, как и много лет назад, не перестает удивлять истинных ценителей живописи. Многие художники в своих работах обращаются к истории, образам минувшего столетия. Это делает репродукции картин не только художественно ценными, но и интересными в интеллектуальном плане.

Почитатели прошлых и современных живописных форм ценят в произведениях искусства еще и «дыхание жизни». Каждый мазок, блик, оттенок должен максимально передавать богатую реалистичность всего сюжета. Не зря Леонардо да Винчи в свое время сказал о живописи как о поэзии, которую видят. Присмотритесь только к насыщенной картине известного художника Пьера Огюста Ренуара «Букет роз в зеленой вазе». С первого мгновения будто ощущаешь их манящий сладкий аромат, нежность каждого лепестка и свежесть игривой капельки росы. А в произведениях художника Anders Zorn удивительным образом проявляется чувственность и изящность любой женщины. Автор великолепно передал современную эстетику ню, наполненную академическим стилем и благородной динамикой футуризма.

Несомненно, такие репродукции картин художников позволяют зрителям по-новому взглянуть на привычные вещи, изображенные на полотне. Они не только радуют невероятным богатством красок и оттенков, но также передают очарование окружающего мира, упорядоченного рукой мастера.

Gallerix.ru — это виртуальный музей, в котором вы найдёте живопись, картины, репродукции картин русских и зарубежных художников, коллекции живописи крупных музеев. Здесь можно скачать картины в высоком разрешении и превосходном качестве, высказаться, а сколько всего ещё впереди! Обновление галерей, в среднем, раз в неделю, заходите чаще!


Такая разная живопись

Живопись – удивительное по своему разнообразию явление. В нём традиционно выделяется станковая, монументальная и декоративная живопись, а также оформление театральных декораций и миниатюрная.

Наиболее распространенной является станковая живопись. Она выполняется на мольберте, который является станком для художника. Обычно материальной основой картины является холст, натянутый на подрамник. Применяется также дерево, картон и бумага. Картина показывает современную действительность, исторические события, сюжеты, задуманные живописцем. Для станковой живописи нет ограничений в изобразительных возможностях. Здесь богатый цвет позволяет глубоко и точно отобразить уникальность действительности.

Особым, идеологически нагруженным вариантом является монументальная живопись. Она представляет собой масштабные живописные произведения, которые создаются для украшений объектов архитектуры. В ней должны отражаться заметные процессы и события, которые повлияли на общественный прогресс. Такая живопись, в силу её масштабности, предполагает особые подходы и значительные средства.

При помощи декоративной живописи украшаются интерьеры помещений. Она может выступать в виде насыщенных красками панно, дающими иллюзию визуального изменения объёма помещений в нужную сторону. Декоративная живопись органически объединяет интерьер и украшает предметы домашнего обихода.

Специфический характер имеет живопись в театре. Она предназначена для изготовления декораций, разработки набросков костюмов для сцены и реквизита. Театральный художник призван помочь точно выразить персональные особенности персонажей спектакля, эпоху в которой происходит действие. Это помогает раскрывать суть сценического представления. При этом предполагается учёт большого количества мест, с которых зрители смотрят спектакль, световые и цветовые возможности. Все это помогает адекватно воспринять спектакль.

Получившая популярность в средневековье живопись миниатюр используется преимущественно в издательском деле. Издавна книги украшались тщательно проработанными миниатюрными иллюстрациями. В первой половине ХIХ в. огромной популярностью пользовались небольшие акварельные портреты. Их отличали изысканность, изящество и филигранность письма.

Различные виды живописи также отличаются связующим веществом, на основе которого создается краска. Так, для масляной живописи применяется краска, в которой красящий пигмент растирается на маслах из растений. Такой краской пишут преимущественно на холсте, а также на картоне, металлических и деревянных плоскостях. Если краска густеет, её разводят специальными разбавителями. В темпере используется краска на казеиновой или яичной основе. Её растворяют водой и в виде жидкой пасты наносят твёрдую поверхность. Благодаря темпере сохранились старинные росписи на стенах, многие иконы и уникальные узоры на предметах домашнего обихода. Актуально применение темперы в живописных и графических работах, при художественном оформлении, декорировании зданий и помещений.

Также давнее происхождение имеют фресковая, восковая живопись и мозаика. С помощью первой создаются большие интерьерные композиции. У нее эстетичный вид и отменная долговечность. На основе отбеленного воска делаются восковые краски. Они горячим специальным металлическим инструментом переносятся на деревянную поверхность или холст. В мозаичной живописи произведение создается из небольших осколков разноцветного стекла и камня. Элементы мозаики при помощи цементного состава соединяются с поверхностью и создают интересные эффекты. Панно из мозаики широко используются для оформления помещений внутри общественных зданий и сооружений. Определённое сходство с мозаикой имеет живопись на витражах.

Разнообразие живописных произведений, в которых художник выражает свой творческий замысел, помогает увидеть красоту мира в повседневной жизни, постичь его совершенство.

Остановить прекрасное мгновенье

Уже не одну сотню лет это делается при помощи живописи – одного из важнейших видов изобразительного искусства. Ничто, кроме живописи, не способно с необычайной глубиной и техническим совершенством отразить богатую цветом, объёмом и материальной уникальностью окружающую человека действительность. Воспроизвести подсвеченный солнечным лучом воздух в утренней прохладе соснового леса. Или показать сверкающую всеми цветами радуги каплю росы на травинке.

Глубина окружающего человека пространства, удивительные особенности простых предметов проявляются в художественном творении благодаря использованию средств и приемов, присущих только живописи. Через рисунок, цвет и светотень, выразительные мазки, грамотные композиционные и фактурные решения изображение обычных вещей приобретают художественную ценность. Это и дым мчащегося паровоза, и степная пыль, поднятая табуном лошадей. Зритель может ощутить себя и в космическом корабле, и на палубе старинного парусника. Мастерски выписанные жанровые сюжеты помогут ему ощутить кисейную нежность наряда аристократки и грубую фактуру рубища нищего.

Дрезденская галерея. Photo: IgorMiske|Unsplash

Живопись удивительным образом раскрывает внутренний мир человека, радость и горе героев полотен, их неуемный восторг и отчаяние. Немало живописных работ показали в зрительных образах героизм и самопожертвование, мужество и трусость, подлость и предательство.

При помощи кисти и красок могут быть выражены неосязаемые идеи, глубинные исторические процессы, бытовые сюжеты, развернутые изображения различных событий. Предметом живописи стали батальные события и заседания парламентов, монархи и крестьяне, бунты, карнавалы и проводы в последний путь. Живописное изображение раскрывает духовное богатство и эмоциональную убогость, нравы и обычаи разных народов, богатые мироощущения современников живописца. При этом зритель получает ощущения, сходные с теми, которые он мог бы получить в действительности.

Материальной основой живописи являются её произведения, через которые осуществляется эмоциональное и интеллектуальное воздействие. Такое произведение должно иметь материальный носитель или основу в виде холста, бумаги, картона, дерева. Многие живописные работы создаются на камне, металле, стекле и бетоне. Обычно основа покрывается грунтом, на который кладется красочный слой. Иногда для большей сохранности работы краска покрывается лаком, создающим защитную пленку.

Флорентийское великолепие. Photo: JoshuaEarle|Unsplash

Однако главным таинством живописи является превращение под кистью мастера различных красок в цельное художественное изображение. Именно краски способны раскрыть изобразительный и эмоциональный потенциал живописи, особенности мастерства живописца. Самыми популярными красками при создании живописных полотен являются краски, в которых красящее вещество (пигмент) связывается растительным маслом. Они отличаются сильной цветопередачей и прекрасной устойчивостью к воздействию света. Акварельные краски художники ценят за их прозрачность, сочетаемую с яркостью и лёгкостью. Сегодня живописные работы создаются также при помощи темперы, гуаши, пастели и туши. Существует живопись разведёнными водой красками, которая широко применяется при создании фресок, восковая живопись и живопись керамическими и силикатными красками. Синтетические краски, их цветовая насыщенность и долговечность позволили вывести живопись из музейных залов на улицы городов на всеобщее обозрение. Носителями такой живописи стали здания и сооружения, средства транспорта и специальные конструкции. Произведения живописи всё больше насыщают быт человека. Живопись становится доступнее и демократичнее.


Живописные жанры

По мере исторического развития живописи её произведения начинали делиться на жанры в соответствии с объектами изображения и тематикой картин. Таких жанров сегодня насчитывается до полусотни.

Часть их связана с изображением человека. Жанр, называемый «ню» означает показ тела человека, которое обнажено. Он близок к сюжетам, раскрываемых в работах мифологического и исторического содержания. В произведениях, выполненных в портретном жанре, изображается человек. Такое изображение может носить индивидуальный или групповой характер, а также иметь парадный вид. Среди этих жанров выделяется жанр автопортрета, где автор запечатлевает сам себя. К жанрам, изображающим людей, может быть отнесена и карикатура. Здесь допускается намеренное искажение и преувеличение пропорций и черт лица человека. Используется различная символика, фантазии. Всё это призвано акцентировать внимание на критикуемых недостатках человека.

В анималистическом жанре изображаются животные, а в работах так называемого иппического жанра лошадь выступает главным героем живописного изображения.

Существует группа жанров, где отображаются исторические события. Такие работы отличает многоплановость и реалистичное изображение давно минувших дней. А для работ жанра, показывающего батальные события, характерно большое количество изображаемых лиц, участвующих в военных походах и сражениях. Батальные сюжеты предполагают их многоплановость. В некоторых жанрах содержится стремление донести до зрителя некие символы, мысли, которые представляются важными для людей. Так, картины аллегорического жанра предполагают скрытое содержание в изобразительном материале этих произведений. Расшифровываться оно должно посредством изображенных на картине людей, мифических героев, фантастических существ. В жанрах, изображающих героев былин и мифов, идеи передаются посредством соответствующих сюжетов. Религиозный жанр предполагает написание икон и иных работ сакрального содержания.

Распространенным жанровым объектом считается натюрморт. Здесь центром изображения становятся, преимущественно фрукты, овощи, посуда, вазы с цветами. Своеобразной разновидностью натюрморта является жанр «ванитас». В нём центральное место отводится черепу, символизирующему временность земного существования.

К пейзажным жанрам относятся изображения видов природы, городов и поселений. Пейзаж предполагает изображение картин природы, а также видов, связанных с морем и городами. Сюда можно отнести и жанр венецианского происхождения, называемый «ведута». По сути, это точно выписанная городская панорама, в которой, безусловно соблюдены архитектурные формы и пропорции. Жанр «каприччо» означает созданный фантазией художника архитектурный пейзаж.

К жанрам, отражающим обыденную жизнь, относят жанры изображающие человеческий быт, и пастораль. Первый характерен обыденной простотой в изображении элементарных жизненных сюжетов. Пастораль, напротив, идеализирует и украшает средствами живописи обыденную жизнь в сельской местности, подавая её в пастельных тонах. К бытовым жанрам может быть отнесен жанр интерьера, который показывает внутреннее оформление жилья и других помещений.

Краков, Польша. Photo: BeataRatuszniak|Unsplash

Иногда живописцы используют художественный жанр, называемый обманкой. В нём для получения зрительной иллюзии используются особые приёмы.

Жанры в живописи не есть что-то раз и навсегда застывшее. Они могут соединяться, дополнять друг друга. Отдельные со временем могут исчезнуть, другие будут развиваться, отражая жизнь.


Новости партнёров
Статьи по культурологии
Энциклопедия (в разработке)
Фотошоп онлайн
Обновления

Зеркало человечества

Человечество помнит себя во многом благодаря живописи. Это были сначала примитивные изображения животных, сцен охоты на них. Затем появился человеческий образ. Складывается подобие композиции. Красками служили кусочки охры и угля. Рабовладельческий период развития общества обогатил живопись её связью с архитектурой, новыми техническими средствами. Нередким было примитивное изображение человека, развёрнутые повествовательные сюжеты. Появились пейзажи, изображения предметов быта, домашних животных и птиц. Такая древняя живопись имела декоративный характер, у неё были контурные линии и цветовые пятна.

Посетители Лувра перед портретом Моны Лизы Photo: JuanDiNella|Unsplash

В античный период живописью украшали культовые сооружения, жильё, усыпальницы и другие строения. Расширилась тематика и сюжетное разнообразие живописных сюжетов. Осознанно стали применяться светотень, различные варианты перспективы. Появились фресковая и восковая живопись. Средневековье характеризовалось преобладанием живописи религиозного содержания. Использовались гуашевые, акварельные краски и краски на клеевой основе. Храмы украшались фресками, настенными росписями, мозаиками и витражами. Непременным атрибутом церквей стали иконы, создаваемые на покрытых грунтом досках. Живописные работы того времени отличались контурной чёткостью, цветовой насыщенностью, локализацией цветовых пятен.

Во время эпохи Возрождения возрос интерес к живописным работам, отражающим идеи гуманизма. Совершенствование техники работы с масляными красками значительно расширили потенциал живописи. Единение глубины пространства, светотеневых эффектов и цветового многообразия позволяло с высокой степенью реалистичности воспроизводить окружающие человека предметы и его самого. В сюжетах с обнажённой натурой демонстрировалась гармоничность человеческих отношений. Начинала преобладать многослойная живопись маслом, которая вытесняла темперу.

ХVII-XVIII века стали временем создания национальных живописных школ. В картинах появились социальные аспекты, реалистичнее показывалась реальная жизнь. Совершенное мастерство живописцев позволило им взяться за изображение человеческих конфликтов, их психологии. Расширялось жанровое разнообразие живописи. Все большее значение отводилось станковой живописи. Совершенствовалась техника многослойной масляной живописи. Стали развиваться техники живописи, направленные на создание произведений камерного характера с использованием акварели, пастели, туши. Популярными стали различные виды миниатюрных портретов.

Взаимообогащение живописных традиций разных стран стало одной из важных черт живописи ХIХ века. Это помогало созданию реалистичных пейзажных школ. Живопись стала средством демонстрации негативного отношения к социальной действительности. В среде художников стали зарождаться подходы, оторванные от реальной реальности. В противовес им возник живописный романтизм, который исповедовал активную жизненную позицию. Он отличался конкретностью и убедительностью, динамичностью, контрастностью и колоритным богатством. Героями картин становились прогрессивные представители общественности, рабочие и крестьяне. В станковой живописи стали использоваться более совершенные краски фабричного производства.

Прерафаэлиты. Photo: ClemOnojeghuo|Unsplash

Конец ХIX и начало ХХ веков отмечен противоречивостью, борьбой разных течений в живописи. Активнее проявлялась персонификация видения художниками действительности, цвет становился насыщеннее и ассоциировался с отображаемыми в картине событиями и людьми. Во многих работах были правдиво осмыслены трагические события того времени. В то же время порой формы утрировались, машинизировались и становились декоративными элементами сюжета.

ХХ век отмечен развитием течений в художественной среде, которые негативно влияли на живопись. В некоторых странах она порой деградирует, превращаясь в компонент развлечений и рекламы.


Художник и его произведение

Сегодня занимающийся живописью художник может работать в театре, на промышленном предприятии и многих других местах. Зачастую именитые художники не работают по найму вообще, а полностью посвящают себя исключительно творчеству. Важной частью творческого процесса живописца является создание материальной основы для работы. Ведь зачастую художник должен нести немалые траты на аренду мастерской, приобретение мольбертов, красок, кистей и других инструментов для живописи. Вписанные в рыночные отношения некоторые живописцы вынуждены заниматься несвойственным им делами, занимаясь продвижением своих работ, маркетингом. Неотъемлемой частью жизни художника является его участие в выставках, конкурсах и других презентационных мероприятиях. Отдельным художникам удается найти почитателей их таланта, которые финансируют творческий процесс. Ещё с древних времен у сильных мира сего было принято иметь своих живописцев. Целью таких людей было использование искусства в целях собственного возвеличивания, фиксация важных исторических событий, формирование у потомков позитивного впечатления. В то же время художники, обслуживавшие таких заказчиков, получали возможность создавать высокохудожественные произведения различных жанров. Именно благодаря их творческим усилиям современный зритель может получить представление о важнейших событиях давно минувших дней, ощутить дыхание прошедших эпох.

Photo: AlpAllenAltiner|Unsplash

Профессиональная работа по созданию художественных произведений требует специальных знаний, которые дают художественные учебные заведения. Без таких знаний, независимо от источника их получения, художнику сложно создать высококачественное живописное произведение. Ведь любая стадия его создания требует специальных знаний и навыков. Задумывая сюжет картины, художник одновременно должен думать об источниках информации для его наполнения. Прежде, чем приступить к реализации творческого замысла на холсте или бумаге, ему необходимо ознакомиться с огромным объёмом информации для наиболее реалистичного и высокохудожественного отображения задуманного. Объём такой информации во многом зависит от жанра, в котором работает художник. Например, художник-баталист не сможет достоверно реализовать задуманный сюжет без чёткого представления об оружии, обмундировании, военных обычаях. Маринист не сможет работать вдали от моря, не зная основ конструкции кораблей, особенностей морского климата. Портретист должен знать все о герое портретного изображения, включая манеру двигаться, одеваться, смотреть и разговаривать. Только так, глубоко изучив свою натуру, художник может приниматься за работу. Предварительно им прорабатывается перспективы и композиция картины, делаются различные наброски и эскизы. Все эти подготовительные мероприятия позволяют приступить к созданию подготовительного рисунка на основе для картины. Рисунок выполняет функцию каркаса будущего произведения, закладывает фундамент целостности его изобразительного строя. От тщательности рисунка, выполненного карандашом, углём или мелом, в решающей степени зависит дальнейшая работа над картиной.

Перед началом работы с красками художник должен иметь чёткое представление о цветовой композиции своего произведения, которая создает ему колористическую цельность. Она реализуется при помощи красочных пятен или мазков, которые усиливают восприятие картины зрителем. Только после выполнения необходимых подготовительных процедур, нанесения и закрепления рисунка опытный художник начинает работать непосредственно красками.

Живопись, картины и художники – онлайн-музей Gallerix

Виртуальный музей живописи.

Картины известных художников

Все наши впечатления, фантазии, увиденные архитектурные ландшафты, предметы, пейзажи удивительным образом находят свое отображение в творческих работах великих мастеров и знаменитых художников. Можно сказать, что любая галерея картин насыщает зрителя таинственным колоритом высокого искусства и неповторимыми оттенками внутреннего мира их создателя.

Декорационная живопись, живопись маслом, акварелью, карандашом, монументально-декоративная, иконопись, панорама, миниатюра, диорама – среди такого многообразия каждый находит близкую для себя частичку окружающего мира, характера и настроения. Но, несмотря на это, этапы создания очередной репродукции картин известных художников все также окутаны таинственной дымкой. Возможно, именно это позволяет зрителю каждый раз восторженно наслаждаться насыщенной палитрой, необычными формами и величественной глубиной всего сюжета произведения.

Являясь верным поклонником творчества какого-либо художника, как в первый раз все также с восхищением следишь, как на поверхности холста появляются новые образы и неутомимые потоки краски. Художник будто вдыхает в них жизнь, и они уже игриво ложатся на полотно нового произведения, иногда широко и свободно растекаясь, а иногда – выплескиваясь и плавно ложась слоями. Каждый мазок репродукции известных картин рождает новую стихию. Это может быть дерзкий и неутомимый характер Бури у берегов Ниццы Ивана Айвазовского или мягкие и теплые тона Швейцарского пейзажа с лошадьми Алексея Саврасова.

Что интересно, любые репродукции картин одного и того же мастера открывают новые грани его таланта. Разница лишь в том, откуда художник черпает вдохновение и благодаря чему создает уникальные вариации античного, средневекового или абстрактного направления. Живописцы умело соединяют в своих работах страницы таинственного прошлого и неожиданного настоящего. Возможно, поэтому галерея картин дарит одухотворенное, романтичное начало, обращенное к образам прошлых лет фигуративного или традиционного искусства.

В этом и заметен вечный творческий поиск талантливых авторов, как прошлых лет, так и сегодняшнего времени. И что очень радует, проникнуться их духом и настроением, перенестись в Третьяковскую галерею, Эрмитаж или Русский музей сегодня достаточно просто – нужно всего лишь скачать картины известных художников и насладиться их реалистичностью, колоритом высокого искусства. А оно, как и много лет назад, не перестает удивлять истинных ценителей живописи. Многие художники в своих работах обращаются к истории, образам минувшего столетия. Это делает репродукции картин не только художественно ценными, но и интересными в интеллектуальном плане.

Почитатели прошлых и современных живописных форм ценят в произведениях искусства еще и «дыхание жизни». Каждый мазок, блик, оттенок должен максимально передавать богатую реалистичность всего сюжета. Не зря Леонардо да Винчи в свое время сказал о живописи как о поэзии, которую видят. Присмотритесь только к насыщенной картине известного художника Пьера Огюста Ренуара «Букет роз в зеленой вазе». С первого мгновения будто ощущаешь их манящий сладкий аромат, нежность каждого лепестка и свежесть игривой капельки росы. А в произведениях художника Anders Zorn удивительным образом проявляется чувственность и изящность любой женщины. Автор великолепно передал современную эстетику ню, наполненную академическим стилем и благородной динамикой футуризма.

Несомненно, такие репродукции картин художников позволяют зрителям по-новому взглянуть на привычные вещи, изображенные на полотне. Они не только радуют невероятным богатством красок и оттенков, но также передают очарование окружающего мира, упорядоченного рукой мастера.

Gallerix.ru — это виртуальный музей, в котором вы найдёте живопись, картины, репродукции картин русских и зарубежных художников, коллекции живописи крупных музеев. Здесь можно скачать картины в высоком разрешении и превосходном качестве, высказаться, а сколько всего ещё впереди! Обновление галерей, в среднем, раз в неделю, заходите чаще!


Такая разная живопись

Живопись – удивительное по своему разнообразию явление. В нём традиционно выделяется станковая, монументальная и декоративная живопись, а также оформление театральных декораций и миниатюрная.

Наиболее распространенной является станковая живопись. Она выполняется на мольберте, который является станком для художника. Обычно материальной основой картины является холст, натянутый на подрамник. Применяется также дерево, картон и бумага. Картина показывает современную действительность, исторические события, сюжеты, задуманные живописцем. Для станковой живописи нет ограничений в изобразительных возможностях. Здесь богатый цвет позволяет глубоко и точно отобразить уникальность действительности.

Особым, идеологически нагруженным вариантом является монументальная живопись. Она представляет собой масштабные живописные произведения, которые создаются для украшений объектов архитектуры. В ней должны отражаться заметные процессы и события, которые повлияли на общественный прогресс. Такая живопись, в силу её масштабности, предполагает особые подходы и значительные средства.

При помощи декоративной живописи украшаются интерьеры помещений. Она может выступать в виде насыщенных красками панно, дающими иллюзию визуального изменения объёма помещений в нужную сторону. Декоративная живопись органически объединяет интерьер и украшает предметы домашнего обихода.

Специфический характер имеет живопись в театре. Она предназначена для изготовления декораций, разработки набросков костюмов для сцены и реквизита. Театральный художник призван помочь точно выразить персональные особенности персонажей спектакля, эпоху в которой происходит действие. Это помогает раскрывать суть сценического представления. При этом предполагается учёт большого количества мест, с которых зрители смотрят спектакль, световые и цветовые возможности. Все это помогает адекватно воспринять спектакль.

Получившая популярность в средневековье живопись миниатюр используется преимущественно в издательском деле. Издавна книги украшались тщательно проработанными миниатюрными иллюстрациями. В первой половине ХIХ в. огромной популярностью пользовались небольшие акварельные портреты. Их отличали изысканность, изящество и филигранность письма.

Различные виды живописи также отличаются связующим веществом, на основе которого создается краска. Так, для масляной живописи применяется краска, в которой красящий пигмент растирается на маслах из растений. Такой краской пишут преимущественно на холсте, а также на картоне, металлических и деревянных плоскостях. Если краска густеет, её разводят специальными разбавителями. В темпере используется краска на казеиновой или яичной основе. Её растворяют водой и в виде жидкой пасты наносят твёрдую поверхность. Благодаря темпере сохранились старинные росписи на стенах, многие иконы и уникальные узоры на предметах домашнего обихода. Актуально применение темперы в живописных и графических работах, при художественном оформлении, декорировании зданий и помещений.

Также давнее происхождение имеют фресковая, восковая живопись и мозаика. С помощью первой создаются большие интерьерные композиции. У нее эстетичный вид и отменная долговечность. На основе отбеленного воска делаются восковые краски. Они горячим специальным металлическим инструментом переносятся на деревянную поверхность или холст. В мозаичной живописи произведение создается из небольших осколков разноцветного стекла и камня. Элементы мозаики при помощи цементного состава соединяются с поверхностью и создают интересные эффекты. Панно из мозаики широко используются для оформления помещений внутри общественных зданий и сооружений. Определённое сходство с мозаикой имеет живопись на витражах.

Разнообразие живописных произведений, в которых художник выражает свой творческий замысел, помогает увидеть красоту мира в повседневной жизни, постичь его совершенство.

Остановить прекрасное мгновенье

Уже не одну сотню лет это делается при помощи живописи – одного из важнейших видов изобразительного искусства. Ничто, кроме живописи, не способно с необычайной глубиной и техническим совершенством отразить богатую цветом, объёмом и материальной уникальностью окружающую человека действительность. Воспроизвести подсвеченный солнечным лучом воздух в утренней прохладе соснового леса. Или показать сверкающую всеми цветами радуги каплю росы на травинке.

Глубина окружающего человека пространства, удивительные особенности простых предметов проявляются в художественном творении благодаря использованию средств и приемов, присущих только живописи. Через рисунок, цвет и светотень, выразительные мазки, грамотные композиционные и фактурные решения изображение обычных вещей приобретают художественную ценность. Это и дым мчащегося паровоза, и степная пыль, поднятая табуном лошадей. Зритель может ощутить себя и в космическом корабле, и на палубе старинного парусника. Мастерски выписанные жанровые сюжеты помогут ему ощутить кисейную нежность наряда аристократки и грубую фактуру рубища нищего.

Дрезденская галерея. Photo: IgorMiske|Unsplash

Живопись удивительным образом раскрывает внутренний мир человека, радость и горе героев полотен, их неуемный восторг и отчаяние. Немало живописных работ показали в зрительных образах героизм и самопожертвование, мужество и трусость, подлость и предательство.

При помощи кисти и красок могут быть выражены неосязаемые идеи, глубинные исторические процессы, бытовые сюжеты, развернутые изображения различных событий. Предметом живописи стали батальные события и заседания парламентов, монархи и крестьяне, бунты, карнавалы и проводы в последний путь. Живописное изображение раскрывает духовное богатство и эмоциональную убогость, нравы и обычаи разных народов, богатые мироощущения современников живописца. При этом зритель получает ощущения, сходные с теми, которые он мог бы получить в действительности.

Материальной основой живописи являются её произведения, через которые осуществляется эмоциональное и интеллектуальное воздействие. Такое произведение должно иметь материальный носитель или основу в виде холста, бумаги, картона, дерева. Многие живописные работы создаются на камне, металле, стекле и бетоне. Обычно основа покрывается грунтом, на который кладется красочный слой. Иногда для большей сохранности работы краска покрывается лаком, создающим защитную пленку.

Флорентийское великолепие. Photo: JoshuaEarle|Unsplash

Однако главным таинством живописи является превращение под кистью мастера различных красок в цельное художественное изображение. Именно краски способны раскрыть изобразительный и эмоциональный потенциал живописи, особенности мастерства живописца. Самыми популярными красками при создании живописных полотен являются краски, в которых красящее вещество (пигмент) связывается растительным маслом. Они отличаются сильной цветопередачей и прекрасной устойчивостью к воздействию света. Акварельные краски художники ценят за их прозрачность, сочетаемую с яркостью и лёгкостью. Сегодня живописные работы создаются также при помощи темперы, гуаши, пастели и туши. Существует живопись разведёнными водой красками, которая широко применяется при создании фресок, восковая живопись и живопись керамическими и силикатными красками. Синтетические краски, их цветовая насыщенность и долговечность позволили вывести живопись из музейных залов на улицы городов на всеобщее обозрение. Носителями такой живописи стали здания и сооружения, средства транспорта и специальные конструкции. Произведения живописи всё больше насыщают быт человека. Живопись становится доступнее и демократичнее.


Живописные жанры

По мере исторического развития живописи её произведения начинали делиться на жанры в соответствии с объектами изображения и тематикой картин. Таких жанров сегодня насчитывается до полусотни.

Часть их связана с изображением человека. Жанр, называемый «ню» означает показ тела человека, которое обнажено. Он близок к сюжетам, раскрываемых в работах мифологического и исторического содержания. В произведениях, выполненных в портретном жанре, изображается человек. Такое изображение может носить индивидуальный или групповой характер, а также иметь парадный вид. Среди этих жанров выделяется жанр автопортрета, где автор запечатлевает сам себя. К жанрам, изображающим людей, может быть отнесена и карикатура. Здесь допускается намеренное искажение и преувеличение пропорций и черт лица человека. Используется различная символика, фантазии. Всё это призвано акцентировать внимание на критикуемых недостатках человека.

В анималистическом жанре изображаются животные, а в работах так называемого иппического жанра лошадь выступает главным героем живописного изображения.

Существует группа жанров, где отображаются исторические события. Такие работы отличает многоплановость и реалистичное изображение давно минувших дней. А для работ жанра, показывающего батальные события, характерно большое количество изображаемых лиц, участвующих в военных походах и сражениях. Батальные сюжеты предполагают их многоплановость. В некоторых жанрах содержится стремление донести до зрителя некие символы, мысли, которые представляются важными для людей. Так, картины аллегорического жанра предполагают скрытое содержание в изобразительном материале этих произведений. Расшифровываться оно должно посредством изображенных на картине людей, мифических героев, фантастических существ. В жанрах, изображающих героев былин и мифов, идеи передаются посредством соответствующих сюжетов. Религиозный жанр предполагает написание икон и иных работ сакрального содержания.

Распространенным жанровым объектом считается натюрморт. Здесь центром изображения становятся, преимущественно фрукты, овощи, посуда, вазы с цветами. Своеобразной разновидностью натюрморта является жанр «ванитас». В нём центральное место отводится черепу, символизирующему временность земного существования.

К пейзажным жанрам относятся изображения видов природы, городов и поселений. Пейзаж предполагает изображение картин природы, а также видов, связанных с морем и городами. Сюда можно отнести и жанр венецианского происхождения, называемый «ведута». По сути, это точно выписанная городская панорама, в которой, безусловно соблюдены архитектурные формы и пропорции. Жанр «каприччо» означает созданный фантазией художника архитектурный пейзаж.

К жанрам, отражающим обыденную жизнь, относят жанры изображающие человеческий быт, и пастораль. Первый характерен обыденной простотой в изображении элементарных жизненных сюжетов. Пастораль, напротив, идеализирует и украшает средствами живописи обыденную жизнь в сельской местности, подавая её в пастельных тонах. К бытовым жанрам может быть отнесен жанр интерьера, который показывает внутреннее оформление жилья и других помещений.

Краков, Польша. Photo: BeataRatuszniak|Unsplash

Иногда живописцы используют художественный жанр, называемый обманкой. В нём для получения зрительной иллюзии используются особые приёмы.

Жанры в живописи не есть что-то раз и навсегда застывшее. Они могут соединяться, дополнять друг друга. Отдельные со временем могут исчезнуть, другие будут развиваться, отражая жизнь.


Новости партнёров
Статьи по культурологии
Энциклопедия (в разработке)
Фотошоп онлайн
Обновления

Зеркало человечества

Человечество помнит себя во многом благодаря живописи. Это были сначала примитивные изображения животных, сцен охоты на них. Затем появился человеческий образ. Складывается подобие композиции. Красками служили кусочки охры и угля. Рабовладельческий период развития общества обогатил живопись её связью с архитектурой, новыми техническими средствами. Нередким было примитивное изображение человека, развёрнутые повествовательные сюжеты. Появились пейзажи, изображения предметов быта, домашних животных и птиц. Такая древняя живопись имела декоративный характер, у неё были контурные линии и цветовые пятна.

Посетители Лувра перед портретом Моны Лизы Photo: JuanDiNella|Unsplash

В античный период живописью украшали культовые сооружения, жильё, усыпальницы и другие строения. Расширилась тематика и сюжетное разнообразие живописных сюжетов. Осознанно стали применяться светотень, различные варианты перспективы. Появились фресковая и восковая живопись. Средневековье характеризовалось преобладанием живописи религиозного содержания. Использовались гуашевые, акварельные краски и краски на клеевой основе. Храмы украшались фресками, настенными росписями, мозаиками и витражами. Непременным атрибутом церквей стали иконы, создаваемые на покрытых грунтом досках. Живописные работы того времени отличались контурной чёткостью, цветовой насыщенностью, локализацией цветовых пятен.

Во время эпохи Возрождения возрос интерес к живописным работам, отражающим идеи гуманизма. Совершенствование техники работы с масляными красками значительно расширили потенциал живописи. Единение глубины пространства, светотеневых эффектов и цветового многообразия позволяло с высокой степенью реалистичности воспроизводить окружающие человека предметы и его самого. В сюжетах с обнажённой натурой демонстрировалась гармоничность человеческих отношений. Начинала преобладать многослойная живопись маслом, которая вытесняла темперу.

ХVII-XVIII века стали временем создания национальных живописных школ. В картинах появились социальные аспекты, реалистичнее показывалась реальная жизнь. Совершенное мастерство живописцев позволило им взяться за изображение человеческих конфликтов, их психологии. Расширялось жанровое разнообразие живописи. Все большее значение отводилось станковой живописи. Совершенствовалась техника многослойной масляной живописи. Стали развиваться техники живописи, направленные на создание произведений камерного характера с использованием акварели, пастели, туши. Популярными стали различные виды миниатюрных портретов.

Взаимообогащение живописных традиций разных стран стало одной из важных черт живописи ХIХ века. Это помогало созданию реалистичных пейзажных школ. Живопись стала средством демонстрации негативного отношения к социальной действительности. В среде художников стали зарождаться подходы, оторванные от реальной реальности. В противовес им возник живописный романтизм, который исповедовал активную жизненную позицию. Он отличался конкретностью и убедительностью, динамичностью, контрастностью и колоритным богатством. Героями картин становились прогрессивные представители общественности, рабочие и крестьяне. В станковой живописи стали использоваться более совершенные краски фабричного производства.

Прерафаэлиты. Photo: ClemOnojeghuo|Unsplash

Конец ХIX и начало ХХ веков отмечен противоречивостью, борьбой разных течений в живописи. Активнее проявлялась персонификация видения художниками действительности, цвет становился насыщеннее и ассоциировался с отображаемыми в картине событиями и людьми. Во многих работах были правдиво осмыслены трагические события того времени. В то же время порой формы утрировались, машинизировались и становились декоративными элементами сюжета.

ХХ век отмечен развитием течений в художественной среде, которые негативно влияли на живопись. В некоторых странах она порой деградирует, превращаясь в компонент развлечений и рекламы.


Художник и его произведение

Сегодня занимающийся живописью художник может работать в театре, на промышленном предприятии и многих других местах. Зачастую именитые художники не работают по найму вообще, а полностью посвящают себя исключительно творчеству. Важной частью творческого процесса живописца является создание материальной основы для работы. Ведь зачастую художник должен нести немалые траты на аренду мастерской, приобретение мольбертов, красок, кистей и других инструментов для живописи. Вписанные в рыночные отношения некоторые живописцы вынуждены заниматься несвойственным им делами, занимаясь продвижением своих работ, маркетингом. Неотъемлемой частью жизни художника является его участие в выставках, конкурсах и других презентационных мероприятиях. Отдельным художникам удается найти почитателей их таланта, которые финансируют творческий процесс. Ещё с древних времен у сильных мира сего было принято иметь своих живописцев. Целью таких людей было использование искусства в целях собственного возвеличивания, фиксация важных исторических событий, формирование у потомков позитивного впечатления. В то же время художники, обслуживавшие таких заказчиков, получали возможность создавать высокохудожественные произведения различных жанров. Именно благодаря их творческим усилиям современный зритель может получить представление о важнейших событиях давно минувших дней, ощутить дыхание прошедших эпох.

Photo: AlpAllenAltiner|Unsplash

Профессиональная работа по созданию художественных произведений требует специальных знаний, которые дают художественные учебные заведения. Без таких знаний, независимо от источника их получения, художнику сложно создать высококачественное живописное произведение. Ведь любая стадия его создания требует специальных знаний и навыков. Задумывая сюжет картины, художник одновременно должен думать об источниках информации для его наполнения. Прежде, чем приступить к реализации творческого замысла на холсте или бумаге, ему необходимо ознакомиться с огромным объёмом информации для наиболее реалистичного и высокохудожественного отображения задуманного. Объём такой информации во многом зависит от жанра, в котором работает художник. Например, художник-баталист не сможет достоверно реализовать задуманный сюжет без чёткого представления об оружии, обмундировании, военных обычаях. Маринист не сможет работать вдали от моря, не зная основ конструкции кораблей, особенностей морского климата. Портретист должен знать все о герое портретного изображения, включая манеру двигаться, одеваться, смотреть и разговаривать. Только так, глубоко изучив свою натуру, художник может приниматься за работу. Предварительно им прорабатывается перспективы и композиция картины, делаются различные наброски и эскизы. Все эти подготовительные мероприятия позволяют приступить к созданию подготовительного рисунка на основе для картины. Рисунок выполняет функцию каркаса будущего произведения, закладывает фундамент целостности его изобразительного строя. От тщательности рисунка, выполненного карандашом, углём или мелом, в решающей степени зависит дальнейшая работа над картиной.

Перед началом работы с красками художник должен иметь чёткое представление о цветовой композиции своего произведения, которая создает ему колористическую цельность. Она реализуется при помощи красочных пятен или мазков, которые усиливают восприятие картины зрителем. Только после выполнения необходимых подготовительных процедур, нанесения и закрепления рисунка опытный художник начинает работать непосредственно красками.

Живопись, картины и художники – онлайн-музей Gallerix

Виртуальный музей живописи.

Картины известных художников

Все наши впечатления, фантазии, увиденные архитектурные ландшафты, предметы, пейзажи удивительным образом находят свое отображение в творческих работах великих мастеров и знаменитых художников. Можно сказать, что любая галерея картин насыщает зрителя таинственным колоритом высокого искусства и неповторимыми оттенками внутреннего мира их создателя.

Декорационная живопись, живопись маслом, акварелью, карандашом, монументально-декоративная, иконопись, панорама, миниатюра, диорама – среди такого многообразия каждый находит близкую для себя частичку окружающего мира, характера и настроения. Но, несмотря на это, этапы создания очередной репродукции картин известных художников все также окутаны таинственной дымкой. Возможно, именно это позволяет зрителю каждый раз восторженно наслаждаться насыщенной палитрой, необычными формами и величественной глубиной всего сюжета произведения.

Являясь верным поклонником творчества какого-либо художника, как в первый раз все также с восхищением следишь, как на поверхности холста появляются новые образы и неутомимые потоки краски. Художник будто вдыхает в них жизнь, и они уже игриво ложатся на полотно нового произведения, иногда широко и свободно растекаясь, а иногда – выплескиваясь и плавно ложась слоями. Каждый мазок репродукции известных картин рождает новую стихию. Это может быть дерзкий и неутомимый характер Бури у берегов Ниццы Ивана Айвазовского или мягкие и теплые тона Швейцарского пейзажа с лошадьми Алексея Саврасова.

Что интересно, любые репродукции картин одного и того же мастера открывают новые грани его таланта. Разница лишь в том, откуда художник черпает вдохновение и благодаря чему создает уникальные вариации античного, средневекового или абстрактного направления. Живописцы умело соединяют в своих работах страницы таинственного прошлого и неожиданного настоящего. Возможно, поэтому галерея картин дарит одухотворенное, романтичное начало, обращенное к образам прошлых лет фигуративного или традиционного искусства.

В этом и заметен вечный творческий поиск талантливых авторов, как прошлых лет, так и сегодняшнего времени. И что очень радует, проникнуться их духом и настроением, перенестись в Третьяковскую галерею, Эрмитаж или Русский музей сегодня достаточно просто – нужно всего лишь скачать картины известных художников и насладиться их реалистичностью, колоритом высокого искусства. А оно, как и много лет назад, не перестает удивлять истинных ценителей живописи. Многие художники в своих работах обращаются к истории, образам минувшего столетия. Это делает репродукции картин не только художественно ценными, но и интересными в интеллектуальном плане.

Почитатели прошлых и современных живописных форм ценят в произведениях искусства еще и «дыхание жизни». Каждый мазок, блик, оттенок должен максимально передавать богатую реалистичность всего сюжета. Не зря Леонардо да Винчи в свое время сказал о живописи как о поэзии, которую видят. Присмотритесь только к насыщенной картине известного художника Пьера Огюста Ренуара «Букет роз в зеленой вазе». С первого мгновения будто ощущаешь их манящий сладкий аромат, нежность каждого лепестка и свежесть игривой капельки росы. А в произведениях художника Anders Zorn удивительным образом проявляется чувственность и изящность любой женщины. Автор великолепно передал современную эстетику ню, наполненную академическим стилем и благородной динамикой футуризма.

Несомненно, такие репродукции картин художников позволяют зрителям по-новому взглянуть на привычные вещи, изображенные на полотне. Они не только радуют невероятным богатством красок и оттенков, но также передают очарование окружающего мира, упорядоченного рукой мастера.

Gallerix.ru — это виртуальный музей, в котором вы найдёте живопись, картины, репродукции картин русских и зарубежных художников, коллекции живописи крупных музеев. Здесь можно скачать картины в высоком разрешении и превосходном качестве, высказаться, а сколько всего ещё впереди! Обновление галерей, в среднем, раз в неделю, заходите чаще!


Такая разная живопись

Живопись – удивительное по своему разнообразию явление. В нём традиционно выделяется станковая, монументальная и декоративная живопись, а также оформление театральных декораций и миниатюрная.

Наиболее распространенной является станковая живопись. Она выполняется на мольберте, который является станком для художника. Обычно материальной основой картины является холст, натянутый на подрамник. Применяется также дерево, картон и бумага. Картина показывает современную действительность, исторические события, сюжеты, задуманные живописцем. Для станковой живописи нет ограничений в изобразительных возможностях. Здесь богатый цвет позволяет глубоко и точно отобразить уникальность действительности.

Особым, идеологически нагруженным вариантом является монументальная живопись. Она представляет собой масштабные живописные произведения, которые создаются для украшений объектов архитектуры. В ней должны отражаться заметные процессы и события, которые повлияли на общественный прогресс. Такая живопись, в силу её масштабности, предполагает особые подходы и значительные средства.

При помощи декоративной живописи украшаются интерьеры помещений. Она может выступать в виде насыщенных красками панно, дающими иллюзию визуального изменения объёма помещений в нужную сторону. Декоративная живопись органически объединяет интерьер и украшает предметы домашнего обихода.

Специфический характер имеет живопись в театре. Она предназначена для изготовления декораций, разработки набросков костюмов для сцены и реквизита. Театральный художник призван помочь точно выразить персональные особенности персонажей спектакля, эпоху в которой происходит действие. Это помогает раскрывать суть сценического представления. При этом предполагается учёт большого количества мест, с которых зрители смотрят спектакль, световые и цветовые возможности. Все это помогает адекватно воспринять спектакль.

Получившая популярность в средневековье живопись миниатюр используется преимущественно в издательском деле. Издавна книги украшались тщательно проработанными миниатюрными иллюстрациями. В первой половине ХIХ в. огромной популярностью пользовались небольшие акварельные портреты. Их отличали изысканность, изящество и филигранность письма.

Различные виды живописи также отличаются связующим веществом, на основе которого создается краска. Так, для масляной живописи применяется краска, в которой красящий пигмент растирается на маслах из растений. Такой краской пишут преимущественно на холсте, а также на картоне, металлических и деревянных плоскостях. Если краска густеет, её разводят специальными разбавителями. В темпере используется краска на казеиновой или яичной основе. Её растворяют водой и в виде жидкой пасты наносят твёрдую поверхность. Благодаря темпере сохранились старинные росписи на стенах, многие иконы и уникальные узоры на предметах домашнего обихода. Актуально применение темперы в живописных и графических работах, при художественном оформлении, декорировании зданий и помещений.

Также давнее происхождение имеют фресковая, восковая живопись и мозаика. С помощью первой создаются большие интерьерные композиции. У нее эстетичный вид и отменная долговечность. На основе отбеленного воска делаются восковые краски. Они горячим специальным металлическим инструментом переносятся на деревянную поверхность или холст. В мозаичной живописи произведение создается из небольших осколков разноцветного стекла и камня. Элементы мозаики при помощи цементного состава соединяются с поверхностью и создают интересные эффекты. Панно из мозаики широко используются для оформления помещений внутри общественных зданий и сооружений. Определённое сходство с мозаикой имеет живопись на витражах.

Разнообразие живописных произведений, в которых художник выражает свой творческий замысел, помогает увидеть красоту мира в повседневной жизни, постичь его совершенство.

Остановить прекрасное мгновенье

Уже не одну сотню лет это делается при помощи живописи – одного из важнейших видов изобразительного искусства. Ничто, кроме живописи, не способно с необычайной глубиной и техническим совершенством отразить богатую цветом, объёмом и материальной уникальностью окружающую человека действительность. Воспроизвести подсвеченный солнечным лучом воздух в утренней прохладе соснового леса. Или показать сверкающую всеми цветами радуги каплю росы на травинке.

Глубина окружающего человека пространства, удивительные особенности простых предметов проявляются в художественном творении благодаря использованию средств и приемов, присущих только живописи. Через рисунок, цвет и светотень, выразительные мазки, грамотные композиционные и фактурные решения изображение обычных вещей приобретают художественную ценность. Это и дым мчащегося паровоза, и степная пыль, поднятая табуном лошадей. Зритель может ощутить себя и в космическом корабле, и на палубе старинного парусника. Мастерски выписанные жанровые сюжеты помогут ему ощутить кисейную нежность наряда аристократки и грубую фактуру рубища нищего.

Дрезденская галерея. Photo: IgorMiske|Unsplash

Живопись удивительным образом раскрывает внутренний мир человека, радость и горе героев полотен, их неуемный восторг и отчаяние. Немало живописных работ показали в зрительных образах героизм и самопожертвование, мужество и трусость, подлость и предательство.

При помощи кисти и красок могут быть выражены неосязаемые идеи, глубинные исторические процессы, бытовые сюжеты, развернутые изображения различных событий. Предметом живописи стали батальные события и заседания парламентов, монархи и крестьяне, бунты, карнавалы и проводы в последний путь. Живописное изображение раскрывает духовное богатство и эмоциональную убогость, нравы и обычаи разных народов, богатые мироощущения современников живописца. При этом зритель получает ощущения, сходные с теми, которые он мог бы получить в действительности.

Материальной основой живописи являются её произведения, через которые осуществляется эмоциональное и интеллектуальное воздействие. Такое произведение должно иметь материальный носитель или основу в виде холста, бумаги, картона, дерева. Многие живописные работы создаются на камне, металле, стекле и бетоне. Обычно основа покрывается грунтом, на который кладется красочный слой. Иногда для большей сохранности работы краска покрывается лаком, создающим защитную пленку.

Флорентийское великолепие. Photo: JoshuaEarle|Unsplash

Однако главным таинством живописи является превращение под кистью мастера различных красок в цельное художественное изображение. Именно краски способны раскрыть изобразительный и эмоциональный потенциал живописи, особенности мастерства живописца. Самыми популярными красками при создании живописных полотен являются краски, в которых красящее вещество (пигмент) связывается растительным маслом. Они отличаются сильной цветопередачей и прекрасной устойчивостью к воздействию света. Акварельные краски художники ценят за их прозрачность, сочетаемую с яркостью и лёгкостью. Сегодня живописные работы создаются также при помощи темперы, гуаши, пастели и туши. Существует живопись разведёнными водой красками, которая широко применяется при создании фресок, восковая живопись и живопись керамическими и силикатными красками. Синтетические краски, их цветовая насыщенность и долговечность позволили вывести живопись из музейных залов на улицы городов на всеобщее обозрение. Носителями такой живописи стали здания и сооружения, средства транспорта и специальные конструкции. Произведения живописи всё больше насыщают быт человека. Живопись становится доступнее и демократичнее.


Живописные жанры

По мере исторического развития живописи её произведения начинали делиться на жанры в соответствии с объектами изображения и тематикой картин. Таких жанров сегодня насчитывается до полусотни.

Часть их связана с изображением человека. Жанр, называемый «ню» означает показ тела человека, которое обнажено. Он близок к сюжетам, раскрываемых в работах мифологического и исторического содержания. В произведениях, выполненных в портретном жанре, изображается человек. Такое изображение может носить индивидуальный или групповой характер, а также иметь парадный вид. Среди этих жанров выделяется жанр автопортрета, где автор запечатлевает сам себя. К жанрам, изображающим людей, может быть отнесена и карикатура. Здесь допускается намеренное искажение и преувеличение пропорций и черт лица человека. Используется различная символика, фантазии. Всё это призвано акцентировать внимание на критикуемых недостатках человека.

В анималистическом жанре изображаются животные, а в работах так называемого иппического жанра лошадь выступает главным героем живописного изображения.

Существует группа жанров, где отображаются исторические события. Такие работы отличает многоплановость и реалистичное изображение давно минувших дней. А для работ жанра, показывающего батальные события, характерно большое количество изображаемых лиц, участвующих в военных походах и сражениях. Батальные сюжеты предполагают их многоплановость. В некоторых жанрах содержится стремление донести до зрителя некие символы, мысли, которые представляются важными для людей. Так, картины аллегорического жанра предполагают скрытое содержание в изобразительном материале этих произведений. Расшифровываться оно должно посредством изображенных на картине людей, мифических героев, фантастических существ. В жанрах, изображающих героев былин и мифов, идеи передаются посредством соответствующих сюжетов. Религиозный жанр предполагает написание икон и иных работ сакрального содержания.

Распространенным жанровым объектом считается натюрморт. Здесь центром изображения становятся, преимущественно фрукты, овощи, посуда, вазы с цветами. Своеобразной разновидностью натюрморта является жанр «ванитас». В нём центральное место отводится черепу, символизирующему временность земного существования.

К пейзажным жанрам относятся изображения видов природы, городов и поселений. Пейзаж предполагает изображение картин природы, а также видов, связанных с морем и городами. Сюда можно отнести и жанр венецианского происхождения, называемый «ведута». По сути, это точно выписанная городская панорама, в которой, безусловно соблюдены архитектурные формы и пропорции. Жанр «каприччо» означает созданный фантазией художника архитектурный пейзаж.

К жанрам, отражающим обыденную жизнь, относят жанры изображающие человеческий быт, и пастораль. Первый характерен обыденной простотой в изображении элементарных жизненных сюжетов. Пастораль, напротив, идеализирует и украшает средствами живописи обыденную жизнь в сельской местности, подавая её в пастельных тонах. К бытовым жанрам может быть отнесен жанр интерьера, который показывает внутреннее оформление жилья и других помещений.

Краков, Польша. Photo: BeataRatuszniak|Unsplash

Иногда живописцы используют художественный жанр, называемый обманкой. В нём для получения зрительной иллюзии используются особые приёмы.

Жанры в живописи не есть что-то раз и навсегда застывшее. Они могут соединяться, дополнять друг друга. Отдельные со временем могут исчезнуть, другие будут развиваться, отражая жизнь.


Новости партнёров
Статьи по культурологии
Энциклопедия (в разработке)
Фотошоп онлайн
Обновления

Зеркало человечества

Человечество помнит себя во многом благодаря живописи. Это были сначала примитивные изображения животных, сцен охоты на них. Затем появился человеческий образ. Складывается подобие композиции. Красками служили кусочки охры и угля. Рабовладельческий период развития общества обогатил живопись её связью с архитектурой, новыми техническими средствами. Нередким было примитивное изображение человека, развёрнутые повествовательные сюжеты. Появились пейзажи, изображения предметов быта, домашних животных и птиц. Такая древняя живопись имела декоративный характер, у неё были контурные линии и цветовые пятна.

Посетители Лувра перед портретом Моны Лизы Photo: JuanDiNella|Unsplash

В античный период живописью украшали культовые сооружения, жильё, усыпальницы и другие строения. Расширилась тематика и сюжетное разнообразие живописных сюжетов. Осознанно стали применяться светотень, различные варианты перспективы. Появились фресковая и восковая живопись. Средневековье характеризовалось преобладанием живописи религиозного содержания. Использовались гуашевые, акварельные краски и краски на клеевой основе. Храмы украшались фресками, настенными росписями, мозаиками и витражами. Непременным атрибутом церквей стали иконы, создаваемые на покрытых грунтом досках. Живописные работы того времени отличались контурной чёткостью, цветовой насыщенностью, локализацией цветовых пятен.

Во время эпохи Возрождения возрос интерес к живописным работам, отражающим идеи гуманизма. Совершенствование техники работы с масляными красками значительно расширили потенциал живописи. Единение глубины пространства, светотеневых эффектов и цветового многообразия позволяло с высокой степенью реалистичности воспроизводить окружающие человека предметы и его самого. В сюжетах с обнажённой натурой демонстрировалась гармоничность человеческих отношений. Начинала преобладать многослойная живопись маслом, которая вытесняла темперу.

ХVII-XVIII века стали временем создания национальных живописных школ. В картинах появились социальные аспекты, реалистичнее показывалась реальная жизнь. Совершенное мастерство живописцев позволило им взяться за изображение человеческих конфликтов, их психологии. Расширялось жанровое разнообразие живописи. Все большее значение отводилось станковой живописи. Совершенствовалась техника многослойной масляной живописи. Стали развиваться техники живописи, направленные на создание произведений камерного характера с использованием акварели, пастели, туши. Популярными стали различные виды миниатюрных портретов.

Взаимообогащение живописных традиций разных стран стало одной из важных черт живописи ХIХ века. Это помогало созданию реалистичных пейзажных школ. Живопись стала средством демонстрации негативного отношения к социальной действительности. В среде художников стали зарождаться подходы, оторванные от реальной реальности. В противовес им возник живописный романтизм, который исповедовал активную жизненную позицию. Он отличался конкретностью и убедительностью, динамичностью, контрастностью и колоритным богатством. Героями картин становились прогрессивные представители общественности, рабочие и крестьяне. В станковой живописи стали использоваться более совершенные краски фабричного производства.

Прерафаэлиты. Photo: ClemOnojeghuo|Unsplash

Конец ХIX и начало ХХ веков отмечен противоречивостью, борьбой разных течений в живописи. Активнее проявлялась персонификация видения художниками действительности, цвет становился насыщеннее и ассоциировался с отображаемыми в картине событиями и людьми. Во многих работах были правдиво осмыслены трагические события того времени. В то же время порой формы утрировались, машинизировались и становились декоративными элементами сюжета.

ХХ век отмечен развитием течений в художественной среде, которые негативно влияли на живопись. В некоторых странах она порой деградирует, превращаясь в компонент развлечений и рекламы.


Художник и его произведение

Сегодня занимающийся живописью художник может работать в театре, на промышленном предприятии и многих других местах. Зачастую именитые художники не работают по найму вообще, а полностью посвящают себя исключительно творчеству. Важной частью творческого процесса живописца является создание материальной основы для работы. Ведь зачастую художник должен нести немалые траты на аренду мастерской, приобретение мольбертов, красок, кистей и других инструментов для живописи. Вписанные в рыночные отношения некоторые живописцы вынуждены заниматься несвойственным им делами, занимаясь продвижением своих работ, маркетингом. Неотъемлемой частью жизни художника является его участие в выставках, конкурсах и других презентационных мероприятиях. Отдельным художникам удается найти почитателей их таланта, которые финансируют творческий процесс. Ещё с древних времен у сильных мира сего было принято иметь своих живописцев. Целью таких людей было использование искусства в целях собственного возвеличивания, фиксация важных исторических событий, формирование у потомков позитивного впечатления. В то же время художники, обслуживавшие таких заказчиков, получали возможность создавать высокохудожественные произведения различных жанров. Именно благодаря их творческим усилиям современный зритель может получить представление о важнейших событиях давно минувших дней, ощутить дыхание прошедших эпох.

Photo: AlpAllenAltiner|Unsplash

Профессиональная работа по созданию художественных произведений требует специальных знаний, которые дают художественные учебные заведения. Без таких знаний, независимо от источника их получения, художнику сложно создать высококачественное живописное произведение. Ведь любая стадия его создания требует специальных знаний и навыков. Задумывая сюжет картины, художник одновременно должен думать об источниках информации для его наполнения. Прежде, чем приступить к реализации творческого замысла на холсте или бумаге, ему необходимо ознакомиться с огромным объёмом информации для наиболее реалистичного и высокохудожественного отображения задуманного. Объём такой информации во многом зависит от жанра, в котором работает художник. Например, художник-баталист не сможет достоверно реализовать задуманный сюжет без чёткого представления об оружии, обмундировании, военных обычаях. Маринист не сможет работать вдали от моря, не зная основ конструкции кораблей, особенностей морского климата. Портретист должен знать все о герое портретного изображения, включая манеру двигаться, одеваться, смотреть и разговаривать. Только так, глубоко изучив свою натуру, художник может приниматься за работу. Предварительно им прорабатывается перспективы и композиция картины, делаются различные наброски и эскизы. Все эти подготовительные мероприятия позволяют приступить к созданию подготовительного рисунка на основе для картины. Рисунок выполняет функцию каркаса будущего произведения, закладывает фундамент целостности его изобразительного строя. От тщательности рисунка, выполненного карандашом, углём или мелом, в решающей степени зависит дальнейшая работа над картиной.

Перед началом работы с красками художник должен иметь чёткое представление о цветовой композиции своего произведения, которая создает ему колористическую цельность. Она реализуется при помощи красочных пятен или мазков, которые усиливают восприятие картины зрителем. Только после выполнения необходимых подготовительных процедур, нанесения и закрепления рисунка опытный художник начинает работать непосредственно красками.

10 известнейших картин Климта | Artrue

Самые популярные картины живописца.

Густав Климт (1862–1918) был ведущей фигурой так называемого Венского Сецессиона, художественного направления, сторонники которого восстали против установленных концепций искусства и создали свой стиль, похожий на модерн. Хотя австрийский художник часто шокировал искусствоведов своими нетрадиционными и провокационными методами в конце концов стал рассматриваться как один из лучших художников Европы. Сегодня его работы включены практически во все подборки лучших картин всех времен. В этом списке приведены 10 самых известных полотен Климта.

Климт. Знаковые работы.

Поцелуй

Поцелуй

Самая известная из всех картин Густава, основа движения Сецессиона и одна из самых прекрасных работ раннего периода творчества художника. Поцелуй изображает двух обнявшихся влюбленных в цветочном поле. Представленная в 1908 году картина взволновала искусствоведов, а галерея Бельведер (Вена) сразу же приобрела шедевр в свою коллекцию.

Портрет Адели Блох-Бауэр

«Портрет Адели Блох-Бауэр I», завершенный в 1907 году, является первым из двух портретов Адель, жены влиятельного промышленника. Последняя картина из так называемой серии «Золотого периода» должна была быть передана в дар галерее Бельведер после смерти Адели, но её муж не отдал шедевр. Во время нацистской  оккупации Австрии, картина была конфискована. В конечном итоге в 2006 году портрет был куплен Рональдо Лаудером для Новой галлереи в Нью-Йорке за 135 миллионов долларов.

Девы

Написанная маслом на холсте, картина «Девы» изображает девушку, окруженную шестью обнаженными женщинами. Завершенная в 1913 году, работа имеет несколько различных интерпретаций, касающихся основной фигуры. В основном эксперты сходятся на том, что Климт изобразил процесс превращения в женщину юной девы, о чем свидетельствуют спирали на драпировке, символизирующие плодородие, и прикрытые ноги, указывающие на половую зрелость. Аллегорическую картину можно увидеть в Национальной галерее в Праге.

Даная

Даная — дочь мифического короля Акрисия Аргоса, пришедшего к дельфийскому оракулу. Оракул сказал правителю, что тот однажды будет убит своим ребенком. Чтобы обезопасить себя Акрисий заточает дочь в бронзовой камере, чтобы не дать ей возможности забеременеть. Однако девушку в виде золотого дождя посещает Зевс. Климт «захватил» именно этот момент, на что четко указывает золото между ног Данаи. Картина, завершенная в 1907 году, сегодня располагается в Вене.

Три возраста женщины

Завершенная в 1905 года картина «Три возраста женщины» (иногда называемая «Матерь и ребенок») изображает трех женщин на различных этапах жизни. Картина была представлена публике в 1910 году в Венеции. Два года спустя приобретена Национальной галереей современного искусства в Риме, где находится до сих пор.

Юдифь и голова Олоферна (Юдифь I)

Картина изображает библейскую вдову Юдифь, держащую отрубленную голову. Красивая женщина пришла в лагерь своих врагов, чтобы обольстить генерала и убить его, когда представится возможность. Картина, завершенная в 1901 сегодня находится в галерее Бельведер.

Портрет Фрицы Ридлер

Один из самых знаменитых портретов Климта ценен своим балансом между натурализмом и ощущением объемности. Геометрия кресла и стены дополняет композицию и акцентирует внимание на лице героини. Как и многие другие работы Густава (завершена в 1906 году) хранится в галерее Бельведер.

Надежда II

Окрашенная в 1907–08 году, «Надежда 2» изображает беременную женщину с обнаженной грудью. Голова героини согнута к животу, возле которого расположен череп, как символ опасности для будущего ребенка. У её ног три женские молящиеся фигуры. Шедевр сегодня хранится в музее современного искусства (Нью-Йорк).

Бетховенский фриз

Серия работ на штукатурке, посвященная композитору Бетховену, по праву считается одной из самых известных и значимых произведений Густава.

Жизнь и смерть

Окрашенная в 1910 году, работа является аллегорией жизни и смерти. Смерть представлена в виде человеческого скелета в темной мантии, представляющая угрозу как для старых, так и для молодых. Общее впечатление от картины, однако, положительное. Смерть может прятаться за углом и без разбора забирать души, но она бессильно против бесконечного жизненного цикла. Шедевром можно полюбоваться в музее Леопольда (Вена).

Фёдор Кричевский — 23 произведения

Фёдор Григо́рьевич Криче́вский (укр. Федір Григорович Кричевський; 22 мая 1879 — 30 июля 1947) — украинский советский живописец.

Первый ректор Украинской академии художеств, профессор Киевского художественного института, заслуженный деятель искусств УССР (1940).

Федор Григорьевич Кричевский воспитал на Украине целое поколение живописцев, в числе его учеников были Т. Яблонская, В. Костецкий, Г. Мелихов, С. Григорьев. Будучи одним из деятелей реформы художественного образования, Кричевский стал организатором Киевского художественного института. Его мастерская там была самой многочисленной, учеников привлекал художественный и педагогический авторитет выдающегося украинского живописца. Собственное творчество Кричевского отличается глубинной принадлежностью к украинской культуре, традициям, укорененностью в народной жизни.

Родился в Лебедине, в семье фельдшера, крещёного еврея. Кричевский рос и воспитывался в небольшом украинском селе Малая Ворожба на Харьковщине. Своей живописностью и «классическим» украинским пейзажем — белыми хатками среди зелени садов, чистыми волнами реки Псел — эта местность напоминала соседнюю Полтавщину.

Одарённость будущего живописца проявилась очень рано — он рисовал углём, лепил из глины и хлеба, а также вышивал, придумывая орнаменты и композиции. Впоследствии прославленный мастер поражал собеседников великолепным знанием украинских национальных ремёсел, а вышивку, по словам одного из учеников, знал до такой степени, что казалось, «будто с его смертью невозвратимо ушло нечто огромное из человеческих знаний об украинской культуре вообще».

Первоначальное профессиональное образование Кричевский получил в Московском училище живописи, ваяния и зодчества (1896—1901). Здесь, по признанию самого художника, наибольшее влияние оказали на него Абрам Архипов и Валентин Серов. В Москве Кричевский тосковал по Украине. В памяти соучеников отложилась его глубокая преданность народной культуре, которую он энергично пропагандировал среди друзей.
В 1900-е годы художник часто проводил летнее время в полтавском селе Шишаки, которое стало питательной почвой его творчества. Здесь он писал с натуры, изучал типажи и крестьянскую жизнь.

После путешествия в Англию (1902) Кричевский напряженно и много работает. Своё художественное образование он решил продолжить в Петербурге, в Академии художеств, и в 1907 году поступил в класс баталиста Ф. Рубо. Зрелость таланта украинского живописца продемонстрировала его картина «Невеста» (1910), с которой Кричевский вышел на академический конкурс, завершающий образование.
Сюжет из народной жизни — невесту обряжают её подружки — решён в полотне Кричевского без всякого бытовизма. Мерный и торжественный ритм композиции, её фризовость, крепкий рисунок, сдержанный колорит придают эпическое звучание и монументальность этой картине.

Учился в Вене у Густава Климта.

После заграничного путешествия в качестве пенсионера Академии Кричевский осел в Киеве, где в 1913 году он начал преподавать в Киевском художественном училище, а в 1914 г. стал его директором. Главные творческие достижения Кричевского в дореволюционное время относятся к портретному жанру («Портрет жены в платочке», 1916; «Портрет Л. Я. Старицкой на золотом фоне», 1914 и др.).

В 1918—1922 годах преподавал в Украинской академии художеств, был её первым ректором. Член Ассоциации художников Красной Украины.

Грандиозный триптих «Жизнь», созданный в 1925—1927 годы, демонстрирует его устремления к фресковости, декоративности, освоению темперной техники. В эти годы проблемами монументальной живописи занимались на Украине многие, более того, этот вид искусства стал платформой борьбы различных художественных группировок. Группировка, противостоящая Кричевскому и его единомышленникам, состояла из М. Бойчука и его учеников. Триптих «Жизнь» был в какой-то мере творческим «ответом» Кричевского в его спорах с М. Бойчуком. Одну из самых известных своих картин — «Победители Врангеля» — Кричевский создал в 1934 году. Это полотно можно отнести к историческому жанру, хоть и написано оно на современную тему. Сюжет художнику подсказали жители села Шишаки, вернувшиеся с фронта.

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

ещё …

10 картин Густава Климта, которые вы должны знать

Густав Климт родился в 1862 году. Австрийский живописец, известный своими декоративными работами на эротические темы. Современники считали художника мятежником, отошедшим от академического искусства. Однако, Климт следовал только своим правилам. Так или иначе картины Густава Климта — шедевры! Отдельного внимания стоят полотна, в которых используется сусальное золото, добавившее некий шик в полотна художника. Мы собрали серию запоминающихся картин Климта.

1. Юдифь и голова Олоферна

Картина написана по библейскому мифу о прекрасной Юдифи, спасшей родной город от нашествия ассирийцев. Убившая их полководца, Юдифь стала символом борьбы иудеев с завоевателями. В полотне использовано большое количество золота, что фокусирует внимание на центральной персоне. Голова полководца Олоферна, которую держит Юдифь минимально выделена цветом, что-бы не отвлекать внимание зрителя. Как и на большинстве картин Климта, женская фигура обнажена и эротична — роковая женщина, с довольным выражением на лице. Картина находится в Галерее Бельведер в Вене.

2.

Бетховенский фриз

Бетховенский фриз, 1901-1902

«Бетховенский фриз» был написан в 1901-1902 году и планировался как временная экспозиция, но так и остался в доме где был создан. Картина основана на переложении «9-й сифонии Бетховена» Рихардом Вагнером. Произведение Климта занимает 3 стены, суммарной длиной 34 метра. Картина показывает борьбу со страстями, с которыми сталкивается человек в течение своей жизни. За свою историю картина была вывезена из здания и продана дважды. В конце концов, произведение выкуплено Австрией, отреставрировано и возвращено в Дом Сецессиона в Вене.

3. Портрет Эмилии Флёге

Портрет Эмилии Флёге, 1902

Эмилия Флёге — австрийский модельер и возлюбленная Густава Климта. Климт известен своим интересом к женственности, а Эмилия была единственной женщиной во всем поддерживавшей художника. Она даже создавала платья на основе картин Климта. В 1902 году художник написал портрет Эмилии, на котором она изображена в полный рост и одета в платье синего, пурпурного, черного и золотого цветов. Картина, как и многие работы художника, оказалась радикальной для своего времени.

4. Три возраста женщины

Три возраста женщины, 1905

«Три возраста женщины» картина-аллегория, на которой мы видим три разных периода в жизни женщины от детского возраста до пожилого. Мать ласково держит на руках дочь, а рядом женщина в возрасте стоит опустив голову и закрыв лицо рукой. Все фигуры на картине обнажены. Эту работу можно посмотреть в Риме в Национальной галерее современного искусства.

5. Даная

Даная, 1907

В большинстве картин Климта эротичность играет ведущую роль, но в «Данае» эротизм выведен на новый уровень. Картина была завершена в 1907 году и изображает Данаю из греческой мифологии, которую отец запер в башне, что-бы оградить ее от внимания мужчин, т.к. боялся быть убитым собственным внуком. Зевс в виде золотого дождя проник к Данае. Этот момент мы и видим на картине.

6. Портрет Адели Блох-Бауэр I

Портрет Адели Блох-Бауэр I, 1907

«Портрет Адели Блох-Бауэр I» одна из самых известных и дорогих картин художника, находится в Новой галерее в Нью-Йорке. На картине написанной в 1907 году, окруженная золотом изображена светская дама Адель Блох-Бауэр. Работа была захвачена нацистами и оказалась в Австрийском музее. Впоследствии законная наследница художника через суд доказала свое право на обладание картиной.

7. Надежда II

Надежда II, 1907-1908

Беременность не часто изображалась в искусстве, однако в картине «Надежда II» изображена именно беременная женщина, одетая в яркое платье. Лицо обращено в низ, глаза женщины закрыты. Также мы видим череп и лица трех женщин обращенных к низу картины. Хотя картина называется «Надежда II», сюжет как раз не ее не внушает. Произведение можно увидеть в Нью-Йоркском музее современного искусства.

8. Поцелуй

Поцелуй, 1907-1908

Начатая в 1907 году картина является самой известной работой художника и венцом золотого периода художника, в котором он использовал сусальное золото в своих работах. На полотне изображена влюбленная пара: среди цветочного поля, мужчина склонился к женщине и целует ее в щеку. Одежда мужчины раскрашена контрастными геометрическими фигурами, платье женщины украшено цветами, которые подчеркивают ее женственность. Эту великолепную, символичную картину можно найти в Галерее Бельведер в Вене.

9. Дорога в парке замка Каммер

Дорога в парке замка Каммер, 1912

Густав Климт известен не только портретами, время от времени он рисовал и пейзажи. Многие годы он провел на курорте Аттерзе на севере Австрии. И множество его пейзажей вдохновлены природой этого места. Эта картина буквально зовет зрителя шагнуть внутрь и прогуляться по парку с большими деревьями, образующими аллею.

10. Девы

Девы, 1913

Картина находится в Национальной галерее в Праге. «Девы» полны символизма, как и многие работы художника. На первый взгляд вы видите на картине фигуру спящей женщины в окружении других, их одежды раскрашены яркими цветами. Каждая женщина представляет определенный жизненный этап. Картина затрагивает различные темы человеческой жизни, такие как любовь, сексуальность и возрождение, которые изображены в циклической форме. Настроение, эмоциональное состояние, словом, то, над чем трудились все символисты начала 20-го века, Климт передал в «Девах». Зритель втягивается в картину, задаваясь вопросом, о чем мечтает дева.

Густав Климт Биография | Жизнь, Живопись, Влияние на искусство

год отделения Вены

Климт стал одним из основателей и президентом Wiener Sezession (Венский сецессион) в 1897 году и периодического издания Ver Sacrum (Священная весна). Он оставался в Сецессионе до 1908 года. Целью группы было организовать выставки для нетрадиционных молодых художников, привезти в Вену работы лучших иностранных художников и издать собственный журнал для демонстрации работ участников.Группа не объявила никакого манифеста и не намеревалась поощрять какой-либо конкретный стиль — натуралисты, реалисты и символисты — все сосуществовали. Правительство поддержало их усилия и предоставило им в аренду общественную землю для строительства выставочного зала. Символом группы была Афина Паллада, греческая богиня справедливости, мудрости и искусств, и Климт написал свою радикальную версию в 1898 году.

Начиная с конца 1890-х годов Климт ежегодно проводил летние каникулы с семьей Флёге на берегу Аттерзее и писал там многие свои пейзажи.Эти работы представляют собой единственный жанр, помимо рисунка, который серьезно интересовал Климта, и их количество и качество заслуживают отдельной оценки. Формально пейзажи отличаются такой же изысканностью дизайна и выразительной узорчатостью, что и фигурные элементы. Глубокое пространство в работах Аттерзее настолько эффективно сплющено до единой плоскости, что считается, что Климт рисовал их, глядя в телескоп.

В 1894 году Климту было поручено создать три картины для украшения потолка Большого зала Венского университета.Не завершено до рубежа веков, три его картины, философия, медицина и юриспруденция не были подвергнуты критике за их радикальные темы и материала, который называли «порнографические». Климт преобразовал традиционную аллегорию и символизм в новый язык, который был более откровенно сексуальным и, следовательно, более тревожным. Общественный резонанс исходил со всех сторон — политических, эстетических и религиозных. В результате они не были выставлены на потолке Большого зала. Это будет последняя публичная комиссия, принятая художником.Все три картины были уничтожены отступающими войсками СС в мае 1945 года. Его Nuda Verita (1899) определила его стремление еще больше встряхнуть истеблишмент. Совершенно обнаженная рыжеволосая женщина держит зеркало истины, а над ним стилизованно написана цитата Шиллера: «Если вы не можете угодить всем своими делами и своим искусством, порадуйте некоторых. Угодить многим — плохо».

В 1902 году Климт завершил работу над Бетховенским фризом для 14-й выставки венских сецессионистов, которая должна была стать чествованием композитора и представила монументальную полихромную скульптуру Макса Клингера.Предназначенный только для выставки, фриз был расписан прямо на стенах легкими материалами. После выставки картина сохранилась, но экспонировалась только в 1986 году.

Густав Климт — 161 произведение

Густав Климт был австрийским художником-символистом, основным предметом которого было женское тело. Его картины, фрески и зарисовки отмечены чувственной эротикой, что особенно заметно в его карандашных рисунках. Климт учился в Венском университете искусств и ремесел в 1876 году и вместе со своими двумя братьями и другом основал «Общество художников», после чего был награжден Золотым орденом за заслуги перед венским императором.В 1892 году его отец и один из его братьев умерли, оставив его ответственным за свои семьи. Семейная трагедия также повлияла на его художественное видение, что помогло ему выработать собственный стиль.

На протяжении всей своей жизни, несмотря на то, что он был неоднозначным художником из-за своего предмета, он стал почетным членом университетов Вены и Мюнхена. Он также был одним из основателей и президентом Венского Сецессиона, который стремился создать платформу для новых и нетрадиционных художников, привезти новых художников в Вену и создал журнал для демонстрации работ своих членов.

Климт жил простой замкнутой жизнью, избегая других художников и кафе. Он часто носил длинную мантию, сандалии и не носил нижнего белья. У него также было много тайных романов с женщинами, и у него было по крайней мере 14 детей. Это может быть признаком его страсти к женщинам, их формам и сексуальности, что было основным направлением многих его работ. Для большинства его картин характерны золотые или цветные закрученные узоры, спирали и фаллические формы, изображающие доминирующих женщин в эротических позах.

Климт умер во время эпидемии гриппа 1918 года, оставив после себя посмертное наследие, с которым могут сравниться немногие художники. Его картины принесли самые высокие суммы, когда-либо уплаченные на аукционах.

Более …

Густав Климт (14 июля 1862 г. — 6 февраля 1918 г.) был австрийским художником-символистом и одним из самых видных участников движения Венского сецессиона. Климт известен своими картинами, фресками, эскизами и другими предметами искусства.Основным предметом Климта было женское тело, а его работы отмечены откровенной эротикой. Помимо фигуративных работ, в том числе аллегорий и портретов, он писал пейзажи. Среди художников Венского Сецессиона Климт больше всего испытал влияние японского искусства и его методов.

В начале своей творческой карьеры он успешно рисовал архитектурные декорации в традиционной манере. Он разработал более личный стиль, его работа была предметом споров, кульминацией, когда картины он закончил в 1900 году на потолке Большого зала Венского университета были раскритикованы, как порнографический.Впоследствии он больше не принимал государственные заказы, но добился нового успеха с картинами своей «золотой фазы», ​​многие из которых включают сусальное золото. Работа Климта оказала большое влияние на его младшего современника Эгона Шиле.

Густав Климт родился в Баумгартене, недалеко от Вены в Австро-Венгрии, он был вторым из семи детей — трех мальчиков и четырех девочек. Его мать, Анна Климт (урожденная Финстер), имела нереализованное стремление стать музыкальной исполнительницей. Его отец, Эрнст Климт Старший, ранее из Богемии, был гравером по золоту.Все трое их сыновей рано проявили артистический талант. Младшими братьями Климта были Эрнст Климт и Георг Климт.

Климт жил в бедности, посещая Венскую школу прикладного искусства и ремесел, ныне Венский университет прикладных искусств, где он изучал архитектурную живопись с 1876 по 1883 год. Он почитал выдающегося венского художника-историка того времени Ханса Макарта. . Климт с готовностью принял принципы консервативного обучения; его ранние работы можно отнести к академическим.В 1877 году в школу поступил его брат Эрнст, который, как и его отец, стал гравером. Два брата и их друг Франц Матч начали работать вместе, и к 1880 году они получили многочисленные заказы как команда, которую они назвали «Компанией художников». Они также помогали своему учителю в росписи фресок в Художественно-историческом музее в Вене. Климт начал свою профессиональную карьеру с росписи интерьеров и потолков в больших общественных зданиях на Рингштрассе, включая успешную серию «Аллегорий и эмблем».

В 1888 году Климт был награжден Золотым орденом за заслуги перед австрийским императором Францем Иосифом I за его вклад в росписи в Бургтеатре в Вене. Он также стал почетным членом Мюнхенского и Венского университетов. В 1892 году умерли отец и брат Климта Эрнст, и ему пришлось взять на себя финансовую ответственность за семьи своего отца и брата. Трагедии также повлияли на его художественное видение, и вскоре он перешел к новому личному стилю.Характерной чертой его стиля конца XIX века является включение Nuda Veritas (голая правда) в качестве символической фигуры в некоторые из его работ, в том числе «Древняя Греция и Египет» (1891 г.), «Афина Паллада» (1898 г.) и «Nuda Veritas» (1899 г. ). Историки считают, что Климт с помощью nuda veritas осудил как политику Габсбургов, так и австрийское общество, игнорировавшее все политические и социальные проблемы того времени. В начале 1890-х Климт познакомился с австрийским модельером Эмили Луизой Флёге (родной сестрой его невестки), которая должна была быть его спутницей до конца его жизни.Его картина «Поцелуй» (1907–08) считается изображением их влюбленных. Он разработал множество костюмов, которые она создала и смоделировала для его работ.

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с непортированной лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →

Подробнее …

Анализ 100 известных картин и полное собрание сочинений

Густав Климт родился в Вене в 1862 году в семье низшего среднего класса моравского происхождения.Его отец, Эрнст Климт, работал гравером и ювелиром, зарабатывая очень мало.
а детство художника прошло в относительной бедности. Художнику придется поддерживать семью материально на протяжении всей жизни.

В 1876 году Густав Климт получил стипендию в Венской школе искусств и ремесел (Kunstgewerbeschule), где он проучился до 1883 года и получил образование в качестве художника-архитектора. Он почитал
выдающийся исторический художник того времени, Ганс Макарт.Климт с готовностью принял принципы консервативного обучения; его ранние работы можно отнести к академическим. В 1877 году его брат Эрнст, который,
как и его отец, стал бы гравером, тоже поступил в училище. Два брата и их друг Франц Матч начали работать вместе; к 1880 г. они получили многочисленные заказы в качестве
Команда, которую они назвали «Обществом художников», помогала своему учителю в росписи фресок в Художественно-историческом музее в Вене.

После окончания учебы Густав Климт вместе с Матчем и Эрнстом Климтом открыл студию. Трио специализировалось на оформлении интерьеров, особенно театров. Уже к 1880-м годам они были известны
их мастерство и украшали театры по всей Австро-Венгерской империи, и многие их работы все еще можно увидеть там. В 1885 году им было поручено украсить страну императрицы Елизаветы.
ретрит, Вилла Гермес недалеко от Вены (Сон в летнюю ночь).В 1886 году художников попросили украсить Венский Бургтеатр, признав их выдающимися декораторами
Австрия. Работы, которые Климт нарисовал для этого проекта, включают «Повозку Фесписа», «Алтари Диониса и Аполлона» и «Театр в Таормине», а также сцены из Театра «Глобус».
Уильям Шекспир.

Все искусство эротично. «- Густав Климт

По завершении работы в 1888 году художники были награждены Золотым крестом за службу (Verdienstkreuz), а Климту было поручено расписать Зрительный зал Старого Бургтеатра, произведение, которое
приведет его к вершине славы.Эта картина с ее почти фотографической точностью считается одним из величайших достижений натуралистической живописи. В результате Климт был награжден
получил Императорскую премию и стал модным портретистом, а также ведущим художником своего времени. Парадоксально, но это было именно в этот момент, когда сказочная карьера художника-классицизма разворачивалась до того, как
ему, что Климт начал обращаться к радикально новым стилям модерна.

В ближайшие несколько лет артистическое трио распалось.Франц Матч хотел заняться портретной живописью, что он и сделал с некоторым успехом. Между тем, изменившийся стиль Густава Климта сделал это невозможным.
чтобы они вместе работали над любым проектом. Кроме того, Эрнст Климт умер в 1892 году, вскоре после смерти их отца.

Пораженный этой двойной трагедией, Густав отошел от общественной жизни, сосредоточившись на экспериментировании и изучении современных стилей искусства, а также исторических стилей, которые игнорировались в
учреждения, такие как японское, китайское, древнеегипетское и микенское искусство.В 1893 году он начал работу над своим последним общественным заказом: картинами «Философия, медицина».
и юриспруденция для Венского университета. Эти три проекта будут завершены только в начале 1900-х годов, и их будут жестко критиковать за их радикальный стиль и то, что
по нравам того времени разврат. К сожалению, картины были уничтожены во время Второй мировой войны, от них остались только черно-белые репродукции.

Не только художник выступал против австрийского художественного истеблишмента того времени.В 1897 году он вместе с сорока другими известными венскими художниками ушел из Академии художеств и основал
«Союз австрийских художников», более известный как Сецессион. Климт был немедленно избран президентом. Хотя у Союза не было четко определенных целей или поддержки определенных стилей, он был против классицизма.
истеблишмент, который оказывается репрессивным.

В 1902 году Густав Климт завершил работу над Бетховенским фризом для 14-й выставки венских сецессионистов, которая должна была стать чествованием композитора и показала монументальную полихромную скульптуру.
пользователя Макс Клингер.Предназначенный только для выставки, фриз был расписан прямо на стенах легкими материалами. После выставки картина сохранилась, хотя и не выставлялась.
до 1986 г.

В этот период Климт не ограничивался общественными заказами. Начиная с конца 1890-х годов он ежегодно проводил летние каникулы с семьей Флёге на берегу Аттерзее и рисовал множество картин.
его пейзажей там. Климт в основном интересовался рисованием фигур; эти работы составляют единственный жанр, помимо фигурной живописи, который серьезно интересовал Климта.Аттерзее Климта
Картины имеют такое количество и качество, что заслуживают отдельной оценки. Формально пейзажи отличаются такой же изысканностью дизайна и выразительной узорчатостью, что и фигурные.
шт. Глубокое пространство в работах Аттерзее настолько эффективно сплющено до единой плоскости, что считается, что Климт рисовал их, глядя в телескоп.

«Золотая фаза» Климта была отмечена положительной критической реакцией и успехом. Во многих его картинах этого периода использовалось сусальное золото; Известное использование золота восходит к Афине Паллады,
(1898) и Юдифь и голова Олоферна (1901), хотя работы, наиболее часто связанные с этим периодом, — это Портрет Адели Блох-Бауэр I (1907).
и «Поцелуй» (1907–1908).Климт мало путешествовал, но поездки в Венецию и Равенну, известные своими прекрасными мозаиками, скорее всего, вдохновили его золотую технику и его творчество.
Византийские образы. В 1904 году он сотрудничал с другими художниками в роскошном дворце Стокле, доме богатого бельгийского промышленника, который был одним из величайших памятников эпохи модерна. Климта
Вклады в столовую, включая исполнение и ожидание, были одними из его лучших декоративных работ, и, как он публично заявил,
«наверное, конечный этап моего развития орнамента.«Между 1907 и 1909 годами Климт написал пять полотен светских женщин, закутанных в мех. Его явная любовь к костюму выражена во многих фотографиях Флёге.
моделировочная одежда, которую он разработал.

Работая и отдыхая в своем доме, Густав Климт обычно носил сандалии и длинный халат без нижнего белья. Его простая жизнь была несколько замкнутой, посвященной искусству и семье, и мало чему еще.
кроме сепаратистского движения, и в социальном плане он избегал кафе и других художников.Слава Климта обычно привлекала к нему посетителей, и он мог позволить себе быть очень разборчивым. Его картина
метод был очень обдуманным и кропотливым, и ему требовались длительные сеансы от его испытуемых. Хотя он был очень активен в сексуальном плане, он держал свои дела в тайне и избегал личных скандалов.

К 1910 году Густав Климт отошел от своего золотого стиля. Одна из последних его картин в этом стиле — «Смерть и жизнь» (1908–1910).В 1911 году картина была показана на Международной
Выставка в Риме, где заняла первое место. Однако художник остался недоволен работой, и в 1912 году он сменил фон с золотого на синий.

В 1915 году умерла его мать Анна. Густав Климт умер через три года в Вене 6 февраля 1918 года от инсульта и пневмонии. Похоронен на кладбище Хитцинг в Вене. Осталось много картин
незаконченный.

Картины Густава Климта стали одними из самых высоких цен на отдельные произведения искусства. В 2006 году портрет Адели Блох-Бауэр I 1907 года был приобретен для Новой галереи в г.
«Нью-Йорк» Рональда Лаудера за 135 миллионов долларов США, что превзошло картину Пикассо 1905 года «Мальчик с трубкой» (продано 5 мая 2004 года за 104 миллиона долларов).
самая высокая заявленная цена, когда-либо уплаченная за картину.

Работы Густава Климта часто отличаются элегантным золотым или цветным декором, спиралями и завитками, а также фаллическими формами, используемыми для скрытия более эротических позиций рисунков, на которых изображены многие из его картин.
основаны.Это можно увидеть в «Юдифи и голове Олоферна» (1901), в «Поцелуе» (1907–1908) и особенно в «Данае» (1907). Один из самых распространенных
Темой, которую использовал Густав Климт, была доминирующая женщина, роковая женщина.

Искусствоведы отмечают эклектичный диапазон влияний, способствующих отличному стилю Климта, включая египетское, минойское, классическое греческое и византийское вдохновение. Густав Климт тоже был вдохновлен гравюрами.
Альбрехта Дюрера, позднесредневековая европейская живопись и японская школа Римпа.Его зрелые работы характеризуются отказом от более ранних натуралистических стилей и использованием символов или символических элементов.
передать психологические идеи и подчеркнуть «свободу» искусства от традиционной культуры.

Густав Климт | Neue Galerie NY

б. 1862 г., Баумгартен

d. 1918, Вена

Густав Климт родился 14 июля 1862 года на окраине Вены в Баумгартене. Он был вторым из семи детей, рожденных Анной и Эрнстом Климтом, гравером по металлу.В октябре 1876 года Густав был принят в Kunstgewerbeschule (Школу прикладных искусств). В следующем году брат Густава, Эрнст, присоединился к нему в Kunstgewerbeschule. Они оба намеревались стать учителями рисования.

После окончания Kunstgewerbeschule в 1883 году Густав и Эрнст Климт присоединились к своему коллеге-художнику Францу Матчу, чтобы основать свою собственную студию и основали Künstler-Compagnie (Компания художников). Они согласились работать в стиле историзма, без стилистических различий и с учетом того, что один возьмет на себя работу другого, если он не сможет ее завершить.Они быстро привлекли комиссии по всей Австро-Венгерской империи, Германии, Швейцарии и на Балканах. В 1886 году Künstler-Compagnie получила свой первый значительный заказ: покрасить потолок двух лестниц недавно построенного Бургтеатра в Вене. Император Франц Иосиф I остался доволен работой.

В 1890 году Густав переехал на Вестбанхофштрассе 36, где он прожил остаток своей жизни со своими старыми сестрами Кларой и Гермине и своей матерью Анной. И братья Климт, и Матч присоединились к ведущей и консервативной Künstlerhausgenossenschaft (Венской ассоциации художников) также в 1890 году.Брат Густава Эрнст женился на Хелене Флёге в 1891 году, и в том же году Густав написал свой первый портрет ее сестры Эмили.

Климт никогда не был женат, хотя у него были тайные отношения с многочисленными моделями, и у него были долгие платонические отношения со своей невесткой Эмили Флёге, которая была модным дизайнером-реформатором. Климт следовал одному и тому же распорядку каждый день, и его редко видели в среде венской культуры, несмотря на то, что он был центральной фигурой венской арт-сцены конца века.Возникло бы противоречие в том, как он вел свою личную жизнь и как воспринимали его работу.

Компания Künstler-Compagnie переехала в студию по адресу Josefstädter Strasse 21 в 1892 году. Она оставалась студией Густава до 1912 года. Отец Густава умер 13 июля 1892 года. Его брат Эрнст умер 9 декабря того же года, и Густав был назначен опекуном. его дочери, Элен Луиза Климт. Künstler-Compagnie постепенно распалась примерно в это время из-за смерти Эрнста Климта и стилистического развития Густава.

Климт и Матч получили заказ в 1894 году на подготовку эскизов росписи потолка Большого зала Венского университета. Климту было присвоено Философия , Медицина и Юриспруденция . Матч отвечал за Theology и центральную картину. Это задание было сопряжено с трудностями с самого начала, поскольку Климт и Матч больше не работали в одном стиле. Так называемая комиссия факультета живописи окажется поворотным моментом в карьере Климта, даже если любое решение будет затягиваться как минимум на десятилетие.

Одновременно с работой над факультетскими картинами Климт и еще двадцать художников ушли из Künstlerhausgenossenschaft в 1897 году и основали Vereinigung bildender Künstler Österreichs (Союз австрийских художников или Венский сецессион). Климта назвали первым президентом. Климт вместе с Йозефом Хоффманном и Карлом Моллем были ответственны за программирование выставки в Сецессионе до 1905 года. Также в 1897 году Климт и Эмили Флёге начали переписку, которая переросла в пожизненную переписку.Климт начал проводить лето с семьей Флёге и занялся пейзажной живописью.

На выставке «Седьмой сецессион», проходившей с 8 марта по 6 июня 1900 года, Климт представил свою первую факультетскую картину « Философия » в незавершенном виде. Выставка привлекла 35 000 посетителей, и картина вызвала скандал. Восемьдесят семь профессоров подписали петицию с просьбой не устанавливать ее в Большом зале университета, и только дюжина написала в поддержку работы.Фурор был вызван тем, что символика Климта была нечеткой, а некоторые считали, что эта тема выходит за пределы его интеллектуального диапазона. Климт был оправдан, когда картина была показана на Всемирной выставке в Париже в том же году, когда он был награжден золотой медалью (Гран-при) за эту картину.

Вторая факультетская картина Климта, Медицина , была показана на Десятой выставке Венского Сецессиона, проходившей с 15 марта по 12 мая 1901 года. Это также вызвало протесты, отчасти потому, что он не признавал, что медицина дает какие-либо исцеляющие силы.

Для выставки «Четырнадцатый сецессион», проходившей с 15 апреля по 27 июня 1902 года, Климт создал фриз Бетховена. Как и большая часть его работ, это было встречено энтузиазмом и протестами.

В 1903 году Климт посетил Венецию и Равенну один раз в мае и еще раз в конце года. Ранние византийские мозаики Сан-Витале произвели на него неизгладимое впечатление, и их влияние отразилось на развитии его «золотого стиля». Именно в это время начался его так называемый «золотой период».«Золотой стиль» примечателен использованием сусального золота, а иногда и серебра. Это ощущение horror vacui , поскольку почти все поверхности украшены орнаментом, часто с геометрическими или цветочными элементами. Фигура приобретает качество значка и часто кажется обитающим в нескольких средах. Одним из самых ярких примеров «золотого стиля» Климта является его портрет Адели Блох-Бауэр 1907 года.

В мае 1903 года Хоффманн, Коломан Мозер и Фриц Верндорфер основали Wiener Werkstätte (Венские мастерские).Здесь постоянно экспонировалось несколько картин Климта. Многие клиенты Климта также были покровителями Сецессиона и Венских мастерских.

Министерство образования окончательно утвердило картины Климта для преподавателей. Однако из-за художественных различий между работами Климта и Матча было предложено выставлять работы Климта не в Большом зале университета, а в современной галерее. Осенью 1903 года Сецессион организовал крупнейшую выставку работ Климта, получившую название «Коллектив Климта» (Klimt Collective), на которой было представлено восемьдесят работ.В него вошли три факультетские картины, которые были показаны вместе впервые. В начале апреля 1905 года Климт официально вышел из состава факультетской комиссии Венского университета. Картины были возвращены ему, и он вернул гонорар с помощью своего покровителя Августа Ледерера. Ледерер получил взамен Philosophy . Две другие картины Коломан Мозер приобрел несколько лет спустя. Все они были переведены в замок Иммендорф на хранение во время войны и, к сожалению, были потеряны во время пожара в 1945 году.

В июне 1905 года Венский Сецессион раскололся на две группы после продолжительных разногласий между его членами. Одна группа сплотилась вокруг Йозефа Энгельхарта, а другая получила название Klimt-Gruppe. В том же году Климт получил заказ на создание фриза столовой для Дворца Стокле. В 1906 году он отправился в Брюссель, чтобы встретиться с Адольфом Стокле.

Художники Klimt-Gruppe организовали Kunstschau (Художественную выставку) 1908 года в Вене, представив свои работы в импровизированном выставочном зале, спроектированном Хоффманном.Центром выставки был зал Климта с шестнадцатью картинами, в том числе «Поцелуй », приобретенным Moderne Galerie, и портрет Адели Блох-Бауэр 1907 года. В следующем году художники Klimt-Gruppe организовали вторую временную выставку международного масштаба.

В 1910 году Климт завершил свои проекты фриза Дворца Стокле, которые были выполнены Венскими мастерскими, но он не видел их установленных до 1914 года. Последние десять лет его жизни были сосредоточены почти исключительно на пейзажах и портретах, почти полностью все женщины.

11 января 1918 года у Климта случился инсульт, когда он был дома, в результате чего его правая сторона была парализована. Его поместили в санаторий Фюрт, а затем перевели в Allgemeine Krankenhaus (больницу общего профиля). Эгон Шиле внимательно следил за состоянием своего здоровья. Климт скончался в больнице утром 6 февраля от легочной инфекции.

Климт как личность был чем-то вроде загадки. Он не вел дневник и не делал замечаний о своей работе, но оставил выписку без даты:

«Я умею рисовать и рисовать…. Только две вещи можно сказать наверняка. 1) Никогда не писал автопортреты. Я меньше интересуюсь собой как предметом живописи, чем другими людьми, прежде всего женщинами. Но другие темы меня интересуют еще больше. Убежден, что как человек я не особо интересен. Во мне нет ничего особенного. Я художник, который рисует день за днем ​​с утра до ночи. Рисунки и пейзажи, реже портреты. 2) У меня нет ни устного, ни письменного слова, особенно если мне нужно что-то сказать о себе или своей работе….. Тот, кто хочет что-то узнать обо мне — как о художнике, единственная примечательная вещь — должен внимательно посмотреть на мои картины и попытаться увидеть в них, кто я и что хочу делать ».

10 произведений Климта, которые вам следует знать

Густав Климт, Портрет Адели Блох-Бауэр I, 1907 | © Neue Galerie / WikiCommons

Густав Климт родился в 1862 году и был австрийским художником, известным своими красивыми, очень декоративными работами, часто источающими эротическую тематику. В свое время Климта считали бунтарем, поскольку он создавал картины, которые не соответствовали академическому искусству — действительно, он создавал искусство и жил жизнью на своих собственных условиях.Тем не менее, его картины — настоящие шедевры, особенно те, которые демонстрируют его использование сусального золота, добавляя великолепный новый элемент. Ниже мы собрали некоторые из наших любимых картин Климта.

Эта картина, изображающая библейскую героиню Юдифь, является сильно позолоченной фигурой, в центре внимания которой находится заглавная героиня. Как следует из названия, Юдифь действительно держит голову Олоферна; однако, чтобы не отвлекать от нее внимания, Климт нарисовал только часть головы Олоферна.И, как и в случае с женскими фигурами Климта, эта излучает эротизм — чувственная роковая женщина Джудит с довольным выражением лица смотрит на зрителя, и она, как и многие женщины Климта, обнажена. Эту работу можно найти в Österreichische Galerie Belvedere в Вене.

Густав Климт, Юдифь и голова Олоферна, 1901 | © Österreichische Galerie Belvedere / WikiCommons

Бетховенский фриз, написанный в 1901–02 годах, задумывался как временная работа, отдавая дань уважения Бетховену, но, к счастью для любителей искусства, он по-прежнему находится в том же здании, в котором был создан.Основанное на интерпретации Рихардом Вагнером «9-й симфонии» Бетховена, произведение искусства Климта охватывает 34 метра, изображая борьбу, с которой люди сталкиваются на протяжении всей жизни, за которыми следует счастье, обретаемое в искусстве. С долгой историей фриз дважды снимали и продавали и годами хранили на складе, прежде чем снова продать. Произведение, приобретенное Австрийской Республикой, прошло десятилетнюю реставрацию и снова выставлено на обозрение в Доме сецессиона в Вене.

Густав Климт, Фрагмент из Бетховенского фриза, 1902 г. | © Österreichische Galerie Belvedere / WikiCommons

Эмили Флёге была модницей, которая также была спутницей жизни Климта.В то время как Климт был известен своей женственностью, Эмили была единственной женщиной, которая всегда была рядом с ним, когда дело касалось дружеских отношений и дизайна — она ​​даже создавала платья, изображенные на его картинах. В 1902 году Климт написал стоящий портрет Эмили, одетой в красивое, длинное и украшенное платье синего, пурпурного, черного и золотого цветов, которые, как и многие его работы, были радикальными для того времени. По большей части фон нейтральный, что позволяет Эмили, которая смотрит прямо на зрителя, быть главным центром внимания.

Густав Климт, Эмили Флёге, 1902 г. | © Венский музей / WikiCommons

«Три возраста женщины» (1905 г.) — аллегорическая картина, изображающая трех женщин на разных этапах жизни, от младенца до старухи — другими словами, она представляет круг жизни. Мать нежно обнимает свою дочь, в то время как пожилая женщина стоит рядом, глядя вниз головой и закрывая лицо рукой. Все три фигуры обнажены; однако волосы молодой матери украшены цветами, а прозрачная яркая ткань обвивает нижнюю часть ее тела и тела ее ребенка.Мрачная фигура пожилой женщины, которая, возможно, была вдохновлена ​​«Старой куртизанкой» Родена, полностью обнажена с ее обвисшей морщинистой кожей, что означает, что конец близок. Именно эту работу можно найти в Риме в Национальной галерее современного искусства.

Густав Климт, Три возраста женщины, 1905 | © freeparking: -l / Flickr

Многие картины Климта очень эротичны; однако с Даняэ ему удается вывести его на совершенно другой уровень. Картина, завершенная в 1907 году, изображает Даняэ из греческой мифологии, которую отец запер в бронзовой башне, чтобы защитить ее от мужчин, поскольку он считал, что у нее будет сын, который в конечном итоге убьет его.Зрители видят, как обнаженная Даняэ крепко спит, и в этой конкретной сцене ее посещает Зевс, оплодотворяющий ее золотыми монетами, которые скользят между ее ног, а ее лицо выражает удовлетворение. Вы можете найти эту работу в Вене в Galerie Würthle.

Густав Климт, Даняэ, 1907 г. | © Galerie Würthle / WikiCommons

Портрет Адели Блох-Бауэр I, одно из самых дорогих когда-либо проданных произведений искусства, находится в Новой галерее в Нью-Йорке.На этой сильно позолоченной картине, написанной в 1907 году, изображена венская светская львица Адель Блох-Бауэр, которая дважды сидела для Климта, будучи единственным человеком, который когда-либо делал это, и имеет увлекательную историю. Работа была конфискована нацистским правительством и в конечном итоге оказалась в австрийском музее, когда законная наследница Мария Альтманн подала в суд на правительство Австрии в середине 2000-х и выиграла. Потрясающий шедевр, работа наверняка захватит дух у любого зрителя при просмотре вживую.

Показывать беременность в произведениях искусства нечасто, особенно в прошлом; однако «Надежда Климта II» изображает именно это.На этой работе, написанной в 1907–1908 годах, изображена женщина в яркой одежде с обнаженной грудью и смотрящей вниз с закрытыми глазами. Из-под ее халата выглядывает череп, а три женщины — которые, кажется, почти поглотила женская одежда — внизу картины также смотрят вниз. Фон нейтральный, привлекая взгляд зрителя к центру картины. Хотя в названии есть слово «надежда», все на картине заставляет зрителя поверить в то, что все будет плохо.Найдите это в MoMA в Нью-Йорке.

Густав Климт, Надежда II, 1907–1908 гг. | © Музей современного искусства / WikiCommons

Созданный в 1907 году, «Поцелуй» (Любовники), несомненно, является самой известной работой Климта и является частью его «Золотой фазы», ​​в которой он использовал сусальное золото, чтобы придать своим работам роскошный вид. На красивой картине изображена влюбленная пара, которая находится среди цветочного поля, женщина с наклоненной головой, а мужчина, лицо которого по большей части не видно, целует ее в щеку.Плотно обнимая друг друга, мужской костюм украшен геометрическими фигурами (прямоугольники черного, белого, серого и золотого), а женский — яркими цветами, символизирующими женственность. Сегодня это невероятное символическое произведение можно найти в Австрийской галерее Бельведер в Вене.

Густав Климт, Поцелуй (влюбленные), 1907–1908 | © Österreichische Galerie Belvedere / WikiCommons

Помимо картин с фигурами, Густав Климт был вдохновлен красотой природы. На протяжении многих лет художник, как известно, летом проводил время в Аттерзее, красивом озере и курорте, расположенном на севере Австрии.Он нашел там много вдохновения и за эти годы нарисовал различные пейзажи, будь то изображения воды, цветочных полей или даже проспекта в парке, например, авеню в парке Шлосс Каммер. Это картина, которая выглядит так, как если бы вы могли войти прямо внутрь и прогуляться по проспекту, с огромными деревьями с каждой стороны, образующими навес.

Густав Климт, проспект в парке замка Каммер, 1912 | © Österreichische Galerie Belvedere / WikiCommons

Богородица, расположенная в Национальной галерее в Праге, представляет собой красочную демонстрацию блеска Климта, и, как и большинство его работ, эта картина также полна символизма.На первый взгляд, это прекрасная работа, изображающая спящую в центре фигуру с шестью другими, окружающими ее, украшенную яркими синими, красными, зелеными, желтыми и другими цветами, но если вы посмотрите глубже, вы найдете различные символы, намекающие на то, что Дева становится девственницей. женщина, например спирали на платье (которые символизируют плодородие) и небольшой пробор ее ног. Желая передать настроение — или эмоциональное чувство — как того хотели все символисты в то время, Климт преуспел в «Богородице», когда зритель втягивается в картину, гадая, о чем мечтает дева.

Густав Климт, Богородица, 1913 | © Национальная галерея в Праге / WikiCommons

Изучение знаменитых картин Климта из золотой фазы художника

Фрагмент «Портрета Адели Блох-Бауэр I»

Австрийский художник Густав Климт — один из самых известных художников-символистов. За свою успешную карьеру он создал портфолио, состоящее из академических картин, натурных рисунков и даже предметов декоративного искусства. Тем не менее, он наиболее известен коллекцией блестящих позолоченных работ, которые он создал во время своей золотой фазы года .

Этот яркий период длился около десяти лет, но он стал отличительной чертой стиля Климта и привел к появлению некоторых из самых известных и ценных картин современного искусства.

Фон

Густав Климт начал свою профессиональную карьеру в 1880 году, когда он, его брат и друг основали «Товарищество художников». Трио часто заказывали расписывать фрески по всей Вене. Хотя эти крупномасштабные общедоступные картины изначально создавались в академическом стиле и отображали классические сюжеты, многие из них предвещали роль Климта в Сецессионистском движении — и его последующий переход в его авангардную Золотую Фазу.

Дом сецессиона в Вене (Фото: Хорхе Роян через Wikimedia Commons CC BY-SA 3.0)

Климт стал соучредителем сепаратистского движения в 1897 году. Отвергая традиционно консервативную художественную сцену Вены, Климт и другие сепаратисты предоставили современным художникам Вены платформу для обмена своими работами. Это освободительное движение вдохновило и позволило Климту экспериментировать со своим искусством и развить стиль Symbolist , вдохновленный движениями модерн и декоративно-прикладного искусства.

По мере того, как его стиль рисования становился все более современным, изменился и его подход к материалам. В первые годы движения Климт начал использовать сусальное золото в своих работах, что ознаменовало начало самого успешного — и блестящего — периода его карьеры.

Золотая фаза

Ранние примеры

Pallas Athene часто считается самым ранним произведением из «Золотой фазы» Климта. На этой масляной картине, выполненной в 1898 году, изображена греческая богиня Афина, одетая в доспехи и принимающая вызывающую позу.Хотя в этом произведении по-прежнему присутствует классическое влияние, присущее его ранним произведениям, в нем смелое использование золота и присутствие узоров намекают на грядущие работы Климта.

«Афина Паллада, 1898 г. (Фото через Wikimedia Commons Public Domain)

Другой ранний пример этого периода — Judith I . Как и многие из его более поздних работ, на этой картине изображен портрет женщины (в данном случае это Юдифь, библейская фигура, прославившаяся убийством Олоферна, захватчика) в окружении декоративных узоров и на золотом фоне.Точно так же Климт изображает женскую фигуру с эротическим подтекстом — подход, который стал неотъемлемой частью его практики в этот период.

«Юдифь I», 1901 г. (Фото: Gemeente Museum через Wikimedia Commons Public Domain)

В 1902 году Климт углубился в свою Золотую Фазу с Бетховенским Фризом . Этот настенный цикл длиной 112 футов был создан для 14-й выставки венских сецессионистов. Он отдает дань уважения немецкому композитору и пианисту Людвигу ван Бетховену, предлагая визуальную интерпретацию его 9-й симфонии года .Он также отличается роскошными плоскостями, мистическими мотивами и фигурами и декоративными акцентами, которые стали характерными чертами золотых картин Климта.

Фрагмент «Бетховенского фриза» 1902 года (фото через Wikimedia Commons Public Domain)

Высота периода

Золотая фаза Климта достигла своего полного успеха с тремя ключевыми работами: Портрет Адели Блох-Бауэр I, Стоклет Фриз, и Поцелуй.

Климт, успешный художник и видный деятель современного искусства Вены, часто получал заказы на создание портретов женщин из высшего сословия столицы.Наиболее известным из этих изображений является Портрет Адели Блох-Бауэр I (1907 г.), на котором изображена жена богатого еврейского банкира. Хотя это произведение изображает одного из реальных современников Климта, его смелое использование золота придает ему неземное ощущение, напоминающее византийскую мозаику, иллюстрирующее вечное качество «новой венской женщины».

«Адель Блох-Бауэр I», 1907 г. (Фото: Neue Galerie через Wikimedia Commons Public Domain)

Между 1905 и 1911 годами Климт создал Stoclet Frieze , серию из трех экстравагантных мозаик, заказанных для столовой дома Стокле в Брюсселе.Центром всего набора является Древо жизни , стилизованное изображение дерева с закрученными, спиралевидными ветвями, замысловатыми узорами и символическими мотивами, вдохновленными древним искусством. Дерево дополняют фигуры, в том числе элегантная танцовщица и пара, поразительно похожая на влюбленных, изображенных в The Kiss . В своих этюдах для фриза Климт украсил сцену золотыми вставками.

Этюд «Древо жизни», ок. 1905–1909 (Фото: Проект Йорка через Wikimedia Commons Public Domain)

Пожалуй, самая известная работа Климта, Поцелуй , была завершена в 1908 году.На нем изображены мужчина и женщина, мирно обнимающиеся на лужайке мерцающих цветов. Одетые в контрастные узоры и преимущественно состоящие из позолоченных форм, они заключают в себе декоративный акцент «Золотой фазы» Климта.

«Поцелуй», ок. 1907–1908 (Фото: Google Arts & Culture через Wikimedia Commons Public Domain)

Поздняя работа

Примерно в 1911 году Климт перестал украшать свои холсты сусальным золотом. Вместо этого он начал включать в свои композиции замысловатые плоскости калейдоскопического цвета, достигая кульминации в дизайне, напоминающем тканые гобелены или инкрустацию.

«Смерть и жизнь», ок. 11910-1915 (Фото: Google Arts & Culture через Wikimedia Commons Public Domain)

Климт работал в этом стиле до своей смерти в 1918 году. Хотя эти работы остаются знаменитой частью его портфолио ( Смерть и жизнь получили первую премию на Международной художественной выставке 1911 года в Риме), это блестящие произведения из его Золотого Период, который, кажется, выделяется на фоне остальных.

Фрагмент картины «Поцелуй»

Статьи по теме:

Обменяйте своего мстителя на художника с фигуркой Густава Климта

Иммерсивная инсталляция преображает пустую литейную с помощью проекций культовых картин Климта

Известные картины Густава Климта воссозданы с использованием живых моделей

8 знаковых художников и их любимые предметы вдохновения

Монументальные шедевры: 8 самых известных крупномасштабных картин в истории искусства

Жизнь и творчество Густава Климта, художник «Поцелуй»

Густав Климт, Поцелуй (фрагмент), ок.1908-09, холст, масло. Предоставлено музеем Бельведер.

Густав Климт (14 июля 1862 г. — 6 февраля 1918 г.) наиболее известен как основатель Венского сецессиона и ведущий представитель мирового движения в стиле модерн. Основным предметом его работ является женское тело, и его тема поразительно эротична для того времени. Его работы получили одни из самых высоких цен, когда-либо уплачиваемых на аукционах за произведения искусства.

Быстрые факты: Густав Климт

  • Род занятий: Художник
  • Ключевые достижения : Лидер художественного движения Венского сецессиона
  • Родился: 14 июля 1862 года в Баумгартене, Австро-Венгрия
  • Умер: 6 февраля 1918 года в Вене, Австро-Венгрия
  • Образование: Vienna Kunstgewerbeschule
  • Избранные произведения: Nuda Veritas (1899), Адель Блох-Бауэр 1 (1907), The Kiss (1908), Tod und Leben ( Смерть и жизнь) (1911)
  • Знаменитая цитата: «Я умею рисовать и рисовать.Я сам в это верю, и еще несколько человек говорят, что тоже верят в это. Но я не уверен, правда ли это ».

Ранние годы

Климтом в 1910 году.
Imagno / Getty Images

Густав Климт, второй из семи детей, родился в Баумгартене, городке недалеко от Вены на территории тогдашней Австро-Венгрии. Его мать Анна Климт мечтала стать музыкальной исполнительницей, а отец Эрнст Климт Старший был гравером по золоту. Климт и его братья Эрнст и Джордж проявили художественный талант в раннем возрасте.

В возрасте 14 лет Густав Климт поступил в Венскую Kunstgewerbeschule (теперь известную как Венский университет прикладных искусств), где он изучал живопись в академических традициях. Его специальность — архитектурная живопись.

После окончания университета Климт, его братья и его друг Франц Матч основали «Компанию художников» и начали получать заказы на общественные проекты и росписи. В 1888 году австро-венгерский император Франц Иосиф I наградил Густава Климта Золотым орденом «За заслуги» за его работу над фресками в Венском Бургтеатре.

Четыре года спустя, в 1892 году, случилась трагедия: отец и брат Климта Эрнст умерли в том же году, оставив Густава финансовую ответственность за свои семьи. Личная трагедия повлияла на работу Климта. Вскоре он разработал новый стиль, более символичный и эротичный по тону.

Венский Сецессион

Бетховенский фриз.

В 1897 году Густав Климт стал одним из основателей и президентом Венского Сецессиона, группы художников, разделяющих интерес к живописи вне академических традиций.Венский Сецессион был призван предоставить возможности для выставок нетрадиционным начинающим художникам и привезти работы иностранных художников в Вену. Венский Сецессион не поощрял какой-либо определенный стиль искусства, а скорее продвигал художественную свободу как философскую идею. Они поддержали их усилия, предоставив землю для строительства выставочного зала.

В 1899 году Густав Климт завершил работу над картиной « Nuda Veritas », которая, как он ожидал, потрясла бы академическое искусство.Над обнаженной рыжеволосой женщиной на картине Климт поместил следующую цитату Фридриха Шиллера: «Если вы не можете угодить всем своими делами и своим искусством, угодите лишь немногим. Угодить многим — плохо».

Примерно в 1900 году Климт завершил серию из трех картин для Большого зала Венского университета. Символические и эротические темы, включенные в работе были подвергнуты критике, как порнографический. Картины, которые были последней общественной комиссией, принятой Климтом, никогда не выставлялись на потолке.Нацистские военные уничтожили все три картины во время Второй мировой войны.

В 1901 году Климт написал Бетховенского фриза. Картина предназначалась для 14-й выставки Венского Сецессиона, предназначалась только для самой выставки. Климт рисовал прямо на стенах. Однако картина была сохранена и, наконец, снова выставлена ​​на всеобщее обозрение в 1986 году. Лицо Людвига ван Бетховена на картине напоминает лицо австрийского композитора Густава Малера.

Золотая фаза

Густав Климт, Портрет Адели Блох-Бауэр I (фрагмент), ок.1903–1907, холст, масло, серебро, золото.
Предоставлено Neue Galerie New York.

Золотая фаза Густава Климта была его наиболее успешной в критическом и финансовом отношении. Название происходит от использования сусального золота во многих картинах того времени. Двумя самыми известными являются модель Adele Bloch-Bauer I 1907 года и Kiss , построенная в 1908 году.

Работа Климта с сусальным золотом демонстрирует влияние византийского искусства и мозаики Венеции и Равенны, Италия, направлений путешествий художника в то время.В 1904 году Густав Климт сотрудничал с другими художниками в оформлении Дворца Стокле, дома богатого бельгийского покровителя. Его работы Fulfillment и Expectation считаются одними из лучших его декоративных работ.

Kiss считается одним из определяющих произведений движения в стиле модерн. Он смело сочетает в себе органические линии и смелое естественное наполнение, которые пронизывают живопись и декоративное искусство той эпохи. Приобретенный австрийским правительством еще не завершенный, The Kiss помог восстановить репутацию Густава Климта после споров вокруг его работы над Большим залом Венского университета.

Личная жизнь

Imagno / Getty Images

Образ жизни Густава Климта для того времени считался нетрадиционным. Работая и отдыхая дома, он носил сандалии и длинный халат без нижнего белья. Он редко общался с другими художниками и предпочитал сосредоточиться на своем искусстве и семье.

В 1890-х годах Климт на протяжении всей жизни дружил с австрийским модельером Эмили Луизой Флёге. Были ли они вовлечены в сексуальные отношения, все еще остается предметом споров.Известно, что он вступал в сексуальные отношения со многими женщинами и за свою жизнь стал отцом как минимум 14 детей.

Густав Климт оставил мало письменных материалов о своем искусстве или вдохновении. Он не вел дневник, и большую часть его писем составляли открытки, отправленные Эмили Флог. Один из его редких личных комментариев включал в себя заявление: «Во мне нет ничего особенного. Я художник, который рисует день за днем ​​с утра до ночи … Кто когда-нибудь захочет узнать обо мне что-нибудь… следует внимательно посмотреть на мои фотографии. «

Более поздняя жизнь и наследие

Крис Хондрос / Getty Images

Картина Климта 1911 года « Tod und Leben (Смерть и жизнь) » получила главный приз на Международной художественной выставке в Риме. Это была одна из последних значительных работ Густава Климта. В 1915 году умерла его мать Анна. В январе 1918 года Климт перенес инсульт. Он заболел пневмонией, когда был госпитализирован, и умер 6 февраля 1918 года. Он оставил после себя множество незаконченных картин.

Густав Климт был лидером Венского Сецессиона и одним из самых выдающихся художников недолговечного всемирного движения модерн. Однако его стиль считается очень личным и уникальным для художника. Он действительно оказал значительное влияние на других австрийских художников Эгона Шиле и Оскара Кокошку.

Работа Климта принесла одни из самых высоких аукционных цен за всю историю. В 2006 году модель Adele Bloch-Bauer I была продана за 135 миллионов долларов, что стало самой высокой ценой, когда-либо уплаченной в то время. Адель Блох-Бауэр II превысила эту сумму, продав за 150 миллионов долларов в 2016 году.

Источники и дополнительная информация

  • Флидль, Готфрид. Густав Климт 1862-1918 Слово в женской форме . Бенедикт Ташен, 1994.
  • Whitford, Frank. Климт. Thames and Hudson, 1990.

.